jueves, 18 de diciembre de 2014

Bobby Mizzell (Childersburg, 1937)

Al poco de nacer en el norteamericano estado de Alabama, su familia se trasladó a un pueblo cercano, Sylacauga, y allí el pequeño dio muestras de ser un niño prodigio con el piano. Hasta tal punto esto es así que cuando tenía ocho años de edad ya estaba tocando de forma semi-profesional con un conjunto de música country, la Johnny Robinson String Band. También pertenecía a un club infantil, gracias al cual consiguió algunas actuaciones en la radio local, recibidas con verdadero alborozo. La emisora se lo llevó a un concurso estatal televisado, que ganó tocando "The Tommy Dorsey boogie". Consiguió un programa propio en la radio (donde se grabaron algunos temas, que quedaron inéditos entonces), y del boogie-woogie pasó al rock & roll y del R&R al rockabilly conforme avanzaban los años 50. Cuando cumplió los 20 años, él y su amigo Jerry Woodward, otro temprano rocker que también había conseguido programa propio en la emisora local, decidieron dejar el pueblo y marchar a Birmingham, la ciudad más importante del estado que en esos momentos un hervidero de nuevos cantantes y clubs de rockabilly. Como músicos dotados aque eran pronto consiguieron trabajo en un par de programas de la televisión estatal, uno de ellos presentado por Country Boy Eddie, un respetado ya cantante de hillbilly y rockabilly en la ciudad. Finalmente decidieron formar un dueto que alegraba los principales garitos nocturnos acompañando a los instrumentos a nuevos cantantes como Sammy Salvo o Len Wade. Cuando ahorraron un poco de dinero Mizzell creó el sello discográfico Kim (en homenaje a la actriz Kim Novak). Las discos de Mizzell están repletos de sensacional rockabilly instrumental, como en "Knockout" (1958), pero no era tan egocéntrico como para olvidarse de los viejos amigos, y también le editó a Wade el disco "Found someone", una composición suya, y a Chris Tayler. Las ventas eran bajas y Mizzell tuvo que trabajar de forma paralela como músico de estudio en discos Reed, uno de los más fieles con el género que nos ocupa, y en muchos otros (se dice que fue él el pianista en la mítica "Chantilly Lace", de Big Bopper), no obstante estaba ya considerado como el mejor pianista de R&R de Alabama. Finalmente se le dió la oportunidad de grabar allí su instro-rockabilly "Atomic fallout" (1959), con su amigo Woodward, que también había recalado allí, rellenando la otra cara del single. Precisamente en se siguiente single, la versión instro de "Heart & soul", el que cantaba en la otra cara era el hermano de Woodward, Lee Wayne. Este disco se aireó bastante bien y Mizzell pudo tocar de telonero de estrellas rockeras del momento como Buddy Knox o Brenda Lee cuando visitaban su estado. Luego salió de gira por Tejas, donde conoció al gran Jack Clement, para quién ya había trabajado en estudio, que se convertiría en su manager. Instalado en Beaumont ficharía por discos Phillips, pero para su decepción se le usó como músico de estudio, destacando su participación en la tempranas grabaciones de Johnny Winter. Creó entonces el dueto Bobby & Glenn (Layne), luego el grupo Bobby Acorn & the Leaves, y finalmente Neal & the Newcomers, que aunque grabaron en modestas discográficas, no tuvieron ningún éxito. En 1966, harto de que se desperdiciara su talento, cogió a su mujer y a su hijo y se marchó a California, obteniendo un trabajo fijo como pianista en un club de Hollywood de 1967 a 1972. Luego se convirtió en restaurador de viejas películas, destacando su labor con las cintas olvidades de serie B de los años 50, fundando incluso su propia compañía, Mizzell Films, hasta que la llegada del video doméstico a principios de los años 80 dio al traste con los cines y de rebote a su negocio. Regresó pues a los escenarios, teniendo la suerte de conocer a la eterna promesa del rockabilly de Los Angeles, el gran James Intveld, que le ayudó y le promocionó como nadie, llegando a actuar juntos con asiduidad. Y todavía mantenía la propiedad de Kim Records, y con ilusiones renovadas se lanzó a editar una serie de estupendos discos, como el dueto "Palm Springs blues" (1985) con la leyenda del boogie-woogie Hadda Brooks, con la que ya estaba actuando usualmente en un club local. En Kim también destacar sus tardiós y salvajes rockabillys "Rambo rock" (1986) y  "Moron rock" (1991), donde se atribuye ya el apodo de Gordito, un mote de juventud acentuado por el sobrepeso de la edad, y es que buen humor nunca le ha faltado. Aun sigue grabando, ahora en formato CD y mp3. Decir que no es esta la única discográfica que regenta, otra es Roswell Records, llamada así por su afición a los OVNIS, de cuando estuvo viviendo en esta localidad de Nuevo Méjico en la que, dicen, se estrelló uno.  
Músicos: Bobby Mizzell (voz y piano), Jerry Woodward, Newman Cohely y Sam Newfill y James Intveld (guitarra), Lee Hood Carzle (contrabajo) y Billy Self, Tommy Willingham y Johnny Carter (batería) y The Big Boppers.

miércoles, 17 de diciembre de 2014

Golden Quarter (Barcelona, 1960 - 1966)

Grupo español formado por cuatro chicos, compañeros de Universidad, que, si bien copiaron su nombre un tanto de un secundario conjunto de rhythm & blues estadounidense, la verdad es que hacían versiones de rock & roll clásico con verdadero acierto. Hasta tal punto esto es así que en 1961 fueron ellos los elegidos como representantes de la región catalana (junto a Los Ticanos, luego reconvertido en el grupo pop y de música ligera Los Catinos) en un festival de rock nacional en la capital del país. Cuando la editorial literaria Vergara decide lanzar una filial discográfica, piensa en estos muchachos para una de sus primera ediciones y les editan el variado disco "Quién te ha puesto el bomb" (1962), con rock & roll, twist y melodías italianas. Aunque bastante bueno no consiguió la repercusión merecida entonces y desde luego hoy tampoco se les reconoce como se debiera. Sin embargo, de su calidad da prueba el que poco después ganasen el Campeonato de España de Conjuntos Universitarios. Sus siguientes discos muestran su buen gusto a la hora de evolucionar y hacer versiones dentro de los géneros del rock & roll, haciendo high school como en "Ruby baby" (1963), música surf ("Surfin U.S.A.") o ritmo de los grupos de chicas de los 60, como en "Tu serás mi baby" (1964). Por desgracia, su cantante filipino, cuyo nombre era el muy significativo de Tony Preysler, decidió comenzar una carrera artística en solitario, en la que debemos destacar su versión del "Return to sender", si bien no llegó a tiunfar. Mientras tanto el resto del grupo caía en la tentación de triunfar al fin haciendo bailes de moda cada vez más estúpidos, entre ellos "La yenka" (1965), ya con algunas sustituciones, habiendo entrado algún componente de Los Gatos Negros. Esta táctica tampoco funcionó y derivó en la disolución del grupo. Preysler se unió entonces a Los Extraños, un grupo algo mod que sin embargo había destacado por hacer versiones de canciones de Elvis no muy conocidas. Por desgracia el servicio militar les disolvió en 1966.
Músicos: Tony Preysler (voz), José María Vidal y Manolo Sanfeliú (guitarra), José María Renobell (bajo), Enrique Cortada (batería), Jorge Monfort y Javier Solé (teclados), Juan Salomó (voz y guitarra acústica) y José Llobell (saxo).
"Hey baby" (1962).

martes, 16 de diciembre de 2014

Pornobilly

Tras el tremendo éxito comercial de "Garganta profunda" (1972), que incluso recibió buena críticas de sesudos críticos de cine (seguramente tipos con muchas ganas de excusar sus perversiones tras un velo de intelectualidad, pues la película es un truño), la industria del porno cinematográfico experimentó un desarrollo inusitado durante los años 70 al verse sus inmensas posibilidades una vez que vistiese a sus cintas con cierto argumento y guión, cuanto más pedante mejor, sin importar lo ridículo que todo esto fuese. Así es como llegaron "Tras la puerta verde", "Historia de O" (1975) y un largo etcétera de filmes con diferentes ambientaciones e insoportables momentos dialogados para los onanistas que llenaban los cines X (entonces no se podía dar para adelante a la película) en espera de las escenas de sexo explícito, que de eso se trataba. Hubo cine porno de romanos, tropical, western, histórico, negro, de aventuras,...pero realmente no se recurrió al musical para dar ambiente al sexo profesional, si exceptuamos las conocidas tonadillas psicódelicas como fondo del acto. Es curioso y nos debe enorgullecer, o avergonzar, según nuestra capacidad para ruborizarnos, el que fuera el rockabilly el género que iniciara los pornos-musicales, en un infra-género que podemos bautizar sin esforzarnos nada como pornobilly. La cinta que dio el pistoletazo de salida (y perdón por el chiste, pero no me he podido reprimir) fue "Teenage cruisers" (1977), obra del cantante rocker Johnny Legend que mezcla elementos del cine rocker de los años 50 (además de la música) con elementos hippys de la década a la que pertenece, como los bailes alucinógenos, la paz, la busqueda personal y, sobre todo, el amor libre. El argumento tiene poco o nulo peso, en base a una serie de personajes (rockers, gangsters, chiflados,...) convergiendo en lo único que tienen en común, el gusto por la diversión, como mera excusa (o sin ella) para las consabidas escenas de sexo sucio y, oh amigos, para estupendas actuaciones de rockabilly por parte de viejos y nuevos conocidos del género. La lista es espectacular: Ray Campi ("Eager boy"), Colin Winsky ("Red hot mama"), Tony Conn ("Birmingham mama") o el propio Legend ("Hot rocks" y "Are you hep to it?"), banda sonora que se completa con Jackie Lee Cochran ("Hungry Hill"), Mac Curtis ("Slip, slip, slippin´ in"), Alvis Wayne ("I wanna eat your pudding"), Kid Thomas ("Wail baby"), Chuck Higgins ("Bip bop boom" y "Don´t touch me"), Billy Zoom ("Bad boy" y "Say when"), Jerry Sikorski ("Backseat boogie") y Charlie Feathers ("That certain female"), alguna de ella hecha en exclusiva para el film, lo que le añade mérito. De los tres rockers-actores del cotarro (si exceptuamos al omnipresente Legend) Conn tiene cierto protagonismo, Campi menos pero se nota que estaba metido en el ajo, pero Winsky, que también actua un poco, parece ser que no sabía que estaba rodando escenas para una película X, y dado que no aparece sino en escenas totalmente ajenas al sexo, tiendo firmemente a creerle. Para los amantes del porno decir que no es el mito de tres piernas John Holmes el protagonista del film, como he oido por ahí (cuando aparece es un refrito proyectado de otras películas suyas) sino la gran Serena, y que como tal no merece la pena perder esos quince minutos. Si lo merece, a pesar de ser un bodrio dificilmente soportable, por la música citada, en algunos casos un documento único del revivalismo rockabilly de finales de los años 70.  Después habría que llegar al siglo XXI para volver a ver otras producciones de pornobilly, ya libres de pelos y señales y dedicada entermente al mercado del CD de gasolinera y a internet. "The rebelle rousers" (2006) cuanta con algunas de las más espectaculares modelos del momento, no obstante es una cuidada producción de Vivid, la más elegante compañia porno del momento (aunque algunos detalles apestan), y su título hace referencia a la película de motoristas de los años 70 "Rebel rouser". La exigua trama, si se le puede llamar así, gira en torno a un grupo de guapas y duras rockeras que deciden buscar la libertad... a su manera, destacando una escena de sexo dominada por la presencia de la bandera sudista (otro guiño a "Rebel rouser"), pero si quitamos esto no hay demasiado R&R donde sacar tajada a pesar de que el director es el rocker Octavio Arizala, asociado a Vivid y a Wild Records a partes iguales. Mejora (musicalmente me refiero) Arizala en "The Bad luck betties" (2007), donde explota el morbo por las nuevas pin-ups rockeras, pues consigue un grandioso elenco de amigos del nuevo rockabilly para poner la banda sonora: Luis & Wildfires, Gizzelle, Omar & the Stringboppers, Santos, The Vargas Bros, etc. Y encima, un montón de chicas malas, todas impresionantes, recorren Los Angeles en busca de acción. Luego destaca una obra barata llamada, muy poco sutilmente, "Fuckabilly" (2010), protagonizada por nuevas promesas del cine X, lideradas delante y detrás de la cámara por Joanna Angel (que ya había hecho la más durilla, en los tres sentidos, "Rock & roll in my butthole" y sus secuelas) que no me dicen mucho, ni falta que les hace. Como en el resto del porno desde los años 90 el argumento ha desaparecido por completo (que Dios les bendiga) a la misma velocidad que el matojo, y en esta ocasión se narran una serie de encuentros lésbicos entre pin-ups a ritmo de rockabilly enlatado ¿Se puede pedir más?. Tan buen resultado daría como era de esperar una secuela, "Fuckabilly 2" (2012), también protagonizada y dirigida por Angel. No son estas las únicas relaciones pornografía-rockabilly pues ¿Qué hay de la idolotría actual del mundo rockin´ por actrices eróticas de los años 50 como Betty Page o Tempest Storm? ¿No existe la serie literaria erótica de la rockera Isabella? ¿Es que no agradeceremos eternamente a Tracy Lords su aparición en "Cry baby"? ¿Nos olvidamos de Rachel Rotten? ¡Jamás! Bueno, claro está, yo todo esto no lo he visto, a mi me lo ha contado un amigo que está haciendo una tesis sobre pornografía.
Tony Conn - Birmingham Mama por edudelrio No sale nada cerdo, excepto desnudos subliminales, así que no os extrañeís si aparece cierta sudoración inexplicada. Este es Tony Conn en "Teenage cruisers".

lunes, 15 de diciembre de 2014

Los Temblores (Irún, 1989 - 2007)

Debemos destacar dos grupos en España que se han llamado de esta forma, si bien el primero de ellos no llegó a grabar como tales y por tanto va en contra de la regla de añadirlo a este diccionario.
Aún así, lo haremos. Lo formó el que fuera guitarrista de Los Faraones y de Los Brillantes Javi Martín, pero tras unas pocas actuaciones él y su cantante Miguel Ángel (que provenía de Eddy & los Flipper) decidieron disolverlo y montar otro conjunto llamado Rompeolas. Aunque en principio hacían versiones de rock & roll, poco a poco fueron girando hacia el glam-rock, incluso en estética. Este aspecto, poco menos que gay, motivó que durante su actuación en el festival “Ya vuelve la plaga” fuesen insultados e incluso agredidos por el público rocker que les obligó a dejar de tocar. Tras grabar el single pop-a-billy "Vuelo experimental" (1984), se disolvieron y alguno de ellos formaron El Tercer Hombre junto a ex-miembros de Sindicato Malone y Mario Tenia y los Solitarios, aunque poco después se rebautizaron Jan. Iban bien encaminados y ya tenían firmado un concierto en la mítica sala madrileña Rock-Ola en 1985, entonces una de las mecas musicales del país. Pero unos días antes se produjo una brutal pelea entre mods y rockers en la puerta del local con el resultado de un muerto, dos heridos y diez detenidos. Los medios se hicieron mucho eco de la violencia de las tribus urbanas y el Rock-Ola fue clausurado, privando a Jan de su gran oportunidad en el escaparate del rock de la capital. Las cosas no irían bien desde entonces y se disolvieron también, terminando alguno de sus integrantes tocando en una orquestina. Pronto tendrían el dudoso honor de ser el primer grupo en no poder tocar en la sala Rock-Ola después de su cierre fulminante tras los hechos narrados en páginas anteriores, aunque para entonces, ya habían pasado a llamarse Jan. Finalmente algunos de sus integrantes acabarían tocando en una orquestina.
Pero, como hemos dicho, estos Temblores no llegaron a grabar, cosa que sí hicieron sus colegas vascos (foto arriba y formación abajo) en un disco compartido, aunque de él luego se extrajo el single propio "Perdido en el desierto" (1992), que hacían un rock & roll más punk cercano al psicobilly. Entre sus fundadores estaba Jorge, el que había sido líder de Jorge Litro & Bolingas Trío (y luego de Los Kradocks) pero luego entraron miembros de bandas con nombres tan ingeniosos como Los Chernobillys que la volverían ya totalmente psycho y llevarían su base de operaciones a Bilbao. Su sentido del humor se haría patente en temas como “Creepers sangrientos” o “La tenía más larga que la mía”. Una vez disueltos, alguno de sus componentes marchó a formar los Jukebox Racket (que ya han grabado un par de discos) junto a miembros de Los Booguie Punkers. Luego, ya en el siglo XXI, algunos de los Temblores originales han vuelto a juntarse.
Músicos: Jorge Litro (voz), Julen (voz y guitarra), Víctor (contrabajo), Iván (batería) y Beni (saxo).

domingo, 14 de diciembre de 2014

Cauby Peixoto (Araruama, 1931)

Nació en el estado brasileño de Río en el seno de una familia de músicos (es primo de Ciro Monteiro, uno de los cantantes de samba más famosos en Brasil), y ya de niño aprendió a tocar varios instrumentos y a cantar. Así pues era muy joven cuando empezó a cantar y tocar samba y temas de crooners norteamricanos de forma profesional, haciendo su primera aparición radiófonica cuando todavía era un adolescente. Se trasladó a Sao Paolo, cantando en diversas agrupaciones de salsa y después en una big band. Grabó varios discos de salsa y crooner en esta temprana época, que ya le convirtieron en un ídolo para las jovencitas, hasta que la llagada de los primeros ecos del rock & roll le influyeron grandemente y se convirtió en el primer artista nacional en grabar un R&R en portugués, "Rock and roll em Copacabana" (1957). Fue todo un éxito a pesar de que el tema todavía estaba mucho más cerca del swing que del verdadero rock & roll, pero a falta de otra cosa fue suficiente para que importantes medios de comunicación estadounidenses le catalogaran, de forma bastante precipitada, como El Elvis brasileño. Ello hizo que se le contratase para una gira por aquel país. Curiosamente Peixoto adoptó el pseudónimo de Ron Coby para la ocasión, pero la cosa no pareció desconcertar demasiado, pues la gira fue un éxito, incluyendo la aparición en la película de rock & roll estadounidense "Jamboree", cantando el fuera de lugar "Toreador". A pesar de semejante desatino, era lógico que de vuelta a casa fuera el elegido para aparecer en la película promocional del género  en el país "Minha sogra é da policía" (1958). Es una cinta sorprendentemente buena para lo que cabía esperar, incluso muy superior a muchas similares norteamericanas, destacando las pandillas rockeras que se sobreponen a cualquier obstáculo espacio-temporal y han de conformarse con cabalgar vespas. Acompañado de un excelente grupo rockabilly llamado The Snakes (formado de los restos de The Sputniks, entre los que había estado el hoy célebre Roberto Carlos, se habían llamado un breve periodo The Boys of Rock), Peixoto se luce a gusto cantando "That´s rock", ahora ya con un estilismo rocker, lejos del bigotillo y la pipa de su época sandunguera. Por desgracía, cuando Los Snakes ya no estuvieran a su lado (había sido una acertada imposición del director de la película, Aloisio T. de Carvalho), Peixoto volvió a recurrir a su poco adecuada big band para acompañarle en sus siguientes temas. Aun así podemos destacar "Enrolando o rock" (1959), que también se vendió muy bien, una obra original de Betinho & seu Conjunto (una orquestina que hacía de todo). Volvió entonces a los Estados Unidos, de nuevo haciéndose llamar Ron Coby, claro (para los franco-parlantes sería Coby Dijon), esta vez durante más de un año, haciendo apariciones televisivas e incluso grabando un tema en inglés, el mediocre "I go". De vuelta a casa se encontró con que el rock & roll estaba de capa caida ante el empuje de la bossa nova y otros géneros latinos, y su carrera sufrió un bajón que le llevó a tener que cantar en fiestas y clubs a principios de los años 60, abandonando poco a poco el rock & roll de su repertorio, hasta que abrió su propio club, el Drink, en 1964, donde llegaría a grabar un disco en directo. Su regreso fue triunfal en los años 70, apareciendo en los principales programas de la televisión nacional como uno de los mejores  y con más repertorio músicos veteranos (se ganó el sobrenombre de El Profesor), pero sin que asomase el más mínimo brote de rock. De hecho, y es algo que se acentuaría durante los años 80 y 90, Peixoto adoptaría una imagen bastante estrafalaria que le haría parecer más una vieja folclórica que otra cosa. Como cantante de música ligera le iría muy bien, eso sí, e incluso intentaría modernizarse cantando "Romántica" (1985) acompañado del populr conjunto pop de allí, Tokyo. En la actualidad sigue cantando, presentando eventos y recibiendo homenajes. En cuanto a Los Snakes, fueron grupo de apoyó de las primeras etapas rockeras de Roberto Carlos o Tim Maia (otro rocker local) antes de desbandarse a principios de los años 60. De ellos, Erasmo Esteves fundó el grupo Erasmo & seus Blue Caps, y luego se unió a Roberto Carlos como parte de la vanguardia de la joven guarda rockera brasileña, llegando incluso a adoptar el nombre artístico de Erasmo Carlos. En la televisión alcanzó gran popularidad como cantante que imitaba y cantaba al estilo del Elvis más rocker, adoptando para estos momentos el pseudónimo de Tremendao. Pero solo de cara a la galería, y sus mayores éxitos, ya desde esta época, fueron de samba y bossa nova. Luego se pasó al soul y a la psicodelía tropical durante los años 70, creando cierta polémica con su oda a los porros "Noite na cama" (1971) y alegrías con su excelente "Bom día rock´n´roll" (1972). Luego se dedicó más a la producción y composición, hasta que regresó con su meritorio álbum "Rock & roll" (2009), dedicado a su amor musical de juventud.
Músicos: Coby Peixoto (voz), Erasmo Esteves (guitarra), Arlenio Livy, Edson Trindade, José "China" Roberto, y Tokyo. Fantásticos Peixoto, los Snakes (con Erasmo a la guitarra) y los bailarines en "Minha sogra e da policia".

Rick Rickels (Meridian, 1935)

Nacido en Mississippi (Estados Unidos), aprendió a tocar la guitarra desde niño, alcanzando gran maestría. Con la llegada del rockabilly se pasó a este género con pasión, consiguiendo grabar un excelente single en el modesto sello local MH. Era "I´m gone" (1959), donde aparecía acreditado como Rick Rickels & his wild guitar, algo totalmente apropiado ya que el único acompañamiento que llevaba a su voz era su propia guitarra grabada a dos pistas. Por desgracia no tuvo ningún éxito y Rickels se retiró de la música, formó una familia y todavía sigue viviendo en su estado. Mientras tanto a leyenda de su único single seguía viva, incrementandose con la llegada del revivalismo rockabilly desde finales de los años 70, por lo que discos Bishop lo reeditó a principios de los años 80 para compensar a los coleccionistas que habían buscado el original sin descanso.
Músicos: Rick Rickels (voz y guitarra).

sábado, 13 de diciembre de 2014

The Brown Boys (Manila, 1956 - 1969)

Cuando varias películas norteamericanas de rock & roll empezaron a proyectarse en cines de Filipinas, fueron muchos los jóvenes locales que, emocionados, decidieron formar su propio conjunto, en un fenómeno que sería conocido como Pinoy rock. Entre ellos estaban los hermanos Manabal, Bernie y Manuel, que no tardaron en incorporar a su primo Armando Villanueva. Decidieron llamarse The Brown Boys (Los Chicos Marrones), por el color de su piel, y consiguieron muchas actuaciones en las cuales hacían versiones del R&R estadounidense, sobre todo de Little Richard, artista al que Manuel intentaba imitar a la voz. Se les unieron entonces Eli Gardiner, proveniente de The Starglows, y Vicente Varona, no por nada sino porque se había fabricado un contrabajo con un bidón de gasolina vacio (algo que le había visto hacer al popular allí conjunto televisivo The Student Canteen Combo) y era el instrumento que les faltaba. Se presentaron a varios concursos, y como ya eran un quinteto se les empezó a llamar The Five Brown Boys, nombre que iría y vendría según cuantos integrantes estuviesen presentes. Se presentaron a muchos concursos, pero su especialidad era tocar en las bases militares americanas, la mayoría de las veces con los citados Student Canteen de teloneros. Esto le valió salir de gira por otras bases asiáticas, como Japón y Corea del Sur, teniendo mucho éxito en todas ellas. Llegó un momento en que no hacían otra cosa que tocar (haciendo frecuentes apariciones televisivas) y viajar y el estrés pudo con ellos, cayendo Manuel gravemente enfermo, aunque su temprana muerte poco después resultó un golpe totalmente inesperado. Ello significó el abandono de Villanueva (que se fue a vivir a Estados Unidos) y Gardiner, este último para formar un nuevo grupo llamado The Presidents. Se fueron fichando sustitutos que no duraban mucho, como Jess Jocson, proveniente del grupo Intramuros, que les dejó para completar sus estudios de enfermería. Aun así hicieron una gira triunfal por Singapur, donde llegaron a grabar el ya mediocre single "Goin´ out of my head" (1967), pero no mucho después el grupo se disolvió. Bernie se estableció en Singapur, donde todavía se le recordaba, como solista de música ligera, pero luego formó un duó con su prima Corsini (hemana de Armando) con la que anduvo cantando versiones de temas populares del momento durante los años 70 y 80. Gardiner se convirtió en un hombre de negocios de mucho éxito, aunque eso no le impidió hacer algunas apariciones en televisión cantando, y falleció en el año 2009. Jocson se enrolaría en otros grupos como The G-Cleff o The Pioneers (luego rebautizados The MP´s) y ahora toca el órgano y canta lo que le pidan en fiestas patronales.
Músicos: Manuel Manabal (voz), Bernie Manabal y Jess Jocson (guitarra), Vicente Varona (contrabajo), Armando Villanueva , Eli Gardiner, Rey Sánchez, Ric Arellano, Félix García, Roland Villamín y René Niduaza. Reunión de viejas glorias del Pinoy rock.

jueves, 11 de diciembre de 2014

Lawrence Shaul (Macon, 1947)

Nació en una pequeña población del estado norteamericano de Mississippi (no en el mismo Macon que Little Richard), pero su familia pronto se trasladó a la vecina Alabama, donde el pequeño Lawrence creció. Allí sus padres trabaron amistad con pincha-discos que además dirigía una banda de swing en los bailes locales: Carl Sauceman. Este pronto se dio cuenta del ritmo y desparpajo de un todavía niño Lawrence, que no solo bailaba y cantaba sino se sabía muchas canciones de swing. Así es que Sauceman le invitó un día a subir al escenario a cantar, causando auténtica sensación, por lo que repetiría con frecuencia. Pero el repertorio del pequeño se iba ampliando al country, el rhythm & blues y el hillbilly, y ya en el colegio quedó segundo en un concurso cantando una canción de Hank Williams. En 1956 la familia Shaul se trasladó a Birmingham, donde había un buen número de clubs buscando nuevos artistas de rock & roll. No solo su talento y extrema juventud, sino su aspecto de rocker impetinente, con el tupé que entonces era una provocación, le abrieron las puertas para tocar en muchos locales cuando solo tenía diez años de edad (tenía que ir, eso sí, acompañado de su padre). Tuvo un éxito rotundo allá por donde iba, lo cual le llevaría al club Rockwood, el más importante de la ciudad, si bien tocaba a cambio solo de las propinas (costumbre que aun subsiste en Estados Unidos para los principiantes), donde los Shaul trabaron amistad con otros cantantes locales de rockabilly y hillbilly, como Country Boy Eddie. Finalmente, con solo trece años, ganó un concurso para jóvenes talentos cuyo premio era grabar un disco en el sello local Reed, especializado en rockabilly y donde acababa de grabar ya su amigo Eddie. El resultado fue el single "Hey little mama" (1960), que llevaba en la cara B una versión del "Tutti frutti". No fue un éxito, y cuando discos Reed cerró poco después, Shaul quedó huérfano de promotores, debiendo enrolarse en otras bandas como The Roadrunners (donde se dió cuenta que la guitarra no era lo suyo) o The Premiers, donde tocaba el órgano, convirtiéndose pronto en la sensación del grupo, sobre todo cuando hacía versiones de Ray Charles, algo que según muchos lo hacía "mejor que Ray Charles". Luego fue el organista de Little Hugh Rogers & the Mad Men, pasando en 1966 a formar parte de The K-Otics y poco después de The Classic IV. Con ninguno tuvo éxito, pero al menos actuó por todo el país, siendo telonero de estrellas de los años 60 como Sam the Sham & the Pharaohs, Johnny Rivers o Los Drifters. En los años 70 se enroló en grupos todavía de menor enjundia y en 1980 decidió retirarse de la música profesional para cuidar de su familia (esposa y tres hijos) y del negocio familiar. Desde entonces solo actua en la iglesia de su pueblo (ahora instalado en Cottondale), cantando gospel, o en los festivales de rodeo locales, haciendo country.
Músicos: Lawrence Shaul (voz y órgano) & the Aristocats.

miércoles, 10 de diciembre de 2014

Los Continentales (Madrid, 1962 - 1968)

Formados por Alvaro Yébenes y Ñique González, antiguos miembros del grupo Los Flaps, en principio eran uno más de las docenas de conjuntos de rock instrumental que surgieron en España a principios de los años 60 intentando copiar el sonido de Los Shadows, pero con la diferencia de que bastantes de sus temas eran composiciones propias. Tras presentarse a varios concursos radiofónicos y tocar en conocidos clubs de la capital, consiguen en 1963 hacer su debut en los Festivales de Música Moderna, conocidos popularmente como los Matinales del Price, verdadero muestrario del primer rock & roll hispano, lo cual significaba su presentación a lo grande entre la juventud. Debido a su excelente actuación son fichados como banda de apoyo de la popular cantante ye-yé Karina y también por discos Belter. Sus primeros discos ya dejaban varias cosas claras: su adscripción al spanish-sound, la admiración que los Shadows les merecían y su talento instrumental. Destaquemos "Don Quijote" (1964) o el tema surf "Espacial", obras maestras del instro hispano. Pero en esos momentos, de forma bastante erronea, se plantean el introducir voz solista lo que produce las deserciones de los descontentos. La llegada de un joven cantante de gran talento y presencia, Blume (apodo de José Luis Gómez Fernández), daría un aire más rocker al conjunto durante todo el año 1965, pero por desgracia su obligación de cumplir el servicio militar le apartaría del conjunto muy poco después. Tras no poder ser sustituido por Mike Kennedy (que triunfaría mundialmente poco después con Los Bravos), se ficha a un nuevo cantante procedente del grupo ye-yé Los Buitres. Giran pués hacia este estilo, el pop y las baladas si bien merecen destacarse temas como "Mister D" (1966) y "Déjala dormir" (1967). Aunque todavía bien recibidos en los conciertos, sus ventas empezaron a ser flojas, por lo que decidieron disolverse. Blume salió de la mili en esos momentos, enrolándose, a falta de otra cosa en una orquestina de baile, donde su apostura e impresionante voz llamaron la atención del antiguo miembro de Los Sonor Manolo Díaz, que lo rescató de las tinieblas con la intención de convertirle en la estrella que merecía. No pudo ser pues su carrera fue pésimamente llevada y promocionada y además, no se dio con una canción original adecuada a él, si bien obtuvo cierto éxito popular con la espantosa canción "En mis sueños" (1971). Mejor destaquemos de estos días un sensacional álbum de versiones de rock & roll y rockabilly de los años 50 y 60. Intentos pioneros con el rock cristiano, el rhythm & blues y al soul tampoco dieron mejor resultado artístico (sí, de ventas), y mejor nombremos su versión de Percy Sledge "Cuando un hombre ama" (1972). Blume, un solitario rocker perdido en una época que no le correspondía (conocida era su vestimenta a base de chaquetas de flecos y tirantes rojos) ha de sobrevivir actuando donde sea y por lo que sea, llegando a grabar un último single simplemente penoso. Pero cuando Elvis muere en 1977, alguien se da cuenta que para homenajear al Rey en España no hay nadie mejor que él. Así que se le contrata para el gran homenaje a Presley en el Parque de Atracciones y Blume deja boquiabiertos a todo el que no le conocía (casi todo el mundo). Merecidamente, es contratado para interpretar a Elvis en el musical del mismo título (acompañado por el grupo Zapatón), pero cuando las representaciones cesen y la fiebre por Elvis pase, Blume volverá humildemente a su anonimato de casi siempre. En los años 80 pondrá voz a anuncios publicitarios y posteriormente cantará como invitado en las reunificaciones de grupos míticos como Los Pekenikes, de sus antiguos compañeros Los Continentales o en una nueva banda creada exclusivamente a su alrededor y de corta vida, Su Seguro Servidor, cuyo guitarrista lo había sido de Los Rangers. De como el tiempo no había atenuado el salvajismo rocker de Blume da fe el que con estos últimos abrió su actuación en el festival “Ya vuelve la plaga” con una versión en castellano del enloquecido rockabilly “Bop-A-Lena” de Ronnie Self. Hoy en día está retirado de la música. Yébenes, por su parte, pasó a formar parte de Los Canarios, el grupo de soul y jazz que triunfó con "Get on your knees" (1968), y después de Alcatraz, que terminarían siendo el grupo de acompañamiento de Camilo Sesto. Finalmente se rebautizarían Orquesta Alcatraz, especializada en verbenas y fiestas patronales, y de eso siguen viviendo. Digamos también que Los Flaps, después de la salida de Yébenes y Ñique, ficharon por discos RCA y editaron un buen disco instro y otro de rock & roll, "Déjala, déjala" (1964), antes de que la discográfica los convirtiera en un soso conjunto de versiones instrumentales de temas populares de todo pelo de entonces, por lo que decidieron disolverse. Sus integrantes formarían otros grupos integrantes del portentoso movimiento ye-yé español, como Los Pasos, Los Flecos, Los Polaris, Los 4 Jets o los citados Canarios.
Músicos: Alvaro Yébenes (guitarra y bajo), Angel Arriba, Boris, Tony Reinoso y Antonio Román Obrador (guitarra), Juan Antonio “Ñique” González y Gonzalo González (bajo), Rafael Sánchez Ocaña (batería), José Manuel “Rodri” Rodríguez (voz y bajo), Blume y Quique Martínez (voz) y Juan Mena y Lucas (saxo).

martes, 9 de diciembre de 2014

The Ramrods (Birmingham, 1959 - 1964, Connecticut, 1960 - 1963, Carlisle, 1960 - 1964 y Sidney, h. 1965 - h. 1967)

Los Ramrods de Connecticut.

Hay cuatro bandas que merecen estar en este diccionario con este nombre, tomado en todos los casos de la canción homónima de su ídolo Duane Eddy:
La primera es originaria de Alabama (Estados Unidos) y la formaron cuatro amigos del instituto (de entre 13 y 15 años de edad) aficionados al rock & roll. No tenían demasiada idea de tocar, así que incorporaron a Jon Adair, amigo de uno de ellos (Joe Lackley), que ya había estado tocando en bandas de rockabilly locales como The Teen Beats o The Ray Rooster Combo. Pero los cambios en la formación surgieron en seguida, por asuntos personales o por culpa del Servicio Militar, entrando y saliendo diferentes instrumentos, lo que cambiaba el sonido del grupo de forma radical de unos momentos a otros. Más importante fue el añadido del vocalista Paul Newman (nada que ver con el actor), no solo porque incluyó voz en sus temas, sino también porque era compositor y un tipo carismático que pronto se hizo líder del grupo. De hecho en su primer disco, "Fire tower" (1961), en el sello Bright, aparecieron falsamente acreditados como Paul Newman & the Ramrod Combo. Esto propició comprensibles molestias y Newman dejó el grupo para empezar una carrera en solitario que no prosperó. De nuevo convertidos en un grupo instro, grabaron "Slouch-Ee" (1962) en el famoso estudio local de Homer Milan, que les editaría el sello Queen, una filial de discos King. Pero su gran éxito fue el single surf "Night ride" (1963), que llegaría a las listas nacionales y les valdría salir de gira por el país teloneando a estrellas como Roy Orbison o Charlie Rich. Durante este periodo tocaron juntos y mezclados con el grupo de acompañamiento de Orbison durante esa gira, sus paisanos The Webs. Finalmente Adair se alistó en el ejército y Lackley, como único representante original que quedaba, decidió disolver el grupo después de grabar un single póstumo, el tambien surfero "War party" (1964). Algunos de ellos pasarían a formar parte de bandas de efímera vida como The Townsmen o The Tikis, pero el grueso de ellos se uniría a algunos de los Webs, para formar The Candymen, a los que fue bastante bien con la hippy "Georgia pines" (1967) antes de desbandarse. Lackley y Adair se dedicaron a los negocios, habiendo ya fallecido el primero de ellos. 
La Historia de los otros Ramrods ha de comenzarse con los hermanos Litke, Claire y Richard Vincent, del Este de Estados Unidos. Estos se aficionaron a la música desde pequeños y en su más temprana juventud ya tocaban rock & roll, muchas veces y por diversión junto a su amigo Eugene Moore u otros colegas. Comenzaron las actuaciones en bailes y clubs, cantando Claire con Richard acompañándola a la guitarra, gustándole a este el uso de pseudónimos que él consideraba con más gancho, como Vinny Lee, Rich o Vincent Bell. Claire llamó la atención del modesto sello Dell-Star, que le editó la balada high school "The boy next door" (1959), entre otros temas, acreditada ya con su nombre artístico de Claire Lane. El triunfo no llamó a su puerta y los Litke y Moore formarón entonces Los Ramrods, una banda de rock instrumental dado que ese era el género que estaba de moda en esos momentos. Claro que Claire sabía cantar, solo que, como era ella la que tocaba la batería, no estaba cómoda haciéndolo escondida al fondo del escenario y tras su aparatoso instrumento. Por otra parte esto tuvo sus ventajas, con una chica a la batería (algo totalmente inusual entonces) el grupo por lo menos tenía cierta prestancia y originalidad entre tantos centenares de bandas instro que salían hasta de debajo de las piedras y todos sonando igual. Quizá por ellos consiguieron editar muy pronto su primer disco, una buena versión del gran clásico del western "Ghost riders in the sky" (1960), más rockera y caricaturizada, que llegó al número 30 de las listas estadounidenses, nada comparado con cuando se reeditó en el Reino Unido, que alcanzó el puesto octavo. Los siguientes discos no eran peores, destacando "Loch Lomond rock" (1961), que incorporaba gaitas, pero no se vendieron apenas y Moore dejó la banda para casarse, siendo sustituido por Russ Cook, aunque el conjunto no duró mucho más. Claire ya se había estado volviendo a buscar la vida por su cuenta, y grabó una muy buena y rockera versión del "Frankie & Johnny" (1962), entre otras piezas. No triunfó, pero ganó lo suficiente para auto-producirse un álbum (1964), ya sin los Ramrods a su alrededor. Años después, cuando Richard falleció a finales de los años 60, siendo aun muy joven, Cook formó unos nuevos Ramrods, que incluían al teclista Bob Armstrong, donde Claire cantó ocasionalmente. Cuando esta, último miembro original, se dedicó en exclusiva a su carrera en solitario, el conjunto pasó a llamarse Russ Cook Combo, que tendría entre sus miembros al batería de Bob Dylan, Chris Parker. Cook disolvió el grupo a principios de los años 70 para dedicarse a su estudio de grabación y otros negocios, y en eso sigue. Armstrong volvería a su tierra, Covington (Kentucky), donde formaría unos Ramrods sucedaneos. En la vecina Indiana formarían un efímero sello llamado Ram-Rod para dar salida al que sería el único single de Jay & the Ramrods y de Ram-Rod, el high school "Angel" (1966), que llevaba, como no, un tema instro en la cara B. Luego, ya en Kentucky y sin el tal Jay, grabarían otro disco de tardío high school, "Walkin´" (1967). Luego Armstrong se dedicaría a otro proyecto más honesto y, a la postre, de más éxito: The Casino´s.
Los terceros Ramrods eran del norte de Inglaterra y se forjaron tocando rockabilly en el club juvenil de su barrio, principalmente salvajes versiones de Johnny Burnette para regocijo del público, que jaleaba al carismático cantante rocker Mike Harrison, todo un ídolo en su región y en la vecina Escocia. Estuvieron un tiempo en Londres intentando conseguir un contrato discográfico y aunque no lo consiguieron, sino que vendieron una maquina de eco que habían inventado, y consiguieron ser teloneros de Johnny Kidd & the Pirates. Cuando su manager se fue a Australia y su bajista a tocar con Eric Clapton (y luego a formar The Liverpool Five), decidieron rebautizarse como The VIP´s (llamados durante un tiempo The Vipps). Tras trabajar de grupo de apoyo de un tal The Baron, triunfarían plenamente con blues-rocks como "I want to be free" (1966), sobre todo en Francia. En 1967 se separaron y algunos de ellos formaron la banda psicodélica Art, que luego cambiaría su nombre a Spooky Tooth, la cual incorporaría algunos miembros del grupo de Joe Cocker. Duró hasta 1974, pero para entonces Harrison ya había empezado una carrera en solitario, en la que hay que destacar el blues-rock "Smokestack lighting" (1972). Hoy día sigue cantando en conciertos nostálgicos de sus días de rocker indomable.
Los últimos Ramrods que merecen la pena (luego ha habido otros funks, punks, etc.) fueron los australianos de du-duá, que tenían como manager a Paul Keating. En su corta vida grabaron dos singles, entre los que debemos destacar su versión del "Since I don´t have you" (1966) de Los Skyliners. Consiguieron bastante popularidad y salieron de gira por todo el país, en ocasiones llevando como teloneros a unos entonces principiantes y mejores Bee Gees. Tras disolverse, su teclista Gary Moberley se volvería un músico de prestigio nacional, pero nada comparado al futuro de Keating, que llegaría a... ¡Primer Ministro!
Todos estos Ramrods no deben ser confundidos con Danny Cannon & the Ramrods (veremos su próxima entrada), Dale Rivers & the Ramrods o una banda de Boston que se llamaban The Rockin´ Ramrods pero que más tarde acortaron su nombre a, simplemente, The Ramrods. Estos hacían rock más garajero aunque la confusión está asegurada por cuanto adoptaron un uniforme parecido, eran de los años 60 y también hicieron instro ocasionalmente.
Músicos: Ramrods de Alabama: Joe Lackey (voz y guitarra), Jon Adair (bajo y guitarra acústica), Jim McCulla y Fred Guarino (batería), Butch Fadely y Bubba Lathem (piano), Larry Wooten (guitarra acústica), Ronnie Eades, Durwood Bright y Dwight Anderson (saxo), Paul Newman (voz), Johnny Mulkey (guitarra) y Frank Bethea (bajo). Ramrods de Connecticut: Richard "Vinny Lee" Litke (guitarra y saxo), Eugene Moore y Russ Cook (bajo y guitarra acústica), Claire Litke (batería) y Bob Armstrong Jr. (órgano). Ramrods ingleses: Mike Harrison (voz y guitarra rítmica), Jimmy Henshaw y Frank Kenyon (guitarra), Dave McCumiskey y Alf "Greg" Ridley (bajo), Alan Marshall, Walter Johnstone y Howard "Bosh" Rice (batería) y Colin "Bimbo" Rayson (guitarra rítmica). Ramrods australianos: Barry Connors (voz), Barry Brady (guitarra), Ken Kramer (bajo), Quentin Chadwick (batería) y Gary Moberley (órgano). "Ghost riders in the sky", por Los Ramrods de Alabama.

domingo, 7 de diciembre de 2014

Tony Campello (Sao Paolo, 1936)

Aunque nacido en la capital paulista de Brasil, su familia se trasladó a la vecina población de Taubaté cuando Antonio, que tal es su nombre, tenía tan solo siete años de edad. Fue allí que sus padres les pusieron a él y a su hermana Celly (vease su propia entrada) a estudiar canto y piano, demostrando en seguida ambos grandes dotes para ello. En 1953 formó el grupo Ritmos OK, integrandose desde 1956 también como pianista y ocasional cantante en el conjunto de Mario Gennari Filho, muy popular localmente. Fue gracias a ellos que, tanto él, como Celly, toda una niña prodigio, pudieron hacer sus primeras actuaciones televisivas y radiofónicas. Tony, pues ya había adoptado el diminutivo (a veces su apellido aparecerá escrito como Campelo), hacía en principio baladas y ritmos latinos de moda, como la samba, lo que unido a su buen aspecto físico hizo que fuese fichado por Odeón con la intención de convertirle en un nuevo galán de la canción. Su primer disco, la balada "Forgive me" (1958), llevaba en la otra cara un tema de su hermana, que llevaba camino de convertirse, como así fue, en una gran estrella. Tony, al igual que Celly, se vio pronto enamorado del rock & roll, y empezó a hacer versiones de temas high school norteamericanos, como "Pobre de mim" (1959), que es el "Poor little fool" de Ricky Nelson, o "Diabinho endiabrado" (1960), que no es sino el "Witch doctor" de David Seville en portugués. Estos temas, su programa propio de televisión, junto a su hermana, "Celly e Tony em Hi-Fi", y sus apariciones en películas, terminarían de convertirle en un teen-idol de gran fama nacional. Llegaron más temas destacables, como "Boogie do bebé" (1961), "Au balanço do twist" (1962), " Lobo mau" (1963) -una versión de "The Wanderer"-, "Pertinho do mar" (1965), "Estrada do amor" (1967)... que le convirtieron en uno de los más fieles y duraderos intérpretes de R&R cariocas, saliendo de gira triunfal incluso por Paragüay y Perú. Tras protagonizar una última película, "2000 anos do confusao" (1969), se emparejó artísticamente con su hermana (con la que ya había hecho algunos duetos en los años 50 y 60) para una serie de festivales populares, aunque estaba claro que ya su momento había pasado. Se dedicó entonces desde los años 70 a la producción de artistas, lanzando con éxito a nuevas figuras a traves de RCA, para la que también trabajo, y recuperando viejas estrellas de los años 50 para eventos benéficos o bien malignos ("Cuba libre em Hi-Fi"), en lo que todavía sigue.
Músicos: Tony Campello (voz y piano), The Teenage Singers (coros) y Mario Gennari Filho e seu Conjunto.  

Bill Strickland (Columbus, h. 1930)

William Strickland nació en el norteamericano estado de Ohio, formando ya en su juventud un grupo de western-bop. Cuando giró hacía el rock & roll adoptó el apodo, como cantante en solitario, de Wild Bill, Bill el Salvaje, por el dinamismo de sus actuaciones. Se ganó cierta fama localmente, lo que le valió ser el elegido para inaugurar la recién creada discográfica Terry con su versión del "Ain´t she sweet" (1959). Por desgracias las ventas fueron ínfimas y tuvo que volver a sus actuaciones en clubs o bares de los alrededores. Tras años de lucha sin recompensa, en 1965 no vio otra salida que crear él su propia discográfica para dar a conocer sus canciones. Operando desde el estudio que montó en su propia casa en Columbus (Avenida Joyce nº 2357) la llamó Fabar, no se bien porqué, y sus grabaciones se las editaban las maquinas de prensado de Rite o Mag. Su primera edición fue un disco propio, el rockabilly "The shape you left me in" (1965), acreditado ya solo como Bill Strickland, al que seguiría poco después su versión del "Money honey" (ya habiendo cambiado el diseño de la galleta), que demostraban gran fidelidad a sus postulados a pesar de que para entonces ya no era un género comercial, ni mucho menos. Y no era solo por el orgullo de editar su propio material ya que también sacó buen rock & roll ajeno, como "I´m on the outside looking in" (Jim Harris & the Sidewinders) o "Bye bye baby" (The 4 Knights). Pronto amplió su oferta, pero siempre dentro del buen gusto, editando rock garajero con The Rondells ("Wastin´ time"), Three & One ("Momma, you ain´t gonna worry me") o The Challengers ("Monkey man"), surf con The Outcasts ("The Outcasts theme"), baladas con Bobby Stevens ("Easy to say, hard to do"), o soul con The Nutrons ("A little love will go a long way"), la que había sido la banda de acompañamiento del rockero local Shammi Leroy en su único disco, "Lonely lovin´" (1961). Precisamente al soul se pasó Strickland en su último disco, su propia versión del "Mustang Sally" (1967). Por desgracia ni sus canciones ni las de los otros tuvieron éxito y Fabar cerraría, si bien mantendría el estudio de grabación bastante tiempo. De hecho, de los artistas que grabó ninguno volvería a hacerlo (no debe confundirse a sus Rondells con los australianos homónimos y coetaneos de más fama) con la excepción de Los Outcasts (que tampoco debemos confundir con sus homónimos punks). Estos, con el protagonismo cada vez más creciente de su vocalista Johnny Lee, se pasaron al sello Spinner, con el que también colaboró Strickland, donde grabaron el meritorio y rockero disco "Your picture" y también harían de banda de acompañamiento del cantante country Bill Robinson. A este género se pasarían en los años 70, ya acreditados como Johnny Lee & the Outcasts. En cuanto a Strickland se mantuvo ocupado en su estudio, haciendo sobre todo material para discos Spinner hasta los años 80, y después nada más se sabe de él.
Músicos: Bill Strickland (voz y guitarra). 

Celly Campello (Sao Paolo, 1942 - Campinas, 2003)

Aunque nacida en la capital paulista de Brasil, su familia se trasladó muy pronto a la vecina Taubaté, donde ella pasó su infancia. Allí tomó clases de baile, piano y canto que no fueron una pérdida de tiempo pues en seguida se reveló como una niña prodigio. Tal es así que con solo cinco años ya hizo su primera aparición televisiva y con seis ya cantaba con cierta frecuencia en una emisora de radio local. A los doce ya tenía su propio programa y a los quince grabó su primer disco, "Handsome boy" (1958), compartido por la otra cara con una balada de su hermano mayor Tony (vease su propia entrada). En principio Celly hacía ritmos latinos de moda, como el calipso, pero pronto la influencia del rock & roll haría mella en ella, como lo demuestra su temprana versión de "Estúpido Cupido" (1959), todo un éxito nacional que hizo que se les diese a los hermanos un programa musical propio en la televisión nacional llamado "Celly e Tony em Hi-Fi". No por ello iba a descuidar su carrera de cantante, y Celly se convirtió en la primera figura carioca en especializarse exclusivamente en rock & roll, al contrario que otros cantantes nacionales de más fama que, trémulos, seguían haciendo baladas o ritmos tropicales y solo se acercaban al R&R con cuentagotas. Merecidamente llamada la Reina del rock brasileño, siguió acumulando éxitos en el género, como "Banho de lua" (1960), "Hey mama" (1961) o la balada high school "A lenda da cochinha" (1962). Pero entonces, en plena cima y para estupor de todos sus fans, Celly decidió dejar la música para casarse y criar a sus hijos, cuando solo tenía 20 años.  Una vez que sus hijos ya estuvieron creciditos decidió retomar su carrera en los años 70, apareciendo en el festival Hollywood Rock junto a su hermano Tony y luego como actriz en la telenovela "Estúpido cupido" (1976), que hacía referencia a su gran éxito de los años 50. Luego fue un personaje televisivo muy querido, muriendo de cáncer cuando solo tenía 60 años de edad.

Músicos: Celly Campello (voz), Mario Gennari Filho & seu Conjunto y la orquesta de Luiz Arruda Paes. "Baño de luna".

viernes, 5 de diciembre de 2014

Reed Records (Birmingham, 1959 - 1963)

Homer Milan fue un rocker de Alabama (Estados Unidos) que soñaba con convertirse en el nuevo Sam Phillips (de Sun Records) a base de dar salida a los grupos y cantantes de rock & roll y rockabilly de su ciudad y otras cercanas. Para ello creó la modestísima y efímera discográfica Reed, en 1959. Las oficinas y el diminuto estudio de grabación estaban en un pequeño local alquilado (esquina noroeste de la calle 20 con la Primera Avenida), imprimiendo los vinilos en la empresa especializada en estas lides, Rite. Ni siquiera tenían logotipo (era más barato imprimir las galletas standard que te hacía Rite) y el propio dueño tocaba a veces algún instrumento para apoyar a los músicos. Esta falta de medios no le iba a amilanar, y su entusiasmo fue tal que, solo en el año 59 editó más de 20 discos (más todas las grabaciones que se quedaron sin editar)... sin repetir artista!. Es significativo que su primera edición, el rock & roll "Little bop a little" fuese de un grupo hoy perdido llamado Pat Riley & the Rockets y que la tercera (tras el primitivo R&R "Coal miner´s blues" de Gene Cole) fuese un single de du-duá patibulario de Los Jubilaires ("Cárcel de Birmingham" / "Alguien ha cambiado la cerradura"), lo mismito que había hecho Phillips con Los Prisonaires... solo que los Jubilaires, aunque si volvieron a grabar en otras compañías, no triunfaron. Milan siguió probando fortuna con Charlie Hunt, Helen June Gray & the Noojinaires, Jo Ann Dichiara, todos rockeros, pero ninguno hacía rockabilly hasta la edición del "I want your lovin´" de Abby Lee. Esta salvaje chica, que mereció mejor suerte, iba acompañada por un excelente grupo local llamado The Jesters, los cuales serían grupo de apoyo de otros oscuros rockeros de la casa, como Billy Carl o Johnny Gore. Otro buen grupo rockabilly de Birmingham eran The Co´s, que fueron la banda de Jerry Woodward en Reed ("Who´s gonna rock my baby" o "You love this guitar better than me", esta última a dúo con Ronnie Wilson). Tras, al fin, hacer un simple logotipo a base de notas musicales, destaquemos a Country Boy Eddie ("Hang in there like a rusty fish hook"), Jim Wilson & the Flares ("Have a tear on me"), Lee Long & the Four Fifth ("Samanthy"), los du-duaeros Botie Quinn & the Top Hats ("A fool in love"), Malon Hurst ("Love ain´t nothing but sorrow"), Tommy Fowler ("My pretty baby"), Paul Ballenger ("I hear thunder"), acompañado de los citados Flares, o a Lawrence Shaul & the Aristocats ("Hey little mama"), convirtiendo a Reed en una de las mejores factorias de rockabilly, si no la mejor, al sur de Memphis. Aun así había más entusiasmo y gusto que vista comercial y, de todos los que grabó solo a Bobby Mizzell, a Mason Dixon y a los citados Gore y Shaul, les hiría lo suficientemente bien como para seguir viviendo de la música toda su vida. Viéndole las orejas al lobo, por las pocas ventas, Milan ya había ido dejando de lado Reed para crear una especie de filial incluso más barata (la cual nunca tuvo ni logotipo) llamada Arlington desde finales de 1959. El primer disco editado ya dejaba claro cierto continuismo: El rockabilly "Sweet sweet baby" (1959) de Norris Mims. Luego llegaría otro single del género, "Bye, bye baby", por Chuck Wesley & the Highland Travelers, pero ninguno de los dos tuvo el más mínimo éxito y de ellos nunca más se supo. Tras un disco de gospel con Los Harmony Four (que todavía siguen cantando por las iglesias baptistas sureñas), Arlington volvió con fuerza al rockabilly con "I´m gonna tell on you" (1960) de John Henry & the Steel Drivers (un pseudónimo tomado de una leyenda popular americana). Es una pena que Henry no volviese a grabar pues demuestra, en este su único disco, no solo fuerza y alegría, sino un sentido de la posible comercialidad del género de la que tomarían nota en el futuro estrellas como Matchbox. No era posible entonces, con el rockabilly recién pasado de moda, y Henry cayó en la oscuridad más absoluta. Del mismo modo pasaron por allí David Hiser y su "Dodge City Kitty", el high-schooler Tommy Compton y su "Lone star" y Sue Golden & the Illusion con su rockabilly "I ain´t gonna be your baby but one time" (1962). Fue el último esfuerzo de Milan por intentar vender discos propios tras unas ventas ínfimas, pero merece todo nuestro agradecimiento y respeto por su gran labor en pro del género en una época tan difícil para ello. Si algo se le puede echar en cara es no habido tener más insistencia grabando a sus mejores artistas. Mantuvo sin embargo el estudio de grabación Reed-Arlington, que había mejorado y que, como se puede apreciar en los discos, tenía un sonido excelente, limpio pero con personalidad. Allí grabaron, antes de que Milan cerrase el negocio a mediados de los 60, los del grupo instro local The Ramrods "Slee Zee" y "Slouch ee", que les editarían con relativo éxito los del sello Queen. El pequeño edificio donde estaba Reed Records sigue pie, pero ni una mísera placa recuerda su glorioso intento.

Harold (Cali, 1947)

Al niño Harold Orozco le regalaron una guitarra por Navidad y en seguida estudió como tocarla, en su ciudad, algo para lo que demostró gran talento. En su adolescencia empezó a cantar versiones de rock & roll (en inglés, pues había estudiado en un colegio anglófono) en pequeños bares locales, donde se hizo muy popular. Fue fichado como guitarrista de Los Bobbysoxers, un grupo que hacía charanga, boleros, salsa,..., pero que gracias a Harold (que fue nombrado cantante también) descubrió el rock & roll. Se trasladó muy joven a la capital de Colombia con el objeto de convertirse en cantante de éxito. Para ello (y para completar sus estudios musicales en Méjico y Estados Unidos), cosa poco frecuente, obtuvo el apoyo y patrocinio de sus padres, ya que era menor de edad. Gracias a sus dotes, desparpajo y caradura apareció en la televisión directamente, tocando en directo, tras lo cual pronto consiguió trabajo en la radio, cantando y acompañando a la guitarra a otros artistas. Empezó en el rockero programa "El show de los frenéticos" (donde apareció el sorprendente rockabilly "El surf del Tom Tom"), pero la verdad es que se empezó a hacer famoso entre la juventud gracias a su moderna versión de la ranchera "En tu pelo", de Javier Solís, a mediados de los años 60. Fichado por el sello Phillips, en seguida grabó el fantástico R&R "Mickey Mouse" (1965), que fue un éxito nacional. Luego llegaron otros buenos temas, como su versión "La flaca Sally" (1966), aunque ya empezaría a girar hacía el movimiento ye-yé, como en "Carolina" (nada que ver con otras canciones españolas homónimas, pero también muy buena, como todas las que llevan este nombre). No solo se dedicó a su carrera, sino que apoyó la de otros cantantes de la nueva ola colombiana, como Oscar Golden, a quién no solo promocionaba y buscaba canciones adecuadas, sino que también tocaba la guitarra para él. Harold, como simplemente se le llamaba ya, se convirtió en la figura radiofónica más conocida de la juventud colombiana del momento (desplazando a Guillermo "Pipo" Valderrama), cantando versiones de rock & roll en directo, sin trampa ni cartón, lo que llevó a protagonizar anécdotas como una vez que un misterioso berrido salió de su boca, y era porque casi se electrocuta con la guitarra. Fue también Harold precursor en el añadido de instrumentos a otros pre-grabados, entre otros efectos, adelántandose en décadas a esos pincha-discos de ahora que se creen que han inventado algo nuevo (y tan poco meritorio, he de añadir). Dio a conocer, además, a nuevos cantantes del pop de allí que triunfarían en los años 60. Con este bagaje encabezó una gira nacional, en 1967, en compañía de las grandes estrellas del rock del momento en el país, entre ellos Los Ampex, Los Speakers (cuyo pianista había incorporado a su banda en ocasiones) y el citado Golden. Fue un recorrido triunfal y una aventura épica, que incluía un intento de suicidio de la cantante María Eugenia Dávila cuando Harold no correspondió a su amor, y la cercanía de la muerte para todos en uno de los aviones que tomaron. A finales de los años 60 la mayoría de sus ingresos provenían de composiciones para otros y la autoría de bandas sonoras de televisión o sintonías de radio, con nada que ver ya con el R&R, haciéndose muy popular la de la telenovela "Destino la ciudad", que tocaba la orquesta de Frank Purcell, muy conocida entonces, y se casó, precisamente con una actriz televisiva, María Auxilio Vélez. En los años 70 se instaló en los Estados Unidos y giró hacía la música funk, volviendo luego a su país y a los estilos latinos y aun hoy sigue ligado a la música a pesar del gravísimo infarto que sufrió en 2012. De sus músicos, Edgar Hozzman (gracias) se ha convertido en imprescindible cronista de la Historia del querido rock colombiano, destacando su libro, de inigualable título "Nos pagaron por divertirnos".
Músicos: Harold (voz y guitarra), Jamel Uribe (guitarra), Rodrigo García Blanca (piano), Oscar Laprilla, Mario Cuesta y Edgar Hozzman.