Dr. Feelgood (Canvey Island, 1972 - 1994)

En 1967 dos chicos de Essex (Inglaterra), Lee Brilleaux y Chris Fenwick, decidieron formar una banda de blues y folk llamada Southside Jug Band. Conforme su inclinaciones musicales derivaban hacia el rhytm & blues primero, y al rock and roll despues, la banda pasó a llamarse The Fix primero y The Pigboy Charlie Band despues. Cuando se fichó al nuevo guitarrista Wilko Johnson, Fenwick prefirió ser el manager del grupo. Con John B. Sparks y The Great Figure a la batería el pintoresco grupo estaba formado, tomando como nuevo nombre el de Dr. Feelgood por el título de una canción de Piano Red que ya habían versioneado sus idolatrados Johnny Kid & The Pirates (en argot británico Dr. Feelgood se usa para referirse a un matasanos y, en ambientes más underground, a un médico que receta drogas y, en ocasiones y en tono humorístico, por extensión, a los camellos). Pronto las vibrantes y alocadas maneras de Lee y el loco Wilko, convirtiendo temas de rhythm & blues en salvajes actuaciones más cercanas al rock duro llamaron la atención por toda Inglaterra. Ello les valió para que United Artist les editara su primer single, "Roxette" (1975) y acto seguido su inolvidable album "Down by the Jetty". En seguida se convirtieron en uno de los grupos preferidos del nuevo rock and roll británico, a medio camino entre el rhythm & blues, el rock que se hacía antes y el punk que vendría poco despues (algunos críticos han llamado a este estilo pub rock, pues se fraguaron sus grupos tocando en pequeños pubs ingleses). Pero su éxito entre el gran público vendría con su tercer LP, "Stupidity" (1976), que se auparía al primer puesto en las listas británicas, cosa no demasiado sorprendente pues por primera vez se recogía en vinilo la energía de sus actuaciones en vivo. Por desgracia, debido al stress de interminables giras (ahora por toda Europa) hubo problemas entre ellos y mientras se preparaba el siguiente disco, "Sneakin´ suspicion" (1977), surgieron diferencias sobre la forma de grabar la canción "Lucky seven" lo cual degeneró en una paranoica rabieta de Wilko que dejó el grupo para iniciar una extraña carrera en solitario. A pesar de la decepción que supuso para los fans el abandono del guitarramaniaco, el disco es excelente, contando con canciones tan salvajes como la pseudo-rockabilly versión de "Lights out". El nuevo guitarra John Mayo fue un buen fichaje, excelente guitarrista y compositor, pero las actuaciones en directo del grupo perdían sin Wilko. Fue el primero de una serie de interminables cambios en la formación del grupo que, en pocos años, lo dejarían practicamente irreconocible y con Brilleaux como unico superviviente original. Pero mientras tanto la época con Mayo fue la más exitosa del grupo con álbumes como "Be seeing you", repleto de obras maestras entre las que destaca el rock and roll lleno de mala leche "Looking back", "As it happens" (1979), con la genialidad "Milk and alcohol", y, sobre todo, "Let it roll" (1979), algunos de ellos producidos por Nick Lowe. Mayo dejó la banda poco después, harto de pasar su vida en los autobuses de las giras, entrando desde entonces el grupo en una fase de estancamiento, falta de entusiasmo, cambios de discográficas y de componentes (su album número 14 se llamaba simplemente "Brilleaux", en referencia al único miembro original del grupo). Aun así, tuvieron momentos buenos como sus álbumes "Doctor Orders" (1984), "Primo" (1991), algún directo, el single "See you later alligator", fantástica revisión del clásico de Bill Haley, y, sobre todo, los últimos conciertos que dió un moribundo -a causa del cáncer- pero exultante Brilleaux en su recien fundado Dr. Feelgood Music Bar. Brilleaux murió casi con las botas puestas en 1994, cuando solo tenía 41 años. Los medios de comunicación, ignorantes de todo aquello que no esté ante sus pestosas narices, no se hicieron eco de esta gran perdida ocupados como estaban en reflejar la muerte aquel mismo día de un músico tremendamente inferior: Kurt Cobain. Tras la obligada disolución de la banda (yéndose a grupos como Love Affair, Big Town Playboys o con Eric Clapton) algunos de los chicos que quedaban, en realidad unos Dr. Feelgood sucedaneos, pues no habíaningún miembro original, contrataron nuevos cantantes y volvieron a ponerse en marcha pero, aunque buenos músicos y con un formidable repertorio encima, ya nada es lo mismo. Wilko, por su parte, siguió tocando y grabando buenos discos, apareció en documentales, tocó para Los Stranglers, y publicó su auto-biografía, pero tuvo que retirarse de la música en 2013 debido a un cáncer de pancreas, el mismo año que falleció su recambio, Mayo, a los 62 años de edad.

Músicos: Lee Brilleaux (voz, harmónica y slide), Wilko Johnson, John Mayo, Johnny Guitar , Gordon Russell y Steve Walwyn (guitarra), John B. Sparks, Buzz Barwell, Phil Mitchell y Dave Bronze (bajo), The Great Figure, Pat McCullen y Kevin Morris (batería), Pete Gage y Robert Kane (voz y harmónica).

La primera formación cantando "Roxette" en 1975.

Johnny Olenn (San Antonio, 1936)

De orígenes nórdicos, siendo apenas un adolescente en Tejas, y mientras iba al instituto, se enroló como contrabajista en el banda de música country de Eddy Dugosh, pero como en seguida se sintió fascinado por la guitarra pasó a tocar ese instrumento y Rudy Grayzell le sustituyó al contrabajo. En 1954 dejó los estudios y la banda de Dugosh para formar su propio grupo, Los Jokers, que empezaron a actuar en clubs por asiduidad y consiguieron grabar un par de singles en 1955 que eran de rhythm & blues y country pero ya con claras influencias del recien nacido rock and roll. LLamaron la atención de un promotor de Las Vegas que les contrató de forma exclusiva para su hotel, actuando ya cono el nombre de Johnny Olenn. Allí le vieron unos productores de la cinematográfica 20 th Century Fox que le contrataron para que apareciera en la película "Ella no puede remediarlo" (1956). Esta aparición le valió un contrato con discos Liberty que les editó el single "My idea of love" /Candy kisses" y le llevó de gira por Europa en 1957, grabando tres singles más a su vuelta, ahora si de rock and roll y rockabily. En 1959 aparece en la película "Nacida intrépida" junto a Mamie Van Doren y canta su mejor tema rockero, "You loveable, you". Esto le valió muchas apariciones en televisión y la posiblidad de seguir sacando discos con asiduidad en diversos sellos. Sin embargo, al temrinar la edad de oro del rock and roll, Johnny se vió obligado a languidecer durante décadas actuando en los casinos de Las Vegas ante nostálgicos del pasado. No fue hasta 1983 que, gracias a la revitalización del neo-rockabilly en el viejo continente, fue llamado a una gira por Europa donde se le reconocía como un pionero y una leyenda. Así hizo de Europa, sobre todo de Holanda, su segunda casa hasta que en 1989 una operación de cadera le restó movilidad y le obligó a un semi-retiro.

Músicos: Johnny Olen (voz y guitarra), Cullen Offer y Jay Orlando (saxo), Jerry Carnes (batería), Bobby Gene Baker (contrabajo) y Greg Nanus (piano).

Cantando el "I ain´t gonna cry no more" durante su breve aparición en la película "Ella no puede remediarlo" (1956).

Burning (Madrid, 1974)

En el madrileño barrio de La Elipa cuatro muchachos compartían su gusto por los, difíciles de encontrar entonces, discos de los Rolling Stones. A pesar de sus origenes modestos consiguieron hacerse con unos instrumentos con los que empezar a tocar algo de rock and roll y, sorteando muchas dificultades como la mili o la incomprensión familiar, empiezan a actuar cantando versiones en inglés con el nombre de Burning (el dia que se bautizaron hacía mucho calor, Ardiendo), aunque tras los dos primeros singles editados deciden pasarse a cantar en español, por lo que empiezan a tener problemas con los guardianes de la moral con motivo de sus letras que hablan de delincuencia y drogas, algo que el tiempo ha demostrado que no era cosa del franquismo pues aun hoy en día la censura es una lacra que persigue a los espíritus más libres. Con la llegada de esa ebullición musical que se llamó la movida madrileña los Burning pasan a ser considerados como una especie de padres de todos los nuevos grupos, a pesar de la juventud de sus componentes. El grupo toca rock and roll clásico, rock stoniano o rock progresivo con un toque macarra que les dá un sello muy personal. Ejemplo de ello es su primer album "Madrid" (1978) que incluye su chulesca y polémica "Jim Dinamita" (en un homenaje, el tio más tonto de España, -si, habeís acertado, me refiero a Ramoncín-, la cantó censurada) y que ya les dió fama nacional. Es por ello que el director de cine Fernando Colomo les encarga el tema principal para su película "¿Que hace una chica como tu en un sitio como este?" (1979), cuya canción homónima fue número uno nacional. Fue incluida en el segundo LP del grupo, "El fin de la década", que también incluía algun que otro rock and roll clasico y su segundo número uno, el stoniano "Mueve tus caderas". Pronto alcanzaron cierto virtuosismo musical, algo de lo que carecían hasta entonces, y editaron su mejor disco, "Bulevar" (1980), con canciones que siguieron copando los primeros puestos de las listas como "Es especial" (versioneando a las Shangri-Las) y la macarra balada rock "No es extraño que tu estes loca por mi" y con otras menos conocidas pero más rockabilleras como "Baila mientras puedas". Tras el muy inferior  álbum "Atrapado en el amor" (1981), las drogas, la otra gran afición no escondida del grupo, empieza a hacer mella en ellos, no solo a nivel compositivo si no que también provoca fuertes tensiones entre sus componentes. El cantante Toño se marcha de la ciudad y se sumerge en una vorágine de autodestruccción que culmina el 9 de mayo 1987 al morir por sobredosis de drogas en Bilbao. A partir de entonces Pepe Risi y Johnny toman la voz cantante en el grupo, nunca mejor dicho, y componen una serie de temas inolvidables para sus legiones de fans, fieles a su eterno apego al rock and roll, pero ignorados por un gran público que a finales de los años 80 ya había empezado su embotamiento cerebral en lo que a buena música se refiere. Asi pues las ventas no son buenas hasta que en 1991 llega su doble album en directo, acompañados de amigos como Loquillo y que incluye una versión del "Johnny B. Goode" de Chuck Berry, llegando a disco de oro en pocos meses. Se reeditan todos sus discos y vuelven a llenar escenarios pero entonces, en 1997, un 9 de mayo también, muere el castigadísimo y debil cuerpo de Pepe Risi víctima de una neumonía. Tras un fantástico disco homenaje (con canciones cantadas por gente como Los Enemigos, Carlos Segarra y, de nuevo, Loquillo), Johnny saca y sigue sacando adelante al grupo con su infatigable rock and roll hasta el dia de hoy siendo uno de los combos más respetados tanto en España como en parte de Sudamérica.

Músicos: Johnny Cifuentes (voz y teclados), Pepe Risi (voz y guitarra), Toño Martín (voz), Quique Pérez y Carlos Guardado (bajo), Edu Pinilla (guitarra) y Kacho Casal (batería).

Su momento más álgido, "¿Que hace una chica como tu en un sitio este?" en el programa Aplauso, en 1979.

Instrumental rock

The Champs

Hablando con exactitud la música instrumental es toda aquella que no usa voces y ya se la conocía así desde la edad media en contraposición a los coros de iglesia, en especial al canto gregoriano. Pero la que aqui nos interesa es toda aquella música de rock and roll sin voces (o instro, o instrumental rock). Ya los géneros antecedentes del rock habían prescindido de la voz casi totalmente, sobre todo el jazz y el bluegrass, dando una importancia única a la melodía pero en los nuevos géneros como el blues o el rhythm & blues la letra era parte fundamental para motivar al oyente (aunque siempre hay excepciones, como Jimmy Reed o Bill Doggett respectivamente). Esto se intensificó con la llegada del rock and roll, pues la letra de las canciones se hacía tan importante como la música para enviar un mensaje claro al público, ya fuera de rebeldía adolescente, una declaración de amor loco o simplemente frases absurdas para poner más ritmo aun (be-bop-a-lula, ella es mi chica). Así pues a finales de los años 50, con el rock and roll más que afianzado, parecía una locura el lanzar al mercado canciones sin voz. Pero cuando empezaron a aparecer grupos exclusivamente vocales de du-duá parece como si al poco hubieran saturado el mercado y mucha gente estuviera deseando volver a escuchar un buen solo de guitarra rockera o cualquier otro instrumento, sin ambages, una especie de vuelta a los orígenes más primitivos del rock, a las cavernas donde no se sabía ni hablar. Esto fue apoyado sin recelo por las discográficas, deseosas de ampliar el mercado a todos los públicos sin el filtro que suponía la temática lirica. Así es como aparecieron como un ciclón, en 1958, Duane Eddy con su "Rebel rouser" y Link Wray con su "Rumble", demostrando ambos que con solo un guitarreo también se puede transmitir todo el espíritu rebelde del rock and roll, aunque ya habían tenido algún tímido precedente en otros instrumentos con Bill Doggett (órgano), Bill Justis, Rusty Bryant y Lee Allen (saxo), Paul Gayten (piano) o Cozy Cole (batería). También hemos de destacar a gente como John Houston, B. Bumble & The Stingers (que se especializaron en hacer versiones rock de música clásica), Preston Epps, el instro rockabillero de Amos Johnson & the Rhythm Playboys ("Rhythm Playboys stomp") y desde luego a Dave "Baby" Cortez, que con su "Happy organ" (1959) consiguió el primer número uno de un tema instrumental tocado con órgano eléctrónico. Al poco, bandas de rock enteras, con talento para tocar pero sin un cantante o simplemente porque no les daba la gana poner letra se animaron a dar su música al mundo, tal fue el caso de The Champs con su exitoso "Tequila", Johnny & The Hurricanes con "Red river rock", Lucky White & the Ponderosa Playboys con "Ponderosa rock" o The Fireballs con "Torquay". Pero sería en California donde más arraigaría este tipo de música gracias a un tipo llamado Dick Dale que, con su guitarra imitando el gorgoteo del agua y el romper de las olas daría origen incluso a un nuevo sub-género del rock and roll: La música surf. A la sombra de Dale nacerian multitud de grupos de surf instrumental a principios de los años 60, pero ya no solo de ambito local, sino de éxito internacional como es el caso de los Surfaris, los Astronauts, los Trashmen o los Ventures. El ejemplo cundió hasta en Australia. Derivando un tanto del sonido surf hacia un rock intrumental más basado en las bandas sonoras de películas (sobre todo las del oeste) apareció en Inglaterra su mejor banda tras dejar de acompañar a Cliff Richard, Los Shadows, que con su tema "Apache" (1960) consiguieron que lo que ahora pareciera absurdo era ponerle letra a la música. Otros grupo que continuaron tocando despues de ser acompañantes de grupos solistas fueron Los Dakotas, Los Tornados (ex-grupo de apoyo de Billy Fury) o los suecos Sputniks. Con la invasión pop británica el instro se olvidó un poco pero siempre hubo gente como Booker T. & the MG´s ("Green onions", 1962) o Earl Bostic que mantuvieron vivo el subgénero. A finales de los 60 el blues-rock, cuyo mejor ejemplo fue Stevie Ray Vaughan (muerto prematuramente en accidente de aviación), prefería no cantar para dar énfasis al virtuisismo de sus guitarristas, en una especie de auto-homenaje. El rock psicodélico de Jimmy Hendrix no cantaba por otras razones, o estaba tan colocado que no le salían las palabras o quería transmitir sus viajes por el fascinante mundo del ácido por medio de sus solos de guitarra (¡conseguido!). Salvo honrosas excepciones como Little Willie ("Hot tamale"), los años 70 y 80 volvieron el rock intrumental una pedanteria inaguantable con la llegada del rock progresivo de Mike Olfield o el concretismo de Frank Zappa. A partir de los años 90, por lo que a nosotros nos interesa, surgieron varios grupos de música instrumental que bebían directamente del surf de los 60, como es el caso de los Straitjackets (aunque con un tono más salvaje) que han servido de ejemplo a muchos más. Otros que podemos nombrar de su época dorada que, de momento, no tienen entrada propia en este diccionario son Ray Cormier´s Har-Maniacs ("The sleeper", 1958), Lanier Smith ("Verbena", 1959), The Elrondos ("Cool breezer", 1959), Horace Goodwin ("The country jitterbug", 1959), The Swingin´ Rocks ("Satellite rock", 1959), Sir White & his Sounds ("Doin´ the scratch", 1960), The Planeteers ("Slowly movin´", 1960), The Un-Predict-Ables ("Big fat dinosaur", 1960), Dick Burdo ("Brushfire", 1960), The Dee-Jays ("Tacos & tortillas", 1961), Rhythem Rangers ("J.C. Boogie", 1962), Ronnie Robens ("Grazin", 1962), The Invaders ("Night ride", 1962), Robert M. Rock ("Mac´s boogie", 1962), The Prestations ("Slow sax", 1964), Los Derby´s ("S.O.S", h. 1965) etc... y crepusculares como Curly Farmer ("Curly´s blues", 1971),...

"Green onions", de Booker T. & the MG´s, que aunque les guste mucho a los mods no quiere ello decir que no sea una obra maestra amiguitos.

Los Straitjackets (Nashville, 1988)

Al contrario de lo que mucha gente cree no son de Méjico, ni siquiera de un lugar con tanto chicano como Los Angeles, es más ni siquiera son todos hispanos. El grupo se formó en la estadounidense y blanca ciudad de Nashville por un chico hispano, otro anglosajón, que y otro judio para tocar en pequeñas fiestas locales y sacar algo de dinero extra. Uno de sus integrantes era Eddie Angel, el cual había hecho duetos de rockabilly con un tal Bob E. Rock y tocado para Tex Rubinowitz. Como ninguno se consideraba con buena voz, solo hacían temas instrumentales, principalmente versiones de bandas sonoras de películas o de la música surf. Como las cosas no les van bien precisamente deciden volver a sus modestos trabajos y abandonar la música durante nada menos que seis años. Todos menos Angel, que forma The Planet Rockers, una banda que edita dos álbumes en Europa a principios de los años 90 y una serie de singles en Estados Unidos en la discográfica Spinout, que regenta su mujer. En 1994 Los Straitjackets vuelven a juntarse añadiendo un nuevo miembro que tampoco sabe cantar, y adoptando ahora una imagen tan llamativa y casi psicopática (el nombre del grupo significa Los Camisas de Fuerza) que, por fuerza, tendría que llamar la atención de quién les viera: Se ponen una máscaras de luchadores mejicanos muy en la linea de lo que en su dia hicieron sus predeceseros estéticos The Phantom (1958) y Orion (1978). Además, empiezan a componer temas propios instrumentales y graban una maqueta que no tarda en llegar a oidos de Ben Vaughn, el cual les produce su primer disco en la discográfica Upstart. No es que se vendiera mucho pero llaman la atención lo suficiente por su aire de misterio que llegan a ser nominados como mejor banda anónima (?) en los premios estatales. Además Jimmy Lester es elegido mejor batería, lo cual es decir mucho en una Meca de la música como es Nashville y nos da una idea del virtuosismo musical que había alcanzado el grupo. Ello les lleva a una gira por todo Estados Unidos y actuan en un programa de televisión, donde la gente en seguida se queda con sus caras, bueno, con sus caretas (ellos dirán más tarde que las usan porque son muy feos). El año 1996 les sigue ganando el aprecio de la crítica gracias a su nuevo album, a sus actuaciones en directo y televisión y a sus singles navideños y de música surf como el magnífico tema "Pacífico". Pero para el gran público resulta cansino tanto tema instrumental, así que deciden editar un single con Big Sandy como vocalista de clásicos del rock and roll hispano como "La Plaga" y "Que mala". De la noche a la mañana ello les convierte en una banda de referencia del rock and roll en español, aunque muchos los consideraban un esperpéntico mero grupo de apoyo. Aun así se hacen lo suficientemente conocidos como para iniciar una gira por España, influyendo aqui grandemente en otros grupos instrumentales que adoptan sus máscaras como imagen identificativa, como es el caso de Surf City. Durante una gira por toda Europa los chicos se dan cuenta de que por más entusiasmo que pongan los conciertos instrumentales se hacen pesados, la gente quiere también oir alguna historia o al menos alguna letra, por muy absurda que sea. Asi que, en 1999, contratan al espectacular cantante y coreógrafo escocés Kaiser George y a unas bailarinas y amplian su oferta musical al rock garajero y al twist. Aquel espectáculo y el disco que de ello salió fue todo un éxito, pero George tenía que volver con su grupo (Los Kaisers) y los Straits volvieron a Estados Unidos, ahora como teloneros de Tom Petty o del Reverend Horton Head. Tras una multitudinaria y exitosa gira por Méjico, donde son idolatrados como si fueran de casa, se ven en la necesidad de buscar nuevos vocalistas temporales, y consiguen nada menos que a Dave Alvin, Nick Lowe o a El Vez y como apoyo instrumental a Los Trashmen. De estas colaboraciones saldría un espectacular disco llamado "Sings along with The Straitjackets". El año 2001 les traería dos grandes alegrías, una el poder tocar con sus ídolos y maestros Los Ventures y la otra el estreno del film "Psycho beach party" en la que aparecen a la par que ponen la banda sonora a este engendro cinematográfico. Desde entonces han seguido con este mismo ritmo de trabajo, es decir, música surf, rock and roll y de películas, instrumental pero aderezada de vez en cuando por cantantes invitados (Eddy "The Chief" Clearwater, Deke Dickerson y, sobre todo Big Sandy) y protagonizando interminables giras. Fueron nominados a los premios Grammy. Por su parte Angel también toca con los Neardenthals y a vuelto a reunir a veces a Los Planet Rockers (junto a quién fuera el contrabajista del ´68 Comeback Special Trio, de Brian Setzer) mientras que el batería Jason Smay toca paralelamente con Los Hi-Risers. Ambos han creado en los últimos tiempos un proyecto musical llamado Elvis 56 Live junto a Dibbs Preston, de los Rockats, y a Jimmy Sutton, de Los Del Maroccos y de los Four Charms. En la actualidad su otro guitarrista, Daddy O-Grande, se ha retirado de las tablas aquejado de un cáncer, y es sustituido temporalmente (todos esperamos que se recupere) por un primo suyo.
Músicos: Eddy Angel, Danny "Daddy O-Grande" Amis y Gregorio el Grande (guitarra), Jimmy Lester y Jason "Teen beat" Smay (batería), Scott Sbeck y Pete "Pedro del Mar" Curry (bajo) y, a veces, las Pontani sisters (bailarinas y palmas).

Su canción "Tempest" promocionaba su peli "Psycho beach party".

Tequila (Buenos Aires y Madrid, 1977- 1982)

Dos chavales argentinos se conocieron por sus orígenes judíos comunes y por pertenecer a familia de artistas, coincidiendo tanto que terminaron siendo amigos. Eran Ariel Rotenberg (Hijo de la más -y única- conocida cantante de música sefardí Dina Rot y hermano de la actriz Cecilia Rot... y durante un tiempo cuñado de Fito Páez) y Alejo Stivelberg (hijo del director y productor David Stivel y de la actriz Zulema Katz). Cuando en 1976 la dictadura militar se impuso en Argentina ambas familias, perseguidas por los fascistas, se vinieron a España, país en esa época en plena ebullición músical. Fue así que Ariel Rot y Alejo Stivel (también acortaron sus apellidos como sus progenitores) se emplearon a fondo en lo que ya llevaban tramando desde que oyeron las canciones de Moris en Argentina: Montar una banda de rock and roll. La llamaron la Spoonful Blues Band, completando la formación con tres españoles: Julián Infante, Felipe Lipe y Manolo Iglesias. Cuando cambian el nombre a Tequila su estilo se convirtiría en un rock and roll clásico y desenfadado, sin ínfulas filosóficas ni influencas del punk tan de moda entonces. Su música fue todo un chorro de frescor a la llamada época de la movida madrileña, donde todo el mundo el mundo intentaba innovar o mostrar sus conocimientos musicales, tanto tiempo aletargados, a base de oscuras influencias. Sin pedanterias de ningún tipo y con el mero afán de divertir, hacer bailar y rockanrolear (pero con un talento compositivo sorprendente para su juventud), triunfaron en seguida, era 1978, con su ya clásico "Rock and roll en la plaza del pueblo". Su siguiente album, "Rock and roll" (1979), se encuentra lleno de obras maestras propias, tan variadas y conocidas como "Quiero besarte", "El rock del ascensor" (homenaje a Moris), "Mister Jones", "Hoy quisiera estar a tu lado" o "Me vuelvo loco", mezclas de influencias como Chuck Berry, Moris o los Rolling Stones pero con un estilo muy personal. Todos fueron grandes éxitos tanto en España como en sudamérica pero ello no les hizo bajar el nivel. En 1980 llegarían "Mira esa chica", "Que el tiempo no te cambie" o "Dime que me quieres", también acaparadores de primeros puestos de listas pero su cenit lo alcanzarían al año siguiente con "¡Salta!", divertidísimo rock and roll que sería número uno indiscutible durante semanas y que todavia se pide en cualquier fiesta que se precie (que no este llena de cerriles, claro). Pero a pesar de la inocencia de los temas (sobre problemas típicos de adolescentes, lo cual ha hecho que en cuanto a letras hayan envejecido bastante mal, al menos para los de nuestra generación) la verdad es que los chicos se estaban poniendo hasta las cejas de heroina y eso se empezó a notar en su rendimiento a la hora de componer y en los problemas que surgieron entre los componentes, de tal forma que deciden disolverse en 1982 tras una de las carreras más fulgurantes y aclamadas de la música nacional. Poco despues Manolo muere victima del SIDA y Ariel inicia una penosa carrera en solitario, arrastrandose por culpa de su adicción a las drogas. Afortunadamente conoce a su compatrota Andrés Calamaro con el que forman (junto a Julián Infante, que había estado colaborando en grupos como Desperados o Glutamato Ye-Ye) Los Rodríguez, uno de los grupos de más éxito de los años 90, que ya no hace el rock and roll tan clásico como nos gustaría. Pero a Infante también se lo llevó a la tumba el SIDA y Los Rodríguez se separan, retomando Ariel su triste carrera en solitario. Alejo se dedicó a desintoxicarse durante años hasta que en 1987 se asocia con Nacho Cano (si, el homosexual cochino ese de Mecano) para hacer sintonías radiofónicas y fundar una discográfica, la cual produciría a grupos tan repulsivos que no merecen ni ser nombrados aqui. Sin duda el caballo había hecho mella en su cerebro. En 2008 Ariel y Alejo vuelven a juntar Tequila, pero ya es un Tequila sin alcohol pues faltan los componentes fallecidos más el miembro original Felipe, el cual se niega rotundamente a acompañarles por razones que él sabrá, seguramente muy razonables.

Músicos: Alejo Stivel (voz), Ariel Rot y Julián Infante (guitarra), Manolo Iglesias (batería) y Felipe Lipe (bajo).

"Rock and roll en la plaza del pueblo" (1978).

The Cadillacs (Nueva York, 1953 - 1957)

Un joven grupo de adolescentes del barrio neoyorquino de Harlem decidieron formar un grupo de doo-wop con la esperanza de salir de la miseria, al que llamaron en principio Los Carnations. Empezaron, como tantos otros, cantando rhythm & blues en las esquinas, pero no tardaron en dar más ritmo y velocidad a sus canciones llamando la atención ahora de los cazatalentos y de los estudios de grabación. Se llevaron el gato al agua los de discos Jubilee, que les añadieron a un quinto miembro, James "Papá" Clark (ya un profesional proveniente de Los Five Crowns), llamandose a partir de entonces Los Cadillacs y les adscribieron a su filial Josie. Su primer single fue una versión del clásico "Gloria" (1954), que pasó sin pena ni gloria a pesar de que llevaba en la cara B el más rockero "Wonder why". Ello llevó a que dos de sus componentes, Clark (que se fue a Los Drifters) y Gus Willingham, dejaran el grupo. Así que su manager, Esther Navarro, ideó una coreografía característica que les hiciera populares y muy diferentes a otros grupos de du-duá. No creo que la estrategia tuviera que ver con el éxito de su siguiente single, "Speedo" (1955), cuyo título hacía referencia la apodo del solista Earl Carroll, El Prisas. La canción fue uno de los mayores éxitos del año y, aun a día de hoy, sigue apareciendo en cualquier película ambientada en los años 50 estadounidenses. Aunque hubo otros abandonos, entrando como sustitutos, entre otros, J.R. Bailey, les fue de todas formas bien con una versión du-duá del villancico "Rudolph the red-nosed reindeer" (1956), que llegó al número 11 de las listas de rhythm & blues. Pero como pasó con todos los grupos negros de du-duá de los años 50, una vez obtenido el primer éxito hubo problemas de liderazgo, pues todos se creían los artífices de la gloria, así que o se iban del grupo o empezaban a formar sus propios Cadillacs. Así, desde 1957, aparecieron Earl Carroll & the Cadillacs ("You are"), Gregory Howard & the Cadillacs ("When in love" y "White gardenia") -también llamados The Gee-Tones-, Bobby Ray & the Cadillacs ("I saw you") o Jesse Powell & the Caddys ("Ain´t you gonna"), formado por Bailey, el saxofonista Jesse "Tex" Powell y el Cadillac original LaVern Drake. Al separarse estos (Powell se dedicaría al jazz y moriría cuando solo contaba 57 años) Bailey intentó una carrera en solitario actuando bajo el pseudónimo Jimmy Lane, llegando a grabar el notable "Constantly" (1958), pero al fracasar creó a Los Four Cadillacs, junto a Drake y nuevos valores como Bobby Spencer, con el que también formó el efímero dueto The Darts ("Sweet little baby"), que no debe ser confundido con otro grupo hómonimo británico de más fama. Spencer, hasta entonces conocido solo como compositor ("My boy lollipop"), no tardaría en independizarse y crear sus propios Cadillacs junto a algunos ex-miembros de Los Montereys, entre ellos Waldo Champ, rebautizado para la ocasión como Rollin´ Champen. El caos era tal que Carroll, Bailey, Spencer, Drake y Roland Martínez, el otro ex-miembro tanto de los Caddys como de los Four Cadillacs, decidieron reunirse nuevamente en unos Nuevos Cadillacs, que aparecerían en la película promocional del rock & roll "Go Johnny go" (1959). Sin embargo Carroll, considerándo que había perdido protagonismo ante los recién llegados, dejó el conjunto para formar uno nuevo, Speedo & the Pearls, en 1959. Los nuevos Cadillacs se separaron al año siguiente, formando Martínez un conjunto de versiones de ellos llamado The Solitaires junto a Milton Love y Reggie Barnes. Para enredar más las cosas en unos meses estos Solitaries se unirían a Carroll y Spencer para formar unos novísimos Cadillacs -cuyo principal trabajo fue hacer los coros a Bruce Bruno-, por los que también pasó Ronnie Bright, antiguo integrante de Los Valentines y colaborador de Johnny Cymbal. Enhorabuena si en este punto no habeís perdido el hilo de la historia. El caso es que para 1962 la música de estos Cadillacs se parecía tanto al doo-wop humorístico que hacían Los Coasters que incluso Carroll fue fichado por estos. Eso fue el fin de los Cadillacs crepusculares como tales, que se disolvieron en bandas como los Crickets (Spencer), The Jive Five (Bailey), los Crazy Elephant (Spencer), The Deep River Boys (Bright, destacando su "Solid as a rock"), The 5 Delights (Champen), Ronnie & the Schoolmates (Bright, destacando su cavernoso du-duá "Don´t, don´t, don´t"), The Mood Makers (Spencer), los mismos Solitaires (Love) o Bailey intentando de nuevo una carrera en solitario como cantante de soul, editando tan solo el mediocre "Love won´t wear off" (1968). Aparte de los Jive Five, con una carrera sólida de por sí, solo la artifical banda de chicle-pop Crazy Elephant tuvo cierta repercusión con su tema "Gimme, gimme good lovin´" (1969), que llegó al puesto número 12 de las listas tanto en Estados Unidos como en Inglaterra, si bien se deshizo al año siguiente -el solista de los Deep River Boys, Eddie Whaley, formaría al deshacerse estos un efímero conjunto llamado The Deeps-. Entonces Bailey (que mientras tanto seguía componiendo para otros con mucho éxito), Spencer y el miembro original Bobby Phillips crearon unos remozados Cadillacs, rellenando los huecos con antiguos miembros de Los Charts y con el conocido batería Teddy Pendergrass. El experimento funcionó bastante bien hasta mediados de los 70, en que se disolvieron nuevamente. Bailey fundó una compañía discográfica llamada Guyjim (pues la hizo a medias con su compañero de los Coasters Billy Guy), pero falleció poco después de forma temprana cuando solo tenía 48 años. Pendergrass recaló en el conjunto de soul Harold Melvin & the Blue Notes, donde terminaría de cantante y donde tendría enorme éxito con temas como "If you don´r know me by now". Luego iniciaría una carrera en solitario, convirtiendose en una super-estrella del slow-soul, siendo llamado por algunos el Elvis negro, no solo por su enorme cantidad de ventas de sus discos, entre los que destaca "Close the door" (1978), sino porque se hizo construir una réplica de la mansión Graceland de Elvis, pero en Filadelfia. Por desgracia, estando en plena cima, tuvo un brutal accidente de coche que le dejó tetrapléjico y fuera de los escenarios. Mientras tanto, en 1979, Carroll, Phillips y otros Cadillacs del camino fueron reunidos temporalmente para un anuncio de Subaru. Carroll, después de tanto dar tumbos y hacer estos malabarismos para seguir activo en la música, parecía cansado de no tener un trabajo estable, y decidió emplearse como conserje en un colegio en 1985, si bien seguía cantando con Los Coasters ocasionalmente, en los cuales, por cierto, también había recalado Bright. Se convirtió en una figura tan popular y querida en el centro que incluso se hizo famoso un libro sobre él, "Este es nuestro conserje". Cuando dejó a los Coasters a principios de los años 90 volvió a reunirse con Phillips y otros Cadillacs itinerantes para actuar como Los Cadillacs por esos mundos, y fue invitado habitual de programas televisivos sobre du-duá. Cuando Phillips falleció en 2011 y Carroll al año siguiente a los 75 de edad, debido a la diabetes, otros sucedaneos, con menos pedigreé, han tomado el relevo para representarles en conciertos nostálgicos. En cuanto a Pendergrass decir que regresó a la música haciendo funk en los años 80, que luego mezclaba con rap, hedores que tuvieron mucho éxito entre millones de gente sin gusto. En 2006 se retiró de la música, y poco después se operó de un cáncer de colon, del que salió con problemas respiratorios tan graves que falleció poco después, en 2010, cuando solo tenía 59 años de edad. Bright, que dejó a los Coasters en 2009, falleció en 2015 con 77 años de edad. Clark también ha muerto.

Músicos: Earl Carroll (solista), Bobby Phillips (tenor), Gus Willingham y Earl Wade (barítono), James "Poppa" Clark (2º tenor y solista), LaVern Drake, J.R. Bailey y Ronnie Bright (voz bajo), Charles Brooks y Kirk Davis (2º tenor).

"Speedo".

Ferlin Husky (Flat River, 1925 - Westmoreland, 2011)

¿Ferlin Husky? ¿Ferlin Huskey? ¿Simon Crum? ¿Terry Preston? Son todos la misma persona, asi que si no quereís haceros un lio leed esto con detenimiento. Criado en una granja del norteamericano Estado de Misuri, Ferlin Husky tomó las primeras lecciones de guitarra de su madre y, sobre todo, de su tio a los 9 años. Salió por primera vez de su Missouri natal cuando fue llamado a filas en la Segunda Guerra Mundial. Destinado a la marina mercante sirvió en los barcos de aprovisionamiento durante el desembarco de Normandía (recibiendo una mención) y, una vez afianzada la cabeza de puente, se dedicó a animar al resto de los marineros cantando y a boxear. Terminada la guerra se empleó como pincha-discos en Missouri primero (haciendose llamar Tex Terry) y en California despues, donde esta vez usó el pseudónimo de Terry Preston para ocultar su verdadero nombre, que le sonaba a paleto del sur, e incluso grabó un tema propio al estilo Nashville llamado "Gone" (1952). Pero cuando volvió a cantar con su particular estilo honky-tonk y le fichó discos Capitol recuperó su verdadero nombre. Para hacer country sí sonaba bien. Tras unos singles fallidos y tras tocar para Smiley Burnette, se consiguió el éxito al emparejarle con la cantante Jean Shepard, cuyo dueto "A dear John letter" (1953) llegó al número uno de las listas country, al que siguió la continuación "Forgive me John" que les convertía en una especie de Duo Pimpinela de la música country por las réplicas y contraréplicas que se hacían en las canciones. Poco después, con el nombre de Ferlin Huskey, tuvo como telonero a una joven promesa llamada Elvis Presley y verle le abrió los ojos. Decidió quitarse el sanbenito de conservador cantante country y hacer carrera en solitario cantando el emergente rock and roll y haciendo bromas. Para ello se inventó otro alias: Simon Crum (llegaría a inventarse 17 identidades falsas durante su carrera, muchas de ellas con aspectos diferentes). Increiblemente firmó un nuevo contrato con ese nombre con Capitol Records, como si fueran dos personas distintas. Tuvo un gran éxito en esta étapa con "Cuzz yore so sweet" (1955) y sobre todo con su actualizada versión rockera de su viejo tema "Gone" (1957), que llegó al número uno en las listas country, llevándole a actuaciones en el cine (compartió escenas con Zsa Zsa Gabor y Mamie Van Doren) y la televisión (donde era conocido como Mr. Rock & Roll). "Country music is here to stay" (1958) llegó al número dos country, canción que ha sido luego versioneada cambiando la palabra country por rock and roll. En los años 60 se alejó un tanto del rock and roll para volver a la música country y a las baladas con éxitos como "Draggin´ the river" (1959), "Wings of a dove" (1960), "The waltz you saved for me" (1962), "Timber I´m falling" (1964), "Once" (1967) o "Just for you" (1968), pero haciéndose casi más conocido por su faceta cómica al desvelarse como un excelente imitador de otros artistas del género. En 1972, trás la muerte en accidente de tráfico de su hijo y un nuevo divorcio, se pasó a ABC records consiguiendo pronto otro éxito con la emocionante y sincera "Rosie cries a lot" (1973). Despues de un aviso de su castigado corazón decidió retirarase en 1977, pero no podía vivir sin actuaciones asi que volvió con más fuerza que nunca con el honky-tonk más canalla imaginable, la canción "Drunken driver" (1978), sobre un padre que mata a sus hijos. Tras una nueva época de reposo (lleva nada menos que 9 by-pass) Ferlin volvió a los escenarios en los años 90 y en los años 2000 fue cabeza de cartel de una gira teloneado por multitud de artistas del nuevo y viejo country. Tras recibir múltiples homenajes murió finalmente en casa de una de sus ocho hijos en Tennessee, de un fallo coronario agudo, a los 85 años de edad.

Músicos: Ferlin Husky (voz), Joe Edwards, Dave Kirby y Grady Martin (guitarra), Billy Linneman y Jack Williams (contrabajo), Buddy Harman y Jim Isbell (batería), Hargus Robbins y Ron Oates (piano), Weldon Myrick y Jeff Newman (steel guitar), Ray Edenton, Jim Colvard, Jimmy Capps y Bobby Thompson (guitarra rítmica), Harold Bradley, Tommy Alsup y Kelso Herston (bajo), Buddy Spicher, Shorty Lavender y Johnny Gimble (violín), Farrell Morris (percusión), The Jordanaries, The Nashville Sounds, Marvis Husky, Millie Kirkham y Leona Williams (coros) y the Hush Puppies (Don Helms, Randy Hughes, Pete Wade Ike Inman y Red Hayes).

Con su identidad de Ferlin Husky canta "This moment of love" (1957).

Johnny Preston (Port Arthur, 1939)

Aunque nació en Tejas su familia era una mezcla de alemanes y cajuns franceses. Durante el instituto Johnny cantaba en un grupo coral para competir en concursos y, cuando terminó esos estudios, formó una banda para actuar en eventos locales llamada Los Shades y tocaban blues, country, rock and roll o cualquier cosa que pidiera el público. Preston tuvo la suerte de que a un baile local donde estaban tocando, en 1958, acudiera el más famoso pincha-discos de esos años, Big Bopper, siempre a la caza de nuevos talentos. Big Bopper y Preston simpatizaron en seguida y aquel le cedió a Preston una canción de rock and roll que acababa de componer llamada "Running bear". Dejando a la banda de lado para empezar una carrera en solitario, Johnny grabó la canción y se la editó discos Mercury en 1959, convirtiendose en un exitazo de más de un millón de ventas y siendo número uno de las listas en Estados Unidos e Inglaterra. Por desgracia Big Bopper no podría saborear ese éxito pues murió meses antes de su lanzamiento en el trágico accidente de avión que también se llevó por delante a Buddy Holly y a Ritchie Valens. Preston supo aprovechar el tirón y su siguiente single, la balada rockera "Craddle of love" (1960) fue también un éxito en Estados Unidos (número 7) y...¡En Grecia! (número 1) lo que le llevó a actuar en varios programas de televisión. Se embarcó en una multitudinaria gira por Inglaterra como telonero de Conway Twitty y al volver siguió grabando para Mercury tanto temas de rock and roll, como baladas como música country. Pero ya el éxito no le sonreiría como antes y fue pasando a discográficas cada vez menos importantes, Imperial, Hallway, Kapp,... Aunque por lo menos en esta última pudo ver cumplido su sueño de tocar junto a su ídolo Bob Wills. Tras tocar durante años en antros indignos de su condición los años 90 lo trajeron a Europa donde si somos más agradecidos y le aclamamos como a un heroe, viniendo a tocar por estos lares (sobre todo a Inglaterra) de vez en cuando.

Músicos: Johnny Preston (voz ), Link Davis (saxo), George Jones (guitarra) y Big Bopper y Bill Hall (coros).

Es que "Running bear" trata de un indio. Si quereís verla interpretada Jimmy lo hará encantado todos los viernes y sabados a partir de las 8 de la tarde en el Bar La Plaza, de la Plaza Bohemia en La Manga del Mar Menor.

Pin-Up

Bernie Dexter, la Betty Page del siglo XXI.

Pin-up es una guapa modelo cuyas fotografías, cuadros o dibujos figuran, principalmente, en las portadas de las revistas, postales, carteles o calendarios en actitudes sugerentes hacía la cámara y el público. La expresión "pin-up" se popularizó en los Estados Unidos a partir de 1941 aunque es una palabra compuesta que en inglés ya existe desde el siglo XVIII, y, luego, se fue haciendo popular internacionalmente. Su significado es, más o menos, el de algo para colgar en alto y que se vea, nombre adecuado pués, la que las pin-ups eran colgadas en talleres, cuarteles, celdas de prisión y cuartos de adolescentes a millones para alegrarse la vista. En este sentido ya se podía considerar pin-ups a mujeres como La Bella Otero, Mata-Hari, Theda Bara, Mabel Normand, Josephine Baker, Clara Bow, Jean Harlow o Mae West, las cuales ya ponían muy palotes a todo el mundo antes de los años 40. Pero es verdad que desde esta fecha su éxito fue tan rotundo que extendió su aparición no solo al cine sino también a la televisión, la publicidad, los cómics y los dibujos animados donde tenemos el conocido ejemplo de Betty Boop. Una de las primeras pin-ups conocidas internacionalmente fue la actriz Betty Grable, cuyas fotos estaban en las taquillas de muchos soldados estadounidenses durante la Segunda Guerra Mundial, del mismo modo que las de Marlene Dietrich lo estaba en las de los alemanes. Durante la contienda muchos dibujantes se especializaron en dibujar a esta chica ideal, generalmente en bikini o ropa interior, para animar a los soldados y estos muchas veces las reproducían dibujadas en sus aviones o sus vehículos. Los principales dibujantes de este sub-género fueron Vargas, Gibson y, en su vertiente erótica-humorística, John Willie gracias a su personaje Dulce Gwendoline. Pero la reina de las pin-ups llegaría terminada la Segunda Guerra Mundial cuando en 1947 una guapísima modelo llamada Betty Page revolucionaría el mundo del posado en la prensa gracias a su erotismo latente y simpático y a su original imagen (flequillo, ropa negra, ligueros y tacones altos), la cual se ha imitado y se sigue imitando afortunadamente por hordas de rockeras. Su pluriempleo como actriz erótica pseudo-pornográfica le cerró las puertas para el gran público mundial en su época pero ahora es reconocida, con justicia, como la Reina de las pin-ups. Pero las portadas de las revistas las copaban modelos que triunfarían en el mundo del cine tales como Rita Hayworth, Veronica Lake, Jane Russell, Gene Tierney o Lana Turner, todas ellas preciosas y no tan mal vistas por el público femenino como la Page. Los años 50 trajeron unas pin-ups mucho más exhuberantes y con más curvas tales como Marilyn Monroe, Jayne Mansfield, Gina Lollobrigida, Sophia Loren, Kim Novak o nuestra Sarita Montiel aqui. En los años 60 triunfaron Ursula Andress, Briggitte Bardot, Claudia Cardinale y Raquel Welch. Los 70 los coparon practicamente Bo Derek, Farrah Fawcett y Ornella Muti. En los años 80 acabó el que las actrices acapararan todas las portadas y cantantes se pop se rebelaron como las nuevas pin-ups, es el caso de gente como Samantha Fox o Sabrina aunque ahí estaba la hermosura de Nastassia Kinski. Lo años 90 sirvieron para aupar a lo más alto a una de las mejores pin-ups de la historia, me refiero a Pamela Anderson, la cual dejaba a todas aquellas supermodelos famosas a la altura del betún y sigue reinando sin nadie que la haga sombra, quizá solo, por su sentido homenaje permanente a Betty Page, Dita Von Teese, cuyas películas porno recomiendo fervientemente. Sin embargo en el siglo XXI los medios de comunicación han desvirtuado un poco el significado original de pin-up, llamando así a cualquier chica llamativa que vista estilo retro de forma más o menos provocativa.

The Phantom (Mobile, 1938 - Lucedale, 1983)

Jerry Lottis nació en el estadounidense estado de Alabama aunque siendo niño su familia se trasladó a Leaksville, en Mississippi. Abreviando el apellido a Lott, empezó a tocar música country desde muy joven pero, entusiasmado por los primeros pasos del rockabilly, se pasó a este género. Primero trabajó en algunos estudios de grabación y empezó a componer en sus ratos libres, haciendo unas canciones de un rockabilly tan salvaje que cuando se le dió la oportunidad de grabar su composición "Love me" (1958) el batería perdió sus baquetas y el guitarrista sus gafas. La había compuesto en diez minutos en el estudio de grabación, pero es una bomba de noventa segundos exactos que impacta desde el primer momento. Muy seguro de si mismo recorrió el país con la maqueta de ese tema, recalando finalmente en Hollywood. Allí abordó a la estrella Pat Boone a la salida de la iglesia, y a este le cayó bien. Boone, que veía a Lott como su alter ego rocker que la industria no le dejaba ser, le sugirió que creara una especie de identidad misteriosa para llamar la atención del público y los medios poniendose un antifaz. Así lo hizo Lott llamandose The Phantom (El Fantasma) vistiendose con trajes y máscaras negros, y Boone le editó "Love me" en 1960. No es que fuera un éxito pero le permitió conseguir algunas giras que llamaban la atención tanto por su indumentaria como por su frenética locura en el escenario, ganándose pronto apodos, tales como El Llanero Solitario del Rockabilly. Recuperados pronto de la sorpresa de su novedosa puesta en escena (antecedente de tipos como Orion o los grupos surf con máscaras de luchadores mejicanos como Stritjackets o Surf City), Lott fue bajando de categoria en el circuito musical, tomando a veces como pseudónimo el nombre de Marty Lott, aunque sin perder su energía en las tablas. Pero ni despuntó ni volvió a grabar. La verdad es que pasado el impacto publicitario inicial debió abandonar su disfraz para que le tomaran en serio, pues, no solo tenía talento sino que era un tipo apuesto y no había porque descartar ese otro don. Todo esto hasta que un mal dia de 1966 el coche en el que viajaba por Carolina del Sur cayó a un barranco dejandole paralítico de por vida y retirandole del mundo de la música. No fue solo la parálisis, su salud general resultó afectada, y Lott solo vivió 17 años más, falleciendo a los 45 en su casa de Mississippi. Fue una pena, porque justo dos años antes había empezado a ser reconocido com uno de los rockers más frenéticos de los años 50 gracias a que Los Blue Caps británicos grabaron su propia versión del "Love me".

Músicos: The Phantom (voz), Frank Holmes (guitarra), Pete McCord (bajo), H. H. Brooks (batería) y Bill Yates (piano).

"Love me".

Rusty York (Harlan, 1935 - Seminole, 2014)

Su padre, que trabajaba en una mina de carbón de Kentucky, le compró a Charles (ese es su verdadero nombre) una guitarra con mucho esfuerzo cuando este aun era un niño, instrumento que prontó empezó a dominar de forma autodidacta. Pronto, gracias a lo que escuchaba en la radio se aficionó a la música country en su versión más rápida, el hillbilly, cantando a sus compañeros de colegio en el autobús escolar. Cuando tenía solo 16 años su familia se trasladó a Cincinatti y allí conoció a Willard Hale con el cual empezó a tocar en pequeñas funciones locales, ingresos que complementaban su sueldo de pinche de cocina primero y de botones después. Su número consistía en hacer versiones de famosos temas hillbilly, bluegrass y cajún con Charles siendo él el que tocaba el banjo de cinco cuerdas (encandilado por este instrumento al ver como lo tocaba el gran Earl Scruggs). Al poco su hermana le compró una guitarra de segunda mano que tenía el nombre "Rusty" grabado y los patrones de los clubs empezaron a llamarlo así, y con ese nombre se quedó. Rusty conoció a su ídolo del bluegrass Jimmie Skinner y este le aceptó bajo su protección dandole algun empleo, incluyéndolo en su grupo y consiguiendo que fuera telonero de otro grande del género, Hylo Brown. Pero para 1957, con el rockabilly en su mejor momento, su sonido se había quedado anticuado y decidieron actualizarlo girando hacia ese estilo. Un día los de discos King le llamaron y le dijeron "¿Puedes cantar como Buddy Holly?", y Rusty contestó que claro, aunque no tenía ni idea. El disco resultante llevaba pues la versión de aquel, "Peggy Sue" (1957), que, como era de esperar haciendo las comparaciones oportunas, no triunfó precisamente. Se fue entonces Rusty al modesto sello P.J. donde grabó el sensacional y sorprendentemente agresivo rockabilly "Sugaree", basado en una composición más lenta del cantante country & western Marty Robbins. Se oyó bien en Ohio y Kentucky, y Rusty decidió volver a grabar el tema para otro sello de Indiana, a ver si así pasaba lo mismo. A ese paso tendría que pasarse la vida Estado por Estado grabando el mismo disco, pero tuvo la suerte (tras hacer unos duetos con Willard Hale) que los de la importante discográfica de Chicago, Chess, estuviesen buscando un cantante rockabilly que pudiera hacer alguna competencia a Elvis, y le ficharon. Le volvieron a editar "Sugaree" (1959) con más medios, aunque la mejor versión sigue siendo la primera de dos años atrás, gracias a su naturalidad y salvajismo rockero. Entró en las listas nacionales, teloneó a Chuck Berry y abrió el espectacular festival del Hollywood Bowl, en el que había gente como Duane Eddy y Frankie Avalon (aunque cuando abrió el cheque le habían descontado de las ganancias hasta los cubitos de hielo, quedándose en nada). En California se quedó un tiempo, grabando algún tema rockero más como "Sadie Mae" (1960), pero en seguida volvió a la bella Dixie, acercándose a los ritmos tradicionales de su tierra nuevamente, aunque con un poso de buen rock and roll, como son "That´s what I need" (1961) o "Goodnight Cincinnati, good morning Tennessee", esta última de nuevo en King Records. Paralelamente, desde ese momento, se dedicó a la edición y producción construyendo un estudio de grabación en un pequeño bajo comercial de las afueras de Cincinnati (en la Avenida Kinney nº 1594). Este chapucero estudio prosperó hasta el punto de convertirse en la conocida discográfica Jewel, donde, como no, volvió a grabar "Sugaree" por cuarta vez en su carrera. Allí hizo también el dueto casi folk "Barbara Allen" con una tal Harlene y algunas canciones bluegrass con su nueva banda, Los Kentucky Mountain Boys, destacando entre ellas la sensacional "Banjo breakdown", o bien con otros llamados Los Cajuns, uno de cuyos miembros, Hap Arnold, grabó allí también en solitario algún tema bluegrass. Pero York no había olvidado el rockabilly, como demuestran el tardio "Tremblin´" (1962) y que grabara en Jewel a otros artistas del género, como Sharon Lee ("Rockin´ and washing Sue"), una chica que ya había grabado cuatro años antes "No deposit, no return" en el modesto sello Excellent. Si esta cantante influyó tanto al hoy desconocido rockero Andy Quinn ("Rock-A-Boogie") como para dedicarle poco después su canción "Sharon Lee" o se trata tan solo de una casualidad es algo que a día de hoy es un misterio. Pero volviendo a York decir que paralelamente grabó country para otras discográficas, como "Big man, big house" (1966) para Afco. Jewel siguió opernado, haciendo mayoritariamente bluegrass y gospel, pero con áun algunos temas rockeros, como "Jo jo rock & roll" a cargo del imitador de Jerry Lee Lewis, Amon Greer, el instro "Jungle winds" de Bob McCarthy, el inusualmente alegre para los parametros de su autor, el sacro J.D. Jarvis, "My life down here", o el boogie-woogie "A law against you" de Dumpy Rice. A finales de los años 60 se grabó mucho western-swing, soul y garaje, pero también algo de rockabilly, como "He´s sweet I know" (1967), de un desconocido Wilson Mays Jr., de high school, como "Pretty blue eyes" (1968), de Bob Sanderson o una rara especie de rockabilly-cristiano llamado "Jesus is coming soon" (1970) a cargo de una tal Tammy Oliver. Los años 70 diversificó más la oferta, abriendo incluso la filial Rye -que cerró pronto-, aunque siempre dentro del buen gusto, y el propio York grabó un buen tema, "Truck drivers blues" (1972) y editó discos a nuevos rockers, como Ronnie Whetstone & the Wonder Boys y su "Me and my baby´s goin´ rockin´ tonight" (1975), o el rockabilly instrumental "Truck driver stomp" (1976), obra y gracia del violento pianista Bobby Van Hook (un borracho con una mujer yonqui que estaba siempre metido en constantes peleas y en el calabozo y que una vez disparó dentro de un bar). Jewel también editaría a otros grandes del rock & roll como Lonnie Mack, pero si quitamos el álbum "Rock and roll memories" (1979), del propio York, los últimos años del sello estuvieron demasiado alejados del rockabilly. York cerró Jewel en 1989 y vendió el local en el año 2008 (ningún otro negocio prosperó allí, y hoy día permanece abandonado pero en píe, pudiendose dsitinguir la sombra de las letras JEWEL que tanto tiempo estuvieron pegadas en su fachada). Con el dinero York se trasladó a vivir a Florida. Sin embargo no dejó de tocar, convirtiendose además en uno de los mejores tañedores de banjo de todo Estados Unidos, reclamado por grandes estrellas para que las acompañase en sus discos. Desde los años 90 fue reclamado en varios festivales europeos, y así siguió hasta ya entrado el siglo XXI, hasta que murió de un tumor cerebral a los 78 años de edad. Y un aún más triste épílogo: Van Hook, un ejemplo más de increible talento mal encauzado, no volvió a grabar y lo echaron de todos los bares donde tocaba por su comportamiento agresivo, incluso con el público, obligado a emplearse en los trabajos más variados, murió de cirrosis cuando aún era joven. Su hijo tenía el mismo nombre, también tocaba el piano y también era un tipo violento, solo que en 1985 este estranguló y apuñaló hasta la muerte a un homosexual que había conocido en un bar, y fue condenado a muerte, sentencia que se ejecutó en el verano de 2018.

Músicos: Rusty York (voz, banjo y guitarra), Hap Arnold, Bill Lanham y J.D. Jarvis (guitarra), Herman Kress (contrabajo), Rick Sticks (batería), Curly Tuttle (mandolina),  Willard Hale (voz y guitarra) y Billy Thomas (violín).

Cantando "Sugaree" en Cincinatti en 2003. En esta ocasión le acompañan Los Stardevils.

Hayden Thompson (Booneville, 1938)

Su padre era guitarrista y su madre cantaba gospel en la iglesia y tocaba la armónica por lo que no es de extrañar que Hayden ya ganara un premio de pequeño cantando gospel en un concurso en Tupelo, la localidad vecina donde había nacido Elvis. Cuando su único hermano murió trágicamente, los padres volcaron todo su afecto en él y le regalaron una guitarra Gibson que el pequeño aprendió a tocar rapidamente. Estando aun en el instituto, en su Mississippi natal, formó su propio grupo, llamado los Southern Melody Boys que hacían música country-blues. Al año siguiente ya pudieron actuar en la radio local de su pueblo y grabar un single, "I feel the blues coming on" (1955) lo suficientemente bueno para ser editado por el sello Von (que por entonces llevaba la carrera de los hermanos Burnette). Aunque Thompson aparecía acreditado como "el cantante más versátil del Sur", el disco no se vendió apenas, aunque les abrió las puertas para poder actuar en el famoso festival Louisiana Hayride y grabar  en 1955. Pero en 1956 el rock and roll ya estaba lo suficientemente establecido como para que Hayden se diera cuenta que esa era el ritmo que quería hacer, asi que cambió de músicos y formó los Dixie Jazzlanders. Con ellos salía de gira en una camioneta sin destino fijo y tocaban y proyectaban la película "Rock around the clock" previo pago de una entrada. Pero no tenían material propio, dedicandose en sus actuaciones a hacer versiones de Presley, Richard o Domino lo cual les cerraba las puertas de los estudios de grabación por su falta de originalidad. El resto de sus compañeros lo dejaron, bien por no confiar en el futuro del rockabilly que estaban haciendo, bien por contraer matrimonio, y Hayden tuvo que asociarse con un novato entonces Billy Riley. Hacían un espectáculo en el que Riley imitaba a Little Richard y Thompson a Elvis. Tras separarse, de todos es sabido que Riley entró en la mítica discográfica Sun de Memphis por la puerta grande, y no se olvidó de su amigo, recomendándole y prestándole a sus músicos. Grabó cuatro canciones de rock and roll y rockabilly, pero fueron considerados de calidad insuficiente y pasaron los meses y no salían a la luz. Hayden seguía dando el follón a Sam Phillips, dueño de Sun, mientras que tuvo que ponerse a trabajar como conductor de limusinas del aeropuerto para sobrevivir. Finalmente Phillips le editó "Love my baby" (1957) en su división International. Las ventas no es que fueran millonarias precisamente debido a que sus temas quedaron eclipsados por el demoledor éxito de Bill Justis "Raunchy", pero convirtieron a Thompson en uno de los más conocidos puristas del rockabilly entre sus fans más acérrimos y radicales gracias a las interminables giras organizadas por Sun en que se embarcó, acompañando a gente como Sonny Burgess o su amigo Riley. Para colmo de males Phillips puso más interés en la banda de Slim Rhodes (que acompañaba ahora a Thompson) que en el propio Hayden, por lo que este, al fin desencantado de Sun Records, se marchó a probar suerte en Chicago en 1958. Allí viviría la misma historia, grabaciones que no llegarían a editarse o que lo serían en pequeños sellos sin apenas distribución, por más que intentara inculcar a sus rockabillys ciertos ritmos exóticos, de nuevo, como el cha-cha-chá. Al fin tuvo más repercusión con su single "Watcha gonna do" (1961) pues llegó a aparecer en algunos programas de variedades televisivos. Ello le llevó a un contrato con discos Hallway, heredero en cierta forma de Sun en Tejas, que le grabó algunas buenas baladas estilo Elvis, y a discos Arlen, donde destaca su rock & roll "Queen bee" (1963). Su falta de éxito le llevó a volver a sus raices country a partir de 1965, destacando su álbum "Here´s Hayden Thompson" (1967), pero cuando, sorprendentemente, los rockers europeos lo empezaron a reclamar como uno de los pioneros del rockabilly a pesar de su fracasada carrera (gracias a recopilatorios de Sun Records), Thompson comenzó a viajar a Europa para asistir a nostálgicos festivales donde era adorado como una estrella y a grabar nuevos temas de alta calidad, como "The boy from Tupelo" (1985) o su versión del "Ain´t that loving you baby" (1990), aunque ni aun así consiguió ganarse la vida con soltura pues siguió ejerciendo de chofer de limusinas en Chicago (donde tiene mujer e hijo) entre gira y gira.En el siglo XXI, ya retirado de su trabajo convencional, ha grabado sensacionales LPs de rockabilly, como "Standing tall" (2007) o el auto-reivindicativo "Booneville Mississippi flash" (2016).

Músicos: Hayden Thompson (voz , guitarra rítmica y piano), Clyde King, Brad Suggs, Roland Janes y Travis Westmoreland (guitarra), Cricket Grissom (voz), Junior Johnson (violín), Perry King (steel guitar), Slim Rhodes (voz y guitarra rítmica), Spec Rhodes, Marlin Grissom y Marvin Pepper (contrabajo), Jerry Lee Lewis (piano), J.M. Van Eaton y Bob Millar (batería).

Siu inmortal "Love me baby" cantado en Francia en 2006.

Nicolas Cage (Long Beach, 1964)

Su verdadero nombre es Nicholas Kim Coppola y es hijo de una bailarina clásica y de un profesor de literatura hermano del famoso director de cine Francis Ford Coppola. Pronto, para desesperación de sus padres, demostró más interés por el rock and roll que por la música clásica y más entusiasmo por los comics que por la literatura, pero donde encontró su verdadera vocación fue en la interpretación pues ya en el instituto destacó en las obras teatrales. Optimista, dejó el instituto y se presentó a diversos castings y, con solo 17 años consiguió un pequeño papel en una serie de televisión sobre teenagers. La serie no paso del episodio piloto pero al año siguiente consiguió un papel en otra película sobre adolescentes, coches y rock and roll, "Aquel excitante curso", protagonizada por unos principiantes también Sean Penn y Jennifer Jason Leigh.Pero le ronda la cabeza que ha conseguido esos papeles por su apellido y porque su tio le ha enchufado asi que, decidido a triunfar por su propio talento,se cambió el apellido a Cage pues dos de sus ídolos de llamaban asi: el superheroe del comic Luke Cage, alias Powerman y el rockero John Cage. De este modo se presentó a diversos castings consiguiendo el papel protagonista en la película "Valley girl" (1983), una especie de historia de Romeo y Julieta pero entre una niña pija y un punk-rocker. Sin embargo, a pesar de sus propositos, tuvo que ser su tio Coppola el que relanzara su carrera dandole papeles y verdadera fama en algunas de sus películas de los años 80. Así fue con la rocker motera "La ley de la calle" (1983); la de gansters musical "Cotton Club" (1984) donde da vida al famoso criminal "Perro Rabioso" y donde conoció e hizo amistad con el gran ´músico Tom Waits; y "Peggy Sue se casó" (1986) donde da vida al enamorado y algo atontado rocker de los años 50 Charlie Bodell, el cual quiere triunfar con su grupo de doo-woop (otro de cuyos integrantes es un debutante Jim Carrey). Gracias a este empujoncito que supo aprovechar, su carrera sube como la espuma merced a su talento y a saber elegir bien los papeles, cosa que otros a los que han enchufado no han sabido hacer. En 1987 protagoniza, junto a Cher, la tragicomedia "Hechizo de luna" (que le valió una nomicación a los Globos de Oro) y la gran película de los hermanos Coen "Arizona baby", sobre un delincuente que decide raptar a un bebé para su esteril esposa y es perseguido por un cazarecompensas y agobiado por dos hermanos rockeros ex-compañeros de celda. En 1990 protagoniza junto a Laura Dern (con la que ya había trabajado en televisión) la obra maestra de David Lynch "Corazón salvaje" donde da vida a un rocker con 4 grandes pasiones: su novia, el tabaco, Elvis Presley y su chaqueta de piel de serpiente. Aqui Cage canta, muy bien además, dos canciones de Presley, "Love me" y "Love me tender" mientras se mete en un lio de padre y muy señor mio. Su relación cine-rock and roll continúa afortunadamente cuando protagoniza "Luna de miel para tres"(Andrew Bergman, 1993) cuya banda sonora está hecha integramente de versiones de Elvis y con momentos homenaje al Rey hilarantes, comedia por la cual fue nominado nuevamente a los Globos de Oro. En el rodaje y tras él mantuvouna relación sentimental con su partenaire Sarah Jessica Parker pero al poco lo dejó para estar con su nueva novia Kristina Fulton con la que tuvo un hijo, llamado Kar-El en homenaje al nombre kriptoniano de Superman. Tras recibir un oscar por su interpretación de un alcoholico suicida en "Leaving Las Vegas" (Mike Figgis, 1995) empieza a ser contratado para grandes superproducciones, principalmente de acción (género que ya había tocado antes sin mucho éxito), convirtiéndose en uno de los actores más taquilleros y millonarios de Hollywood. En este momento se casa con la actriz Patricia Arquette. Eso si, la calidad de las películas disminuiría con títulos tales como "La roca", "Con air" o "Al límite", esta última junto a su mujer; aunque sus thrillers siempre serán muy aceptables, como "Ojos de serpiente" o "Asesinato en 8 mm". En el año 2002, de una manera sorprendente, Cage se divorció para casarse con Lisa Marie, la hija de Elvis Presley, matrimonio que duró pocos meses pues Lisa Marie alegó que Nicolas más bien quería haberse casado con su padre que con ella. Normal. Desde entonces ha seguido haciendo superproducciones de acción, bastante triviales algunas otras no ("HIstoria de un bala") pero que le dan su buen dinerito.

En "Corazón salvaje" no duda en interrumpir un concierto heavy para dedicarle el "Love me" de Elvis a su amada.

Mod

Para odiar a tu enemigo primero has de conocerle. Partiendo de la estética trajeada de los Teddy Boys londinenses a finales de los años 50, un grupo de chicos de clase media de esa ciudad se interesó más por los trajes de nuevo corte que venían del continente, especialmente los entallados italianos de pata corta y corbata fina (hay quién afirma que trabajaban en el ramo de la sastrería, yo lo dudo) y cambiaron el gusto por el rock and roll clásico por un amor al rhytm & blues y al modern jazz, empezandoseles a llamar mods en contraposición a los viejos trads, o seguidores del jazz tradicional. Esta inocente disputa musical se transformó poco a poco en un movimiento social, en una verdadera tribu urbana de jovenes que no estaban solo interesados en las músicas negras y en el seguimiento de la moda europea sino que gustaban de otras cosas como el pop-art, la nouelle vague francesa o el exintecialismo, es decir todo aquello que estuviera de moda en aquel momento preciso y que les hacía abominar de otros grupos de jovenes con estéticas o pensamientos anclados en el pasado, tales como los rockers o los mismos teddys. En 1959 Colin McInnes escribió la novela "Absolute beginners" (también hay una película) retratando los principios de este movimiento lo cual les dió más fama y les llenó de acólitos. Al principio de los años 60 los mods vivieron su momento de auge y afianzamiento de personalidad al adaptar en masa las motos scooter Vespa o Lambretta como medio de transporte (a las cuales añadieron multitud de espejos retrovisores como burla a una nueva ley que les obligaba a poner dos) y los abrigos parkas verde oliva del ejército, muchas veces adornados con la escarapela de la R.A.F., que tomaron como símbolo propio. Además, ya por toda Inglaterra, empezaron a agruparse en bandas cada vez más intolerantes con lo que no siguieran su estilo de vida lo que unido a su gusto por el consumo de anfetaminas, la droga de moda, les volvía violentos en sus tiempos de ocio (llevando una especie de segunda vida pues durante el dia solían ser empleados modelo), que pasaban en clubs drogándose, bebiendo y ensayando los nuevos pases de baile. Musicalmente sus gustos se diversificaron mucho, considerando ahora el soul, el beat británico y el sonido motown (y despues el garaje) como sus preferidos, dando lugar incluso a un estilo musical propio en el norte del país, el northern soul, cuyo característico baile individual se popularizó rapidamente. Simultaneamente empezaron a aparecer grupos musicales de estética y proselitismo mod, tales como los Small Faces, los Kinks o los Who, por citar algunos de verdadera calidad (¡No me pegueis amigos, pero es la verdad!). En 1964 su rivalidad con los rockers llegaron a su punto álgido cuando protagonizaron multitudinarias peleas en las playas del sur de Inglaterra. Pero en el segundo quinquenio de la década de los 60 el movimiento mod entró en una decadencia irreversible: Basado en una contradicción inherente pues debían seguir las pautas de la moda y sin embargo la nuevas moda era la psicodelia y la estética hippy, algo opuesto a sus gustos anteriores, se fue derrumbando por si solo. Así, algunos de sus mejores grupos como los Who (en uno de cuyos conciertos murieron once personas aplastadas por la multitud) se pasaron a la música psicodélica con lo que arrastraron a muchos mods, sobre todo chicas, al hippismo. Los más recalcitrantes mutaron hacía un mayor radicalismo en sus convicciones proletarias y en su estética (acortando su chaqueta militar o luciendo con orgullo la bandera de Gran Bretaña, por ejemplo) dando lugar a los mods duros o gang mods, muchos de los cuales se fusionarían con los emergentes skinheads, o a los scooter boys en el norte de Inglaterra los cuales se centraron totalmente en sus motos. Tras una decadencia que casi les lleva a la extinción los años 70 significaron, en sus años finales, cierto resurgimiento para el movimiento merced al éxito de la película "Quadrophenia" que, aunque crítica con ellos mismos, hizo que muchos chavales se emocionaran y se apuntaran al rollo. También influyó en este efímero auge el nacimiento de una nueva y espléndida banda mod que, actualizandose a la moda, estaba muy influida por el recién nacido punk, me refiero a los Jam. Pero a partir de los años 80 el término mod queda muy diluido, sobre todo musicalmente, entre el mestizaje del pop con el ska o el soul que dieron lugar a bandas como los Madness, aunque siempre hay puristas como los Lambrettas o los Merton Parkas. En los años 90 esto se agravó aun más con la aparición del pop grunge de la generación X estilo Blur, Nirvana u Oasis que terminaron de difuminarlo todo.

En cuanto a España no hubo un movimiento mod como tal hasta la década de los 80 cuando con la llegada de la movida muchos chicos imitaron a sus colegas ingleses de antes y surgieron muchos y buenos grupos como Los Flechazos, Los Negativos, Los Elegantes y, sobre todo, Brighton 64, emblemático conjunto cuyos componentes terminaron, por desgracia, metidos en esa ridícula y oportunista, aunque afortunadamente pasajera, corriente político-musical llamada rock catalá de la que estoy seguro hoy se avergüenzan. Todo lo parecido a un mod que había aqui con anterioridar eran los Ye-Yés. (Dedicado a Miguel. Seguid soñando con el arco iris chicos).

Big Sandy & his Fly-Rite Boys (Anaheim, 1988)

Robert Williams se crió en un ambiente californiano de pasión por la música pues su abuelo había tocado y sus padres eran unos tremendos aficionados al rock and roll y otros sonidos de los años 50 y 60. Su madre le apuntó a clases de guitarra y en seguida se decantó por el rockabilly fundando su primer grupo, Robert Williams & the Rustin Strings, con un repertorio mezlca de clásicos y de canciones propias pues el joven Robert ya empezaba a mostrar talento como compositor. Como empezó a crecer, a lo alto y a lo ancho, de forma desmesurada en seguida se ganó el apodo de "Big" (grande) a lo que Herson, su contrabajo, le unió el sobrenombre de Sandy porque siempre llevaba una chaqueta con ese nombre bordado. Su grupo se cambió el nombre a Fly-Rite Boys por una canción de Nat King Cole. La presencia física del cantante, su poderosa voz y el talento musical de los muchachos los llevó a conseguir numerosas actuaciones (entre ellas en el Grand Ole Opry) llamando la atención de Dave Alvin que se prestó a producirles sus discos, el primero de ellos en 1990. En seguida quedó clara la inteligencia de Big Sandy pues, lejos de encasillarse en el rockabilly, ha hecho del eclecticismo musical (siempre con géneros de calidad, se entiende) su bandera. Así han publicado discos de rock and roll, western-swing, du-duá, hillbilly o boogie-woogie, todos de una talla muy alta (perdón por el chiste, nada más lejos de mi intención que llamarle gordo) que les han dado la suficiente fama como para que en la serie "Melrose Place" los protagonistas hablaran de ellos mientras sonaba una de sus canciones. Gracias a la intervención de Morrisey al principio, que les conseguía giras (en un viejo autobús escolar), Big Sandy & the Fly-Ritr Boys llegaron a llevar un ritmo de más de 200 conciertos al año, muchos de ellos en Europa desde 1991, lo cual llevó mucho cansancio y stress a algunos miembros del grupo que decidieron abandonarlo. Por este motivo Big Sandy ha alternado el tocar con ellos y con otros grupos, entre ellos los Straitjackets y con labores de producción (ha producido a Kim Lenz entre otros).

Músicos: Big Sandy (voz y guitarra), Wally Herson y Jeff West (contrabajo), Sonny Leyland (piano), Bobby Trimble (batería), Lee Jeffreys y Jimmy Roy (steel guitar) y T.K. Smith y Ashley Kingman (guitarra).

"Jumping from 6 to 6", buen rockabilly y western-swing.

"¡Gran bola de fuego!" (Jim McBride, 1989)

Película que narra el auge y caida de la carrera musical de Jerry Lee Lewis, o sea el periodo entre 1956 y 1957. Los momentos en que pasa de ser un talentoso y rockero pianista desconocido a ser una estrella del rock and roll que amenazaba incluso el trono de Elvis (algo representado en el film muy metaforicamente cuando la chica que esta en la cama con Presley se desentiende de él para bailar una canción de Lewis que aparece en la televisión) y, con la misma rapidez con que subió se precipitó al vacio al destaparse el escándalo de que se había casado con su prima de 13 años Myra (era además su tercer matrimonio), que es la autora del libro en que se basa la peli, y fue apartado de la escena musical. Aunque para desesperación de los rockers con el corazón de piedra la película se centra demasiado en la historia de amor de Jerry y Myra, el caso es que es un film correcto que recrea estupendamente el ambiente de los años 50 (para lo bueno y para lo malo) y que nos recuerda la gran labor pionera en el mundo del rock and roll por parte de Jerry y su espíritu rebelde e inconformista hasta el fin (memorable en la escena de su famosa anécdota de quema del piano). Dennis Quaid como Jerry (aprendió a tocar el piano a la perfección para interpretar el papel) y Winona Ryder como Myra hacen un buena interpretación a pesar del exagerado histrionismo de Quaid, que hacen parecer a Jerry Lee más un payaso sin cerebro que al torturado joven que era. De hecho Jerry, cuando leyó el guión, montó en cólera y, aunque parece que es mentira la leyenda que dice que se presentó en el plató pistola en mano, puso muchos problemas al rodaje y llamaba a la producción "Gran bola de mierda". Se debió llegar a algún tipo de acuerdo económico secreto (en esos días Jerry Lee estaba en la ruina acuciado por Hacienda) pues al final aceptó promocionar la peli, llegando a aparecer en un video-clip tocando junto a Quaid. La verdad es que se echan de menos algunos momentos de la vida de Lewis que habrían echado más sal al conjunto, tales como las misteriosas muertes de sus otras esposas, su asalto a Graceland, su alcoholismo o su prestigio musical recuperado posteriormente, pero entendemos que una película dispone de un tiempo limitado. De todas formas es muy agradable de ver y oir gracias a una sensacional banda sonora regrabada por Jerry en persona y cuyo buque insignia es la canción que dá título al film: "Great balls of fire!". Los demás temas del Killer (El Asesino, como fue conocido Lewis) que aparecen en la película son los otros más conocidos de su carrera: "Crazy arms", "Whole lotta shakin´ goin´ on" (que también puede oirse en la versión de Valerie Wellington), "I´m on fire", "Breathless", "I´m throwing rice at the girl that I love", "High school confidential", "That lucky old sun" y, claro, "The Wild one". Pero la banda sonora no se ciñe solo a los temas de Jerry Lee. Para ilustrar como era la música de la época, ejemplo primero y competencia después del protagonista de la historia, tenemos ejemplos constantes y bien elegidos. Las raices del rock and roll podemos encontrarlas en "Big legged woman" (Booker T. James), "Rudolph the red nose reindeer" (que puede escucharse aquí tanto en la versión de Gene Autry como en la de Joe Nettles), "Lover" (Les Paul), "Rocket 88" (Jackie Brenston), "Patricia" (Pérez Prado) y "Singing and swinging for me" (Bill Boyd´s Cowboy Rumblers). La música coetanea a su momento de gloria la tenemos ejemplificada con el "Happy organ" (Dave "Baby" Cortez), "As you desire me" (Bill Doggett) o "Raunchy" (Bill Justis), que como podeis apreciar son instrumentales y de esta forma pueden dar fondo a la banda sonora sin enturbiar diálogo o argumento. Aunque, por supuesto, no falta un tema cantado por el Rey, "Teddy bear". De como evolucionaría la música tras la caida en desgracia de Lewis dan fe "Beat guitar" (The Wailers) o "Last night" (The Mac-Keys). No confundais este film con un cortometraje homónimo que trata sobre las bolas de fuego en que se transformaron las Torres Gemelas ni con "Bola de fuego", una excelente película con Gary Cooper y Barbara Stanwick.

Trailer de la peli.

Los Lobos (Los Angeles, 1973)

Hijos de inmigrantes mejicanos en Los Angeles que amaban la cumbia, el jazz latino, la música tex-mex, los norteños y los corridos, los amigos David Hidalgo, Conrad Lozano y Louie Pérez pronto demostraron talento para tocar instrumentos típicos de sus mayores tales como el acordeón, el guitarrón o la mandolina. Pronto conocieron a otro chico con sus mismas inquietudes y talento, el mejicano César Rosas y, en 1973, cuando ninguno de ellos (excepto Lozano) había cumplido aun los 20 años, decidieron formar la banda Los Lobos del Este de Los Angeles. Su repertorio era de interpretación de clásicos tradicionales mejicanos, corridos y rancheras relacionados con la Revolución y, por extensión, tomaron una linea izquierdista politicamente que les hacía afiliarse del lado de gente como el lider sindical chicano César Chávez, todo lo cual expresaban en sus canciones, las cuales muchas veces estaban compuestas por otros activistas hippys, lo cual se nota en cierto tonillo folk. A pesar de los problemas que ello les supuso (aunque les ganó las simpatías y el respeto de toda la población hispana de California) consiguieron editar un álbum en español con el reivindicativo título de "¡Sí se puede!" (1976) y que entre otras melodias, para que os hagaís una idea, llevaba el "No nos moverán", "Huelga general" o "Yo estoy con Chávez". Eran años en que los explotadores californianos trataban a los hispanos casi como esclavos y su partidismo dice mucho a su favor. Su EP "Just another band from L.A." (1978), título que ya habían usado para un álbum Los Mothers solo 6 años antes y que ellos le dan un tono sarcástico, perdía carácter político y se centraba más en canciones tradicionales mejicanas, introduciendo ya guitarra eléctrica, bajo y batería y dejando de lado y para siempre el folk e introduciendo ciertos acordes de rock and roll. Normal, el mundo musical angelino de finales de los años 70 era rockero por excelencia y la influencia del rock and roll no podía dejarles impávidos. Sobre todo les impresionó el nuevo rockabilly que emergía por aquellos lares gracias a gente como los Blasters y muchos otros. Fue cuando se pusieron a componer, Dios les bendiga. Lo primero que hicieron fue abreviarse el nombre a, simplemente, Los Lobos y luego sacar un sensacional single de un rockabilly puro y salvaje llamado "We´re gonna rock" (1979) que les dió a conocer no solo en California sino en el mundillo rocker de Estados Unidos y parte del extranjero gracias a que fue seleccionado para aparecer en un recopilatorio de bandas de Los Angeles llamado "L.A. Rockabilly". Precisamente de los Blasters les llegó la última incorparación al grupo, el único yanqui de ellos, Steve Berlin (que había estado tambien en el grupo punk Los Flesh Eaters) y con esta incorporación de raices musicales tan radicalmente opuestas es donde apareció su famosa mezcla, instintiva por otra parte, de rock and roll con tex-mex y otras músicas de raices mejicanas. Berlin vió las posibilidades que tenía un grupo con ese mestizaje y contactó con la estrella T-Bone Burnett para que le ayudara a producirles un album. Se lo editó discos Slash con el título "...And a time to dance" (1983), el cual, aunque solo llevaba 7 canciones, deslumbró a crítica y público con sus rock bailables ("Let´s say tonight"), sus rockabillys ("Why do you do?") y sus versiones de clásicos de rock and roll ("C´om let´s go", de Ritchie Valens) o de música tradicional mejicana ("Anselma" y "Ay, te dejo en San Antonio"). Fue sin duda el mejor disco del año y, como se decía por allá, gustaba a ambos lados del Rio Grande (Estados Unidos y Méjico. Siiií, ya sé que lo sabíais pero aun así lo pongo). Su siguiente LP fue esperado con expectación durante un año y no decepcionó en absoluto: "How will the wolf survive?" (1984) es aun mejor que el anterior y sigue en la misma linea de mezclar rock and roll con corridos y rancheras (memorables, por nombrar solo algunas, son el rockabilly-tex-mex "Evangeline" o la serenata norteña "Serenata norteña" -je,je-) y ahora añadiendo alguna memorable balada, todo material propio que da lugar a uno de los mejores álbumes de los años 80. Teniendo todo lo dicho en cuenta no es de extrañar que fueran los elegidos para interpretar los temas de su adorado Ritchie Valens en la película "La Bamba" (con aparición en el film incluida) lo que ya les dió una fama mundial imperecedera. Aprovechando el tirón editaron ese mismo año su album "By the light of the moon" (1987), más maduro y pausado pero también excelente. En sus siguientes LPs ya olvidaron completamente el rockabilly para dedicar más tiempo a sus raices mejicanas, geniales su "La pistola y el corazón" (1988) y "The neighborhood" (1990), aunque siempre encontraban un hueco para algo de rock and roll de calidad. En 1995 colaboran en la banda sonora de la película "Desperado" lo que les da mucha más fama en el mundo en general y en España en particular pues acompañan a Antonio Banderas mientras canta el tema principal del film, una canción de puro tex-mex. Pero en la cima de su fama les sobrevino la desgracia, algo de lo que no parece que puedan escapar los grandes del rock and roll. Mientras estaban de gira en 1999 alguien raptó a la mujer del vocalista de las gafas de sol César Rosas, y las hermanas de esta sospecharon de su hermanastro, Gabriel Gómez, el cual había sido acogido por los Rosas para alejarlo del mundo de las drogas en el que se había metido en Méjico. Las sospechas se confirmaron al encontrar sangre de ella en su furgoneta y Gómez fue juzgado y condenado a cadena perpetua antes de que se encontrara el cadaver, algo que ocurrió un año después. Desde entonces, aunque siguen grabando, principalmente discos en directo, y actuando como Los Lobos (en conciertos imprescindibles pues son músicos de una calidad sobrehumana, amén de simpáticos y graciosos) la verdad es que han diversificado sus propuestas musicales. Así Rosas e Hidalgo fundaron el grupo de música tejana y étnica Los Super Seven (con gente como Joe Ely, el Flaco Jiménez y Freddy Fender), Hidalgo y Pérez formaron el grupo de tex-mex Los Latin Playboys, Hidalgo formó el grupo de boogie-woogie y blues-rock Houndog (además de tocar para gente tan diversa como Elvis Costello, John Lee Hooker, Roy Orbison, Willy De Ville, Dolly Parton o Tom Waits, entre otros. No en vano está considerado como uno de los mejores guitarristas de la actualidad) y Steve Berlin formó el grupo instrumental Tuatara (además de tocar para gente como Hooker, R.E.M. o Sheryl Crow y dedicarse a la producción).
Músicos: David Hidalgo (voz, guitarra, acordeón, pandereta, violín, teclados, armónica y banjo), César Rosas (voz, guitarra, bajo sexto y mandolina), Luie Pérez (guitarra acústica, batería, percusiones y coros), Steve Berlin (saxos, flauta, armónica, tuba y percusión) y Conrad Lozano (bajo, guitarrón y coros).

"Don´t worry baby", un buen ejemplo de su saber hacer.