miércoles, 26 de noviembre de 2014

Bill Browning (Wayne County, 1931 - Hurricane, 1978)

Nacido en una granja de Virginia Occidental, Wilmer Browning fue desde niño un gran aficionado a la música hillbilly y aprendió a tocar la guitarra y a cantar. En su adolescencia formó su primer conjunto La Kanawha Valley Band, que tras algunas actuaciones y dada su calidad, comsiguieron ser fichados por una emisora radiofónica local. Allí pasaron varios años, haciendo las sintonias y acompañando a músicos de paso, pero con razón Browning se sentía atrapado y decidió emigrar a Cincinnati, donde a mediados de los años 50 estaban las mejores discográficas hillbillys. Se enroló en un grupo hillbilly llamado Rainbow Rhythmaires, usando el apodo de Zekie y convirtiéndose pronto en el líder de la banda. Zekie Browning grabó al fin un disco en discos Ruby, en la cercana localidad de Hamilton, el hoy inencontrable "I´ll agree" (1956). Pero pronto se dio cuenta que el rock & roll había calado fuertemente en él (aunque las influencias hillbillies siempre fueron evidentes en sus grabaciones) y se marchó a Cleveland, entonces una de las mecas del R&R, uniéndose a Los Echo Valley Boys, que hasta hacía poco (mientras habían sido un grupo de country cristiano) se habían llamado Los Echo Valley Folks (y que como tales habían llegado a tener su propio programa en una televisión local). Fichados por el sello Island, editaron un par de excelentes singles, entre los que destaca el gran "Wash machine boogie". Acreditado a partir de entonces como Bill Browning en solitario, grabó "Hula rock" (1957), su primero disco eminentemente rocker. Su siguiente single, el ecléctico "Borned with the blues" (1958), demostraba su calidad en varios géneros, y, lo que es mas curioso (y confuso), una de sus temas de esos días, "Breaking hearts", fue grabada tanto en versión rock como en versión hillbilly (en diferentes sellos) de forma tan diferente que apenas se parecen salvo en la letra. Para la versión capestre usó su mote más adecuado al género de Zekie, algo que también le valía cuando acompañaba a la guitarra en las grabaciones de otros, como en el disco de uno de sus Echo Boys, Nelson Young, y para la más rockera usó el nombre de Bill Zekie. Para añadir más confusión al asunto, hay quien dice que Bill y Zekie no son la misma persona, pero no estoy de acuerdo en absoluto, aunque sí es verdad que hubo otro Zekie Browning tocando hillbilly-cómico por la zona en aquella época, en un grupo llamado Los Sandy Valley Boys. Dado su talento compositivo y de adaptación, el Browning aquí ampliamente tratado fue fichado por discos Starday, donde editó los rockabilly "Don´t push-don´t shove" (1959) y "Down in the hollow" (1960). Pero las compañías más grandes no tenían la paciencia de las pequeñas y, ante la falta de resultados, Browning dejó Starday y a los Echo Boys, y aun grabó el muy buen rockabilly instrumental "Creepin´ and crawlin´" en discos Lucky (donde ya había grabado otro a dúo con Don Boone, un cantante country del que nunca más se supo) antes de volver a Island. Aquí y ahora grabó aun un buen tema, "Sinful woman", aunque ya más enfocado al country-rock, género al que se dedicaría para sobrevivir al decaimiento del rockabilly en los años 60. Vuelto a su estado natal aun así podemos destacar algunos buenos temas más, como "Glass of wine" (1965) o "I heard a train a comin´" (1967), en sellos cada vez más modestos. Luego se centró en el cristianismo con mayor énfasis que antes (ya en los años 50 había grabado un tema llamado "Deja que la Biblia te guíe"), grabando cosas tales como  "Fuí tocado por la mano del maestro" o "Él envió a su único hijo" (1971). Luego un cáncer le apartó de la música y falleció de esta enfermedad cuando tenía solo 47 años de edad. De los Echo Valley Boys decir que se disolvieron al poco de separarse de Browning. Dos de ellos, Marshall Looney (la hija del líder de la banda, Art Fulks) y Frank Gornall, formaron el dueto Frank & Marshall, que llegaron a tener un programa de radio propio. El otro Zekie murió en 1999.
Músicos: Bill Browning (voz y guitarra acústica), Roy Barker y Nelson Young (guitarra), Art Fulks, Merl Hoaf, Jackie Wooten, Marshall Looney, The Dynamics, The Rhythm Rascals y The Hilanders.
 
 "Don´t push-don´t shove".

Los Yetis (Medellín, 1965 - 1969)

Este conjunto nace en Colombia como un trío vocal de rock & roll, formado por los hermanos López y por Juan Nicolás Estela, más que por una adscripción apasionada al du-duá, sino por falta material de instrumentos. Pero era tal la falta de grupos de rock en el país que son los contratados para servir de teloneros a la estrella Enrique Guzmán que llega a su tierra, por más que apenas han ensayado y su repertorio se compone solo de tres canciones. Salieron lo suficientemente airosos como para ser uno de los grupos escogidos en dos álbumes conjuntos "14 impactos juveniles" (1966) y "Colombia Go-Go", repletos de versiones de rock & roll. Es curioso como los chicos aparecen acreditados tanto como Yetis como por su nombre propio. Fueron grandes éxitos nacionales y la discográfica, Fuentes, les propone editar un álbum enteramente a Los Yetis. Ya que les faltaba el apoyo instrumental se recurrió a la banda Los Ampex (un grupo de Bogotá, cuyo gérmen eran Los Goldfingers, que en solo un año desde su creación se había especializado en estas lides, acompañando las grabaciones de otros artistas más o menos rockeros de Colombia, como Oscar Golden o Harold), que ya habían tocado en los recopilatorios citados. Pero pronto surge el problema del acompañamiento en las giras (a Los Ampex no les faltaba su propio trabajo en este sentido, aparte de los discos de mersey beat que estaban grabando), por lo que se recurre a músicos profesionales que rellenen este vacio. Pero pronto descubren el movimiento cultural autóctono del nadaísmo (filosofía existencialista opuesta a la Iglesia y la tradición), que les pasa de hacer divertidas y despreocupadas versiones de clásicos norteamericanos como "Es Lupe", adaptación más que libre del "Hang on Sloopy", a editar horribles tostones hippis como "Llegaron los peluqueros" (1967). Con el girando sin remedio hacia la psicodelia, Estela les deja para comenzar una carrera en solitario, pero el resto de la banda no duraría mucho más, pues las ventas de su último álbum, "Olvidate" (1968), fueron tan bajas que Fuentes les rescindió el contrato y decidieron disolverse. A Estela le fue bien un tiempo, sobre todo gracias al éxito nacional del muy buen high school tardío "La chica del billete" y gracias en parte a ello aun sigue actuando. Algunos de Los Ampex, por su parte, decidieron adaptarse antes que morir, y formaron, junto a algún antiguo integrante de Los Young Beats, el conjunto psicodélico The Time Machine. Estos durarían muy poco, y alguno de sus integrantes terminó en Los Speakers.  
Miembros: Juancho López (voz y pandereta), Iván Darío López y Juan Nicolás Estela (voz y guitarra), Juan Ignacio Durán (guitarra), Norman Smith (bajo) y Hernán Pabón (batería). "Es Lupe".

martes, 25 de noviembre de 2014

Chas McDevitt (Eaglesham, 1934)

Aunque su familia era de un pueblecito escocés cercano a Glasgow, donde Charles (apodado desde pequeño Chas) nació, durante la Segunda Guerra Mundial se trasladaron a las afueras de Londres, atraidos por el abundante trabajo en las fábricas de armamento. En las cercanías de la capital británica el pequeño Chas aprendió a tocar el banjo de forma totalmente autodidacta y en su adolescencia contactó con otros músicos, que le enseñaron más y tuvieron gran influencia en él, como el bluesman Josh White. Finalmente formó su propia banda de jazz y sonido Nueva Orleans, los High Curley Stompers, que consiguieron bastantes actuaciones, antes de que Chas se uniera a la entonces conocida Crane River Jazz Band, liderada por el trompetista Ken Coyler, desde 1955. Era un realidad un grupo ficticio creado por la oportunista discográfica Embassy para editar temas de películas, infantiles y éxitos del momento, que necesitaban músicos de estudio continuamente. McDevitt les dejó para crear su propia banda de skiffle pre-rockeril y basicamente instrumental, con la cual no le falto trabajo en clubs y pubs londinenses. A la vez que Chas ganaba un importante concurso radiofónico por Radio Luxemburgo, Los Chas McDevitt Skiffle Group eran descubiertos y fichados por discos Oriole, grabando "Freight train" (1956), versión skiffle instrumental de un tema de la norteamericana Elizabeth Cotten. Por cierto que la Crane River Band, la versioneó inmediatamente, como no podía ser de otra forma. Pero como las ventas no fueron buenas la discográfica les dijo que lo mejor, comercialmente hablando, era regrabarla con voz femenina, y para ello se recurrió a la cantante Nancy Whiskey. La nueva versión arrasó en el mercado inglés, llegando al puesto número cinco en las listas británicas y significando la puesta de largo del skiffle, hasta entonces una música para minorias juveniles. Aunque, como vimos, ya era una canción conocida en Estados Unidos, la versión del Chas McDevitt Skiffle Group tuvo aun mayor éxito que la original, llegando a aparecer en directo en importantes programas de televisión yanquis y en la película "La Historia de Tommy Steele", a petición del propio rocker inglés protagonista del film. La racha de McDevitt, de nuevo con Whiskey poniendo la voz, siguió con "Greenback dollar" (1957), que les valió salir de gira como teloneros de gente de la talla de Frankie Lymon & the Teenagers, y ser contratados para sustituir a Jerry Lee Lewis cuando se canceló su gira británica de 1958, por el escándalo que todos conocemos (y si no es así, vease su propia entrada). Eran el grupo de skiffle más famoso, siendo a veces presentados como Nancy & Chas, por el protagonismo creciente de la chica, pero cuando esta les dejó, para iniciar una carrera en solitario, pasó a acreditarse como Chas McDevitt solo y el éxito dejó de sonreirles (a pesar de que en estos momentos hizo sus mayores hermanamientos con el rockabilly) y disolvió a lo que quedaba de grupo en 1961. Whiskey hizo entonces unas vergonzosas declaraciones poniendo a caldo a McDevitt, lo que unido a que estuviese embarazada del músico de jazz Bob Kelly (un hombre casado), hundió su carrera como solista antes de que empezase. Formó entonces el grupo The Skifflers, más tarde rebautizado como The Tetotallers, junto a un ya divorciado Kelly, aunque nunca levantaron el vuelo y se retiró de la música para cuidar de su hija. Kelly murió en 1999 y ella le seguiría cuatro años después, a los 67 de edad. por su parte Ches formó The Cotton Pickers Skiffle Group, ahora más electrificados, aunque el experimento duró poco. Es así como formó un dueto con su esposa Shirley Douglas, una irlandesa a la que había conocido durante las masivas audiones que se hicieron para sustituir a Whiskey. Su dúo, una especie de Sonny & Cher a la inglesa, duró hasta el divorcio de la pareja en los años 70. Formó ahora una nueva banda, que se dedicó a tocar con asiduidad en los circuitos nostálgicos durante los años 80, aprovechando su fama de tiempos pasados, honrándole sus colaboraciones en multitud de grandes conciertos benéficos. En 1997 hubo una reunificación con muchos de sus antiguos músicos, entre los que estaba Whiskey, que fue muy aclamada, pero fue un hecho puntual. Hoy en día McDevitt trabaja como presentador de televisión, aunque todavía sigue actuando.
Músicos: Nancy Whiskey (voz y guitarra acústica), Chas McDevitt (banjo y guitarra acústica), Alex Whitehouse, Denny Carter y Tony Kohn (guitarra acústica), John Paul y Lennie Harrison (contrabajo), Bill Braxwell (guitarra) y Marc Sharratt (tabla de lavar).   "Top of the bill".

domingo, 23 de noviembre de 2014

The Clouds (Chicago, h. 1955 - h. 1957 y Boston, h. 1959 - h. 1964)

 Los Clouds de Boston.
Existieron dos grupos estadounidenses de du-duá con este nombre, uno blanco y otro negro.
El negro se formó en Chicago, que a finales de los años 40 y primeros 50 era una de las mecas del rhythm & blues, y de allí surgieron infinidad de grupos vocales del estilo y, poco después, de du-duá. Uno de ellos fueron The Clouds (Las Nubes), que aunque tuvieron una carrera tremendamente corta fueron capaces de dejar un disco tan bueno como era el single "I do" (1956), en el sello Cobra, que llevaba en la otra cara el más animado "Rock and roll boogie". Aunque no tuvo éxito hicieron multitud de conciertos, en ocasiones como teloneros de estrellas del tamaño de Bo Diddley, The Drifters o Billie Holliday, gracias a la confianza que tenía en ellos el pincha-discos McKie Fitzhugh, que les representaba artísticamente. Una vez disueltos, de sus integrantes, el tangencial Albert Hunter se fue a formar parte de The Maples. Estos eran un conjunto de jazz y R&B vocal que solo habían grabado un disco, "I must forget you" (1954), y que estaba formado por ex-integrantes de Los Five Chances y Los Palisades. No volvieron a editar ningún disco y se disolvieron alrededor de 1958.
Los blancos se formaron en Massachussets poco después de la disolución de los anteriores y empezaron su carrera profesional como coros de Donna Dee en su disco, "The more I see him" (1960). Eso les sirvió al menos para llamar la atención de The Chords, entonces ya un conjunto de cierto nombre, que les llevaron a discos Skylark, donde les produjeron el estupendo single "All I do is worry" (1961). Sin embargo no tuvieron éxito y fueron cambiando cada vez a discográficas más modestas. Su siguiente disco, "A lovely way to spend a night" (1963), era bastante más lento y aburrido, pero levantaron cabeza con "Night owl" (1964), una curiosa mezcla de du-duá clásico con toques modernos sesenteros de fondo que hubiera merecido más suerte, Pero no fue así y se disolvieron poco después. Donna Dee, por su parte, se hizo ye-yé y grabó un par de discos de este estilo, sin mucho éxito, en el sello ABC.
Músicos: Clouds de Chicago: Sherrard Jones (solista), Al Butler, William English, Bobby Walker y Albert Hunter (coros).
"Rock and roll boogie", por los Clouds de Chicago.

sábado, 22 de noviembre de 2014

Roberto Carlos (Cachoeiro de Itapemirim, 1940)

Nacido en el estado brasileño de Espíritu Santo, Roberto Carlos Braga era hijo de un relojero y de una costurera. Cuando tenía seis años fue arrollado por una locomotora lo que le costó la pérdida de la pierna derecha, que desde entonces es sustituida por una prótesis. La imposibilidad durante un tiempo de jugar con sus amigos normalmente le llevó a volcarse hacia la música, enseñándole su madre a tocar la guitarra y el piano y completando más tarde su formación en el Conservatorio local. Demostró tales dotes que era todavía un niño cuando ganó un concurso musical radiofónico, cantando un bolero, y cuyo premio eran un montón de chucherías. Siguió su progresión, convirtiéndose en una de la mejores promesas de la música carioca, siendo fichado por  discos Polydor que le editó algunas conservadoras bossa novas, linea que siguió cuando pasó a Columbia, haciendo con ellos algo de samba. Pero durante su juventud, como miles de otros en todo el mundo, Roberto Carlos se sintió muy atraido por el rock & roll, en un movimiento que en Brasil se denominó La Joven Guardia. Su primera aproximación grabada fueron una atenuada versión del "Mr. Sandman" (1961), pero estaba tan indefinido y trémulo que fue un fracaso de ventas. En principio tocaba solo, pero incorporó a su amigo Dedé en un mini-grupo que se llamó extra-oficialmente RC-2, que pasaría a ser RC-3 al incorporar a un bajista, RC-4 cuando llegase un guitarrista fijo... y así hasta ser la definitiva banda de apoyo RC-7. Tras el algo mejor high school "Malena" (1962), deudor del "Diana" de Paul Anka, fichó entonces por CBS, convirtiéndose pronto en el más conocido cantante de rock & roll del país, hasta el punto que se le llamó O Rei (El Rey), en una inteligente amalgama popular de los apelativos de Elvis y Pelé. Todo ello gracias a temas como "Susie", su versión en portugués del "Splish Splash" (1963), "Um leao está solto nas ruas" (1964), "Na lua nao há", y, desde luego "Lobo mau" (1965), versión de "The Wanderer"... si bien la más exitosa de esta su mejor etapa fue "Parei na contramao". Siempre acompañado de grupos rockeros como Los Angels, Los Blue Caps o Los Youngster, es en estos días que empieza a grabar todos estos temas en otros idiomas, sobre todo español, ampliando su mercado y fama a España e Hispanoamérica. Convertido en una gran estrella en su país, representante mayúsculo de la joven guarda, presenta programas de televisión y sale en películas promocionadoras del movimiento. Por desgracia empieza poco a decantarse por los nuevos ritmos británicos y a introducir un órgano bastante psicodélico, a la vez que su gusto está cada vez más del lado de las baladas románticas, y durante un breve tiempo, del soul. Aun así podemos destacar todavía su versión del "Negro gato" (1966) o "Eu sou terrivel" (1967). De todas formas su distanciamiento de la joven guarda rockera se produce cuando empieza a aparecer en festivales de música, algo que no parecía precisamente un medio adecuado para un icono del movimiento, pero que le llevó a la cumbre en Europa también al ganar el festival de San Remo 1968 con un tostón. Eso significó un punto de inflexión en su carrera, se dio cuenta que como baladista o intérprete de música ligera le estaba esperando la inmortalidad, y a ello se dedicó durante las décadas siguientes hasta ahora, convirtiéndose en el más afamado cantante brasileño de siempre en el mundo entero. Sus obras filantrópicas para enfermedades humanas, para salvar la Amazonia y para proteger a los animales le redimen mucho, pero a pesar de éxitos mundiales como "El progreso" (1977), "El gato que está triste y azul" (1979), etc... la verdad es que es una carrera que puede gustar más o menos (a mi personalmente, me parece un tio bastante simpático) pero que tiene cabida en este diccionario. Por cierto, su grupo ya se llama RC-9, pero porque pararon, pues ya lleva una orquesta de 17 personas.
Músicos: Roberto Carlos (voz, guitarra, piano y gaita), José "El Gato" Provetti (guitarra), Torno Bruno, Othon Russo y Paolo César Barros (bajo), Dedé (batería), Antonio Wanderlay (guitarra y teclados), Nestico y Sergio Becker (saxo), Lafayette (órgano), Olmir Stocker (violín), Raul de Souza (trombón), Maguinho (trompeta), The Angels, Renato Barros (guitarra) & seus Blue Caps y The Youngsters. "Na lua nao há".

Coast to Coast (Northampton, 1980 - 1983)

Flute Lucas ya había tocado en bandas semi-aficionadas de los años 70, como Chairman of the Board o Rusty Steel & the Tin Tax, antes de ser requerido como batería por uno de los grandes del revivalismo rockabilly británico: Freddy Fingers Lee. Finalmente se unió al carismático cantante Allan Mills para fundar este grupo rockero del centro de Inglaterra, que en seguida triunfó con su versión del viejo rock & roll bailable "Do the hucklebuck" (1981) que en su momento popularizara Chubby Checker, un astuto exacerbamiento comercial del revivalismo rockabilly que se vivía a principios de los años 80, y que les aupó al número tres de las listas británicas. Pero Mills y Lucas les dejaron huérfanos al poco tiempo. El primero para formar la oportunista Alan Mills & the Hucklebuck Band (junto a Brian Martin de, precisamente, Los Tin Tax), que grabó tan solo un single, pero con el buen rockabilly ochentero "Rockabilly´s is back in town" (1981) incluido. Fue sustituido por Sandy Richardson, que adoptó el apellido Fontaine por gustarle mucho Eddie Fontaine y con él no les fue del todo mal a los Coast to Coast con "Let´s jump the broomstick", otra versión, esta vez de Brenda Lee, ni con una reedición, ahora grabada por Fontaine, del hucklebuck. Pero tras el fracaso de "The bell" (1982), su escueta veta se agotó y decidieron disolverse, por más que hicierona una breve reunificación a principios de los años 90. Mills, que había seguido apoyando a los grupos de rockabilly locales y había ayudado a crear algunos importantes festivales, comenzó una carrera en solitario que, aunque no coronada por el éxito popular, le llevó a ser considerado como uno de los rockers más respetados del panorama local, grabando muy buenos temas y llegando incluso a hacer una excelente colaboración con Darrell Higham y el magnífico álbum "Let´s groove" (2004), y en eso sigue, afortunadamente. Lucas, después de tocar en varios grupos,  se unió a la banda rockabilly del siglo XXI Cool Cat Cry, liderada por el antiguo imitador de Elvis, Oban MacLean, con la que llegó incluso a hacer una gira por Canadá. Del resto de los Coast to Coast, su saxofonista se unió al citado Martin y a ex-integrantes de The 6th Street Blues Band (a su vez herederos de Jim & the Wailbones), para formar The Rockin Earth Tremors (2001-2002) y más adelante la banda de swing y R&R clásico Sonny & the Honeydippers, con la que aun alegran por ahí bodas y otros eventos.
Músicos: Alan Mills y Sandy Fontaine (voz), Jamie Ling (guitarra), Budd Smith (contrabajo), Peter "Flute" Lucas-Varnfield y Earl Barton (batería), Eugene "Sonny" Torlot (saxo) y Patty Hem y Donna Page (coros y palmas). "Do the hucklebuck"

jueves, 20 de noviembre de 2014

Billy Barton (London, 1929 - Nashville, 2011)

Los primos John Barton Grimes y Rod Barton, nacieron en un pueblo del norteamericano estado de Kentucky  y como buenes locales desde muy jóvenes se aficionaron a la música hillbilly, aprendiendo a tocar y cantar. John consiguió trabajo a los 16 años como subastador de tábaco, pero se cansó de ese empleo y se alistó en el ejército, casándose durante esa época y teniendo dos hijos. Pero la llamada de la música fue más fuerte y se lo dejó todo (incluida su esposa) cuando le ofrecieron tocar en una emisora radiofónica de California en 1950. Allí trabó amistad con otros artistas ya más establecidos en el negocio, como Johnny Horton, y así fue como Horton le ofreció grabar el single de duetos hillbillies "Rhythm is my baby´s walk" (1952) en el sello Abbott, acreditado ya con su nombre artístico de Billy Barton. Sin embargo sería como compositor con lo que se ganaría el sustento y el respeto del mundillo country, destacando su "Dear John" (1953), que Ferlin Husky llevaría al número uno de las listas del género -y que sería versioneada infinidad de veces por grandes estrellas-, entre otras muchas. Como cantante siguió acompañando a Horton, pero también a una nueva cantante country de Alabama llamada Wanda Wayne, destacando su balada conjunta "The world called love" (1954). Su compenetración llegaría a tal punto que se casaron ese mismo año. No es de extrañar que ambos ficharan juntos por el sello King, entonces el primer productor mundial de hillbilly, y que Billy se ganara el poco original sobrenombre de Hillbilly en sus primeras grabaciones en esta mítica discográfica, destacando "Pardon me, old buddy" (1955) por parte de Billy y "Turn your fire down" por Wanda en ese mismo año (y grabando ambos algún dueto acreditados como Johnny Grimes & Wanda Wayne). Mientras tanto su primo Rod estaba tocando en fiestas y bailes, conociendo en este modesto circuito a Gwen Reynolds, una bella promesa. Empezaron a actuar juntos, y cuando se creó el nuevo sello discográfico local especializado en el género, Goldenrod, la pareja no tardó en presentarse allí, consiguiendo que les editaran el single "Your magic hour" (1956), un dueto que llevaba en la cara B un western-bop de Reynolds en solitario. Con la llegada arrolladora del rockabilly los Barton se vieron fuertemente influidos, así, Rod, ya sin Reynolds como partenaire (a la que tampoco acompañaría la suerte) grabó los buenos temas, "Teen age baby", "Rotating mama" (1958) y "Through the moon" (1959) -acompañado de una banda llamada The Rocketts-, Wanda haría el a medio camino "Turn your fire down", y Billy, ya dejando el sello King y su mote de el hillbilly, haría "Teen wheels" (1957), "Doorway to heaven" (1958) y el sensacional "Crazy lover" (1959). La verdad es que ninguno de ellos tuvo éxito, y cuando el rockabilly pasó de moda los Barton atemperaron su estilo Rod grabó primero un excelente EP compartido en el que destaca el mestizo "Rock and roll blues" (1960), luego un disco a medias con Nervous Norvus en sus horas bajas, haciendo en la cara B "Dear old San Francisco" (1961), poco después su mejor edición, el medio tempo "Cold feet" (1962), y también el exótico "The Congo song", pero tampoco ocurrió nada digno de mención con ninguna de estas tácticas. Billy, por su parte, grabó el estupendo "Monkey business" (1961), acreditado como Billy Boy Barton, y el reivindicativo "Don´t knock the rock" (1962), ahora escondido bajo el pseudónimo de Laurel London. Cuando el mersey beat británico y la psicodelía se imponía en los gustos musicales, Rod se pasó a ambos a la vez sin demasiada vergüenza, e instalado en Ohio, grabó un single de ambos géneros, el mediocre "Aeolus" (1964). Tras tanto fracaso acabaría abandonando su sueño discográfico para volver a tocar en pequeños clubs de su tierra. Billy, como tantos otros rockeros de los 50, volvería al country de sus raices, destacando aun sus temas "Even Steven" (1964) y el emocionante dueto con la cantante yodel Janet McBride "A letter to a fool" (1965), y convirtiendose en habitual del aun prestigioso festival Lousiana Hayride. Divorciose de Wanda (que se apartaría de la música), casándose no mucho después con Hattie Starnes, con la que no solo tuvo varios hijos, sino que ambos se dedicaron tanto a la iglesia que grabaron juntos varios discos de country cristiano y gospel hasta la muerte de Billy a los 82 años de edad.
Músicas: Billy Barton (voz y guitarra). "Crazy lover".

miércoles, 19 de noviembre de 2014

Los Dream´s (La Victoria, 1964 - 1969)

Alex Rodríguez y Kuky Vergani trabaron amistad en el instituto del Perú al que asistían sobre todo por sus gustos musicales comunes: El rock & roll. No pasó mucho tiempo antes de que decidieran formar un conjunto, con tanta ilusión que le llamaron Los Dream´s (los del sueño) y se compraron instrumentos eléctricos sin ni siquiera saber tocarlos. Para prosperar técnicamente recurrieron a sus amigos del grupo Los Kriquets, para que les enseñaran alguna canción, e incorporaron a otros que si tenían cierta experiencia musical, como Pocho Purizaga y Juan Becerra. Empezaron tocando en fiestas juveniles como grupo instrumental, hasta que ficharon al cantante Percy Wendorf, que terminaría de darle solidez a un conjunto que ya destacaba por un rock & roll más salvaje y clásico que sus paisanos coetáneos. Tras alguna actuación televisiva Vergani (para dedicarse a la abogacía y la producción musical) y Becerra dejan el grupo, siendo sustituidos por los hermanos Olivera, Rudy y Roberto. Ganan un concurso que tiene como premio la grabación de un disco con el sello Virrey, el algo ye-yé "Como un ángel" (1966). Obtienen muchos reconocimientos, celebradas actuaciones televisivas (en algunas de ellas como teloneros de estrellas de la talla de Paul Anka o Raphael). Siguen editando sensacionales singles, como el surfero "Busca una chica" o "Qué me has dado" (1967), que consigue este el tercer puesto en un festival de la canción. Por desgracia algunos de los mejores temas grabados, como "Dime que sí", se quedaron sin salir a la venta por una razón tan absurda como que las etiquetas se imprimieron mal y nadie puso interés en reparar el desaguisado. Seguro que esto influyó en que decidieran dejar Virrey. Hicieron muchas actuaciones en radio y muy buenos conciertos que les convirtieron en muy populares en su país, pero otros compromisos o estudios llevaron a un rosario de cambios en la formación que la hicieron irreconocible y generó en su disolución. Wendorf se puso a trabajar en una fábrica textil y los Olivera fundaron una empresa constructora (con el dinero ganado Rudy pudo radicarse en Alemania y dedicarse a escribir filosofía). Rodríguez se enroló un tiempo en el grupo garajero Los Saicos y también colaboró con la banda instrumental Los Silverton´s. Luego dirigió la orquesta del Hotel Sheraton antes de dedicarse a la docencia (también enseña guitarra) y gestionar la orquesta del Sindicato de Músicos del Perú. Purizaga organizó la orquesta Lima´s Big Band y luego pasó a formar parte del conjunto Gerardo Manuel & el Humo, convirtiéndose con el tiempo en un reputado músico hasta el día de su temprano fallecimiento, en 1988.
Música: Percy Wendorf y Daniel "Kiri" Escobar (voz), Alex Rodríguez, Juan Becerra y Rudy Olivera (guitarra), Kuky Vergani, Roberto Olivera y Dante Tiravanti (bajo), Pocho Purizaga y José Clark (batería) y Lucho Beoutis. "Dime que sí" (1968)

martes, 18 de noviembre de 2014

Kenny Chandler (Harrisburg, 1940)

Dos chicos de un instituto de Pennsylvania, Ken Bolognese y Ray Carlisle, trabaron amistad por su gusto común por el doo-wop que oían sin cesar en la radio a mediados de los años 50. Pronto reclutaron a dos compañeros más, George Campbell y Frankie Cacapardo, para formar un cuarteto de du-duá que ensayaba en las duchas del gimnasio, que tenían buen eco. Campbell desisitió pronto, pero el ahora bautizado trío Kenny, Frank & Ray contrataron como representante al conocido pincha-discos local Paul Landersman, que les consiguió una fantástica oportunidad: telonear a Danny & the Juniors. A estos les gustaron tanto que les recomendaron a uno de sus jefes. Este les hizo una audición y les editó el single "Everybody loves Saturday nite" (1958), que no tuvo casi ninguna repercusión. Landersman fundó su propio sello, PL, editándoles el algo tristón "If you love me" (1959), que se hizo conocido localmente gracias desde luego a que Landersman lo pinchaba continuamente en su emisora. Se intentó de forma paralela lanzar a Bolognese como cantante solista, acreditado como Kenny Beau pero estos primeros y  tristes intentos por convertirse en un nuevo teen idol romántico se quedaron solo en eso. El trío trabajó entonces como coristas de otros proyectos fracasados de Landersman, y en esta etapa, al borde de abandonar la música, Bolognese tuvo que emplearse en una tienda de ultramarinos. Por fortuna se contactó con él para sustituir durante una gira a uno de los integrantes de Los Tree Swingers, un dúo al cual le había ido bastante bien con la estúpida "Kookie little paradise". Para estos conciertos Bolognese adoptó el nombre artístico de Kenny Chandler, porque le gustaba mucho el actor Jeff Chandler, y con él se quedaría para el resto de su carrera. Cuando terminó con los Swingers empezó de verdad su carrera en solitario, yéndole muy bien con "Drums" (1961), un single mezcla del estilo de películas del Oeste con el Roy Orbison más amargado y donde el cantante ya empezaba a mostrar su impaciencia ante las excesivas orquestaciones de sus temas. Empezó a salir de gira como telonero de estrellas de la talla de Del Shannon y Los Belmonts, pero sus siguientes discos no fueron tan bien. Precisamente gracias a que el gran Dion dejó a estos últimos y a su compañía discográfica, Laurie, estos ficharon a Chandler, pensando que podría ser su nuevo cantante estrella. Contó además con el apoyó de Artie Polhemus, que había sido su compañero en los Swingers, y grabaron la bonita balada high school "Heart" (1962), adelantándose al mismísimo Bobby Darin, que tenía planeado que lo hiciera uno de sus pupilos, poníendole furioso y consiguiendo que se le vetara en televisión. Sus siguientes singles ya no fueron tan bien, aunque podemos destacar "I tell myself" (1963), pero estos no eran los menores de sus problemas: Desarrolló una afonía que le dejó prácticamente mudo, dedicándose entonces a tocar la guitarra. Para cuando recuperó la voz ya se habían olvidado de él y tuvo que empezar de cero, cantando en los parques. Finalmente, gracias a la intercesión del famoso Bobby Vinton, fichó por Epic y su "S.O.S." (1965) fue un sorprendente éxito en Canadá, animándole a salir de gira por allí. Siguió en su tónica algo sosainas con "I´ll be coming back" (1966), y ya en otras discográficas más modestas, con una versión de "Sleep" (1967) o con "Beyond love" (1968), pero cada vez más alejado del rock y más cerca del pop, y sin apenas repercusión. Por ello se pluriempleó, haciendo sintonías radiofónicas, produciendo anuncios y haciendo pequeños papeles en series televisivas y películas, algunos de ellos muy rockeros, como su actuación en "La Historia de Buddy Holly" o en "Elvis" (haciendo de uno de Los Jordanaires). En 1975 se mudó a Los Angeles para formar un dueto junto a Guerin Barry que trabajó mucho el circuito de casinos de Nevada hasta que Barry le dejó para pasar a formar parte de Sha-Na-Na. Entonces decidió emigrar a Europa, donde se asoció con Gail Farrell en otro dueto que pasó sin pena ni gloria pero que llegó a editar un single, "Gotta go, gotta fly" (1985). A principios de los años 90 volvió a Estados Unidos donde desde entonces ha estado persiguiendo su sueño musical. 
Músicos: Kenny Chandler (voz), Ray Carlisle y Frankie Cacapardo (coros) y The Whyrlwinds y The Beaus. "I can´t stand tears at a party" (1963), una canción respuesta al "It´s my party" de Leslie Gore.

domingo, 16 de noviembre de 2014

Bob Kelly & the Pikes (Fort Worth, 1956 - 1958)

Robert Kelly nació en Tejas de padres bailarines acrobáticos, por lo que no es de extrañar que el pequeño Bob heredase el talento musical y aprendiese a tocar el saxo a la tierna edad de cinco años. Aunque aprendió a tocar otros instrumentos y a cantar y era muy útil ayudando a sus padres en los espectáculos, estos no le dejaron dedicarse por entero a la música ni siquiera cuando terminó el instituto, teniendo claro que lo más importante, primero, era completar su educación. Así es como se matriculó en Ciencias Empresariales en la Universidad, pero para su segundo año ya pasaba más tiempo con unos amigos rockeros como él que estudiando. Formaron el grupo vocal Bob Kelly & the Pikes, que cantaba en bailes y fiestas hasta que se presentaron a un concurso para jóvenes promesas, que ganaron. El premio era poder participar en el importante festival radiofónico Big D. Jamboree. Allí les vio el cantante rockabilly Mac Curtis y les compró una de sus canciones de Bob, la espléndida "What you want?" (1957) que grabó en discos King con Kelly & the Pikes como acompañamiento a los coros. Otro de los que sintió fascinado por los chicos fue el director del Jamboree, Ed McLemore, que en esos momentos era también el representante de estrellas del rockabilly de la talla de Buddy Knox y Gene Vincent, y les compró a los Pikes dos composiciones más de Bob, "Git it" y "Somebody help me" que terminaría grabando Vincent. Kelly se dió cuenta ahora sí de su inmenso talento y emprendió viaje a California para triunfar en la música por la puerta grande, pero después de un año de encontrarse con puertas cerradas volvió a Tejas, estableciéndose como agente de seguros en Dallas. Como esto no era lo suyo -ni creo que lo de nadie- empezó a trabajar como pincha-discos en una emisora local, a la que se llevó su propio equipo de grabación casero (que tenía desde su época del instituto para grabar sus propias composiciones) con la intención de registrar buenos grupos nóveles que pasaran por allí. Pronto estaba grabando tanto que necesitó un local propio, lo que derivó en su propio estudio, en 1960, al cual llamó Top Ten. Por allí pasaron grandes segundones del rockabilly como Gene Summers o Ronnie Dawson. De ahí pasó a crear su propia discográfica, Libra, y su agencia de publicidad, con las que le fue bien hasta 1964. En este año, harto de grabar y componer para otros formó su propio grupo, Expression, que aunque no tuvo éxito no les faltaron conciertos hasta su disolución en 1980. Luego Kelly se dedicó a grabar sus viejas y nuevas composiciones en CD, incluidas aquellas que había compuesto para los excelsos rockers citados.
Músicos: Bob Kelly (voz y guitarra) y The Pikes (coros). "Git it".

sábado, 15 de noviembre de 2014

Chas & Dave (Londres, 1973)

Charles "Chas" Hodges era un experimentado músico de la escena rock británica de los años 60, que había trabajado tanto en estudio como en escena con gente de la talla de Ritchie Blackmore, Mike Berry, Cliff Bennett & the Rebel Rousers y Heads, Hands & Feet, banda de culto esta liderada por Albert Lee. Incluso durante una gira de Jerry Lee Lewis fue él el elegido para acompañarle a la guitarra. Por su parte David "Dave" Peacock había empezado su carrera musical ya en 1960 con el efímero grupo de rock & roll clásico The Rolling Stones (no los famosos) y luego con The Tumbleweeds, antes de empezar a tocar para otros artistas de mayor renombre como Mick Greenwood. Finalmente Chas, Lee y Dave, ya los tres unos prestigiosos músicos de estudio, unieron sus fuerzas para formar una nueva banda llamada Black Claw, a principios de los años 70. Esta banda no duró mucho tiempo y Chas & Dave decidieron forma su propio dueto con la ayuda y acompañamiento a la batería de Mick Burt, uno de los ahora extintos Rebel Rousers. El proyecto se basaba en que ambos se sentían ciertamente avergonzados de hacer rock & roll puramente norte-americano sin ningún tipo de influencia de su tierra ni verdadera originalidad, se sentían más unos imitadores que unos creadores e incluso llegaban a poner acento americano cuando les tocaba cantar. Decidieron dar rienda suelta a su natural soltura e idiosincrasia británica, incluyendo aspectos del pub-rock, el lenguaje marginal del norte londinense (cockney) y del humor británico, pero sin perder de vista los origenes del rock & roll. Bautizaron a este nuevo sub-género rockney (que sería además el título de unos de sus álbumes), aunque se puede decir que fueron ellos prácticamente los únicos representantes de éxito. Para cualquier lego resultaba dificil entender las letras, aunque cuando esto era posible resultaban muy graciosas críticas, haciendo actuaciones a medio camino entre el folk, una fiesta de borrachos (increible para los absurdos y cursis parámetros de hoy día verles en televisión bebiendo y fumando como cosacos mientras actúan) y, en ocasiones, el salvajismo de los buenos momentos de Jerry Lee Lewis. Fichados por el sello Retreat explotan su talento y muestran en seguida cuales son sus gustos con la paródica "I´m a rocker" (1975) y con "Old time song" (1976), a pesar de su aspecto de morralla de taberna inglesa. No fueron sus primeros temas grandes éxitos, pero fueron aclamados por la crítica, lo que les valió ser fichados por la multinacional EMI. Ahora, con más apoyo y distribución, se dan a conocer a todo el país con el gracioso "Strummin" (1978) y sobre todo con el folk-rock "Gertcha" (1979), que llega al número veinte de las listas británicas. Se convierten ya en famosos en Gran Bretaña, no así en el resto del mundo donde no se entienden ni sus bromas, ni su estilo, ni su inglés. Crean su propia discográfica, que se llama, como no, Rockney, y se suceden excelentes rock and rolles como "Rabbit" (1980), que llegá al número ocho de las listas, "Poor old Mr. Boogie" (1981), un excelente álbum en directo, y un no tan bueno pero festivo y muy popular tema, "Ossie´s dream", cantado con los integrantes del equipo de fútbol Tottenham Hotspur, el suyo, para celebrar que habían llegado a la final de Copa (y con los que repetirían en años siguientes). Pero su mayor éxito de siempre sería la balada, de reminescencias clásicas, "Ain´t no pleasing you" (1982), que llegaría al número dos de las listas. Se convierten en toda una institución y en habituales de la televisión, donde son capaces de animar cualquier tostón catódico. También empiezan a revisitar grandes temas del pasado, como ellos dijeron, con la intención de que unos jóvenes atontados por el horterismo de los 80 los conozcan. Tras las fantásticas "My melancholic baby" (1983) y "I wonder in whose arms" (1984), esta última deudora de su adorado Jerry, hacen una serie de simpáticas sintonías televisivas que les terminan de encumbrar. Por desgracia a partir de aquí se aprecía una fuerte decadencia por culpa de su afan por experimentar con todos los estilos, haciendo música disco e incluso un temprano rap, por lo que a los años 90 llegaron ya tocados en su prestigio. Esto se compensó con que fueron descubiertos en Estados Unidos, iniciando una exitosa gira por aquellas tierras. En el siglo XXI todavía tenían gran consideración entre miles de fieles fans y siguieron haciendo mutitudinarios conciertos, pero cuando en 2009 la mujer de Dave murió tras larga batalla contra el cáncer, este decidió dejar el dúo temporalmente, y Burt definitivamente por problemas de salud. En el año 2011 volvieron con fuerza y con las ideas claras, enfocándose de nuevo hacia el rock & roll clásico y editando un álbum de versiones de R&R, rhythm & blues y rockabilly, que incluso contó con la colaboración de J.I. Allison, el batería de Buddy Holly. Su último single, "When two worlds collide" (2013), es otro excelente tema deudor del mejor Jerry.  Burt murió el año 2014.
Músicos: Chas (voz, piano, banjo y guitarra), Dave (voz, bajo, piano, guitarra y ukelele) y Mick Burt y Nick Hodges (batería).  Soy un rocker hasta la muerte,... "Be bop a-lula" es mi canción... y soy demasiado joven para morir.

jueves, 13 de noviembre de 2014

Los Locos del Ritmo (Méjico D.F., 1958 - 1969)

Grupo de estudiantes universitarios mejicanos, pioneros en hacer rock and roll en castellano, que originalmente se llamaron Pepe & sus Locos del Ritmo, por su miembro fundador Pepe Negrete, si bien pronto simplificarían su denominación a Los Locos del Ritmo. Dinámicos y simpáticos, ganaron un concurso de la televisión nacional (tras dura pugna con el conjunto femenino Las Chispas) cuyo premio era un viaje a Estados Unidos, aprovechando la coyuntura para presentarse en otro importante concurso televisivo allí, obteniendo el segundo puesto. A su vuelta a Méjico se convierten en habituales de la radio y consiguen cierto renombre, pero empiezan los cambios en la formación, algunos de los cuales se van a formar el luego famoso conjunto Los Zipps. Consiguen ser los primeros mejicanos en hacer una sesión de grabación de rock & roll (en stereo, además) con la intención de editar un LP, pero los retrasos a la hora de lanzar el álbum hizo que fueran otros los que se llevaran ese honor. De todas formas, cuando salió a la luz "Rock!" (1960) se demostró una gran obra del rockabilly, destacando entre sus temas su versión "Yo no soy rebelde", que se convirtió en seguida en una especie de himno de los primeros rockers mejicanos y número uno nacional. Además componían temas propios, al contrario que otros de más fama, como Los Teen Tops, que en sus primeros momentos solo hacían versiones. Destacable es su gran éxito, la balada "Tus ojos". Su siguiente larga duración no baja el nivel, destacando su inevitable "Chica alborotada", o el propio "Vengan todos a  bailar". Hacen una triunfal gira por Venezuela y poco a poco se empiezan a convertir en un conjunto de bailes rockeros, con temas como "La Bamba twist" o "Cucaracha twist" (1961), mezclas del twist con temas populares, como se puede deducir por los títulos, e introducen coreografías al estilo de los grupos instro. Paralelamente colaboran con algunos amigos, como Los Soñadores, rellenando la cara B de un single de estos con "A bailar twist", una versión libre de un tema de Gene Vincent, o Los Rogers. Están en la cima de su fama, apareciendo incluso en cine, pero en esos momentos su carismático cantante Toño de la Villa (que había compuesto "Twist español" para Bill Haley) empieza a sufrir frecuentes ronqueras que le dejan finalmente sin voz. Lo que tenía era un cáncer de garganta bastante avanzado, pero rehusó someterse a un largo tratamiento, prefiriendo operarse a la desesperada, en El Paso. La cosa no salió bien y falleció tres días después de la intervención, en 1962. Tenía solo 22 años. Su amigo Negrete no podría afrontar la pena dentro del grupo y les deja para formar Los Tribunos, aunque poco después dejaría incluso el mundo rockin´. Tampoco seguiría el guitarrista Manuel Reyes, que empezaría una carrera en solitario pero que, al no funcionar como esperaba, volvería brevemente al redil. Las bajas fueron rellenadas con algunos miembros de Los Rippers y más adelante con Gastón Garcés, de Los Teen Tops. Esto hizo que el éxito y la calidad de los Locos del Ritmo se alargara en el tiempo, siendo bastante fieles al rockabilly, como demuestra su "La mantequilla" (1963), versión del "Move It" de Cliff Richard. Pero ya no cuentan con las grandes composiciones más rockeras del grupo y pronto ciertas imposiciones discográficas cambian su estilo constantemente, adaptándose a los tiempos, y haciendo, por ejemplo, versiones de Los Beatles y otros grupos del momento desde mediados de los años 60, aunque aun podemos destacar su gran versión "El rey del surfin´" (1964), el tema propio "Cansado de ti" (1965) u otra versión surf, "Voy, voy, voy" (1966), de los Beach Boys, en ese momento su grupo preferido, entre otras. Finalmente, era tal su olvido por el rockabilly (habían aguantado fielmente más que nadie de su época), y tan poco lo que quedaba de la formación original, que decidieron rebautizarse como, simplemente, The Locos, aprovechando que iban a empezar una gira por Estados Unidos. Como tales actuaron en el mítico local Whisky a go-go, donde tuvieron de teloneros a Los Doors (por cierto, que estos les robaron un amplificador y un sueter) y grabaron allí el mestizo single "Guantanamera rock" (1966), un tema sorprendentemente bueno a estas alturas del panorama musical. Tiene gran éxito, pero es su canto del cisne pues a su vuelta otro de los fundadores, Chucho González, deja la banda para dedicarse de lleno a su carrera de contable y porque se iban a dirigir por otros derroteros. Así es, a partir de aquí, aunque vuelven a llamarse Los Locos del Ritmo, se adscriben al movimiento psicodélico y ye-yé, destacando su "Negro es negro" (1967), que como habreis podido adivinar es una versión del "Black is black" de los españoles Bravos, aunque hay unas crepusculares grabaciones entre las que destaca "Vuelve el rock" (1969). Finalmente los supervivientes se reinventan como, otra vez, Los Locos,  un grupo de rock más moderno, con aspecto de hippys que tocaban en fangosos festivales pero que todavía eran capaces de hacer buen rock & roll como demuestra su excelente y fiel a la Revolución "¡Viva Zapata!" (1971), que además funcionó muy bien en Estados Unidos, aunque por desgracia el grupo no sobrevivió a 1973. Finalmente, el miembro original Rafael Acosta, decide romper aun más con todo y ficha toda una caterva de músicos nuevos y forma un sucedaneo llamado Mr. Loco (1973-1980), un horrible mestizaje de música andina con componentes electrónicos, que de forma sorprendente triunfa en un festival de Japón con "Lucky man" (1975). Mientras y después, los demás Locos habían estado tocando por separado en diversos clubs o en otros grupos, hasta que, para celebrar los 30 años de su fundación, Los Locos del Ritmo supervivientes volvieron a juntarse para un especial de televisión que les devolvió a la actualidad y les reconoció como lo que eran: Pioneros del rockabilly en Méjico. Animados por ello, en los años 90 graban un CD y actuan como estrellas en el mítico local "La Plaga" de Enriquito Guzmán (de Los Teen Tops), amigo de siempre con el que ya habian actuado incluso en el cine. Por desgracia a partir de ahí hubo ciertas desavenencias y problemas a la hora de dilucidar a quién correspondía ostentar el nombre del grupo en los conciertos que daban por separado, obteniendo Acosta los derechos legales sobre el grupo finalmente y, parece ser. a espaldas de los demás. Así, en el siglo XXI, hay unos Originales Locos, Rafael Acosta & sus Locos, etc... , y los demás grabaron incluso un single, "Adiós corazón" (2004), acreditados como LR4. Finalmente Los Locos del Ritmo originales volvieron como tales en el año 2009 para dar una serie de conciertos y hacer algunas grabaciones, el mismo año que falleció Garcés. 
Músicos: Toño "de la Villa" Verdes, Gustavo Salcido y Gastón Garcés (voz), Jesús "Chucho" González, Alvaro González, Alberto Figueroa, Humberto Cisneros y Javier Garza (guitarra), Mario Sanabria (bajo y contrabajo), Rafael Acosta (batería), Pepe Negrete, Eduardo "Lalo" Toral, Luis Rojas y Alfredo Atayde (piano), Miguel "El Médico" Aguiar (contrabajo), Manuel "El Ché" Reyes (guitarra acústica y voz), Oscar (coros) y José del Río. "Yo no soy rebelde".

martes, 11 de noviembre de 2014

TNT Records (San Antonio, 1953 - 1966)

Bob Tanner era un dinámico e inteligente empresario tejano que se vio venir la revolución que se avecinaba en la industria musical, con el declive y defunción de los discos de pizarra y el auge de los de vinilo. Así pues abrió su propia planta de procesado de discos en fecha tan temprana como 1947, la primera de Tejas, lo que le garantizó un gran negocio al dedicarse a fabricar buena parte de los lanzamientos de las discográficas independientes, llegando a copar en algunos momentos el 80% de este tipo de producción en el estado. En seguida amplió el negocio abriendo un estudio de grabación que, de la misma manera, atraía a músicos y pequeños sellos de todo Tejas. Finalmente se animó a abrir su propio sello discográfico, al que bautizó primeramente Tanner, y que llegó a editar algún disco del entonces principiante y luego estrella del hillbilly Tex Williams. Pero en seguida cambiaría el nombre al más atractivo e impactante de TNT, que no son solo las siglas de la nitroglicerina (y cuya explosión formaría parte del logotipo de la marca), sino de Tanner´n´Texas, es decir, Tanner y Tejas. Con sede en el nº 1422 al lado oeste de la calle Poplar, de San Antonio, se caracterizó desde el principio por un espíritu independiente y por apoyar a artistas jóvenes con proyección de futuro. Al comienzo, a principios de los años 50, se dedicó a editar sobre todo discos de música country y hillbilly que se fueron animando progresivamente hasta llegar por propia evolución natural hasta el rock & roll o muy cerca de él. Caso sintómatico de esto fue el artista de la casa Roy King ("Be bopping baby"), los hermanos Jacoby ("Flood plain boogie") y desde luego Bill Anderson. Pero por allí pasaron también grandes segundones del rockabilly, como Glenn Reeves, Betty Barnes, Ray Campi, Jimmy Dee, Ray Liberto, Ray Doggett, Jimmy & Johnny, Cecil Moore, Sonny Ace, Johnny Olenn,...Y muchos otros rockers que se quedaron por el camino y su recuerdo se ha perdido en el devenir de los tiempos: Dottie Jones (anunciada como El orgullo de Tejas, es fantástico su rockabilly "Honey, honey"), la banda de Jerry Dove (que con Bill Massey como vocalista hicieron "Pink bow tie", una respuesta/homenaje/parodia/buitreo al "Blue suede shoes"), Al Reed (un proyecto de nuevo Little Richard, como deja claro su único tema registrado, "I love her so"), Chuck Goddard (un pincha-discos de Georgia que hizo la rompedora, en letra, "Living myself to death", y que tras dejar TNT aun grabó un buen tema high school, "Forty-eight hours to love"), Sandy Ford (nada que ver con su homónimo británico de mayor fama. En este es destacable su "Cat man boogie"), Rick Johnson (buena es su balada doo-wop "At last", pero tras dejar TNT se dedicaría al country), Linn & Gin (que solo hicieron un single, "Promise me", y que iban acompañadas de una banda llamada, muy significativamente, The Rocks), Los Delatones (fantástico y merecedor de mejor suerte su rock & roll "Little Jeanie"), o el dúo Joe B. & Charlie Davis (unos hillbilly-rockers, con la estupenda humorada "Shut your big fat mouth")... todos ellos antes de que empezase 1961. Como veís, aunque haya muy buenos y hoy reconocidos artistas ahí, en su momento no se puede decir que el éxito les sonriera a ninguno. Solo Anderson destacaba un tanto, pero precisamente por eso, ambicioso, se marcharía a discos Decca, donde triunfaría plenamente como artista country. Los intentos de TNT por que le fuera mejor haciendo rhythm & blues o standares pop tampoco tuvo suficiente recompensa. La empresa era así difícil de mantener, pues aunque en espíritu funcionase como tal, no era una pequeña compañía independiente que enviaba sus grabaciones a otras más grandes para que les dieran salida prácticamente sin arriesgar nada. TNT tenía su propio estudio de grabación, planta de procesado de discos, mucho personal y dinero invertido por hombres de negocios que querían resultados. Los éxitos regionales de, por ejemplo, Los Traits, su mejor baza, no parecían suficientes. El relativo fracaso de ventas, si exceptuamos a los citados Traits y algunas exitosas grabaciones country de Anderson, no debemos atribuirlas solo a la mala suerte. Se tomaron malas decisiones, entre las cuales debemos destacar cierta falta de personalidad en diversos momentos a la hora de crear un sello distintivo, pues sus artistas rockers editaban country y viceversa, creando cierta confusión, mientras que en breves periodos de tiempo experimentaron con series exclusivas de rhythm & blues o gospel, lo que empeoró esto. Además se dejó grabar a algunos artistas sin demasiado talento, como Red River Dave, solo porque había invertido mucho dinero en la empresa. La falta de guía musical de Tanner es también evidente, lo que demuestra que la visión empresarial y musical no son exactamente lo mismo. Además ni siquiera tenía un ingeniero de sonido fijo, empeñándose muchas veces él mismo en llevar a cabo la grabación cuando en realidad tenía poco idea de ello. Los malos resultados en algunas grabaciones así lo demuestran. Así las cosas TNT cerró antes de que se convirtiese en una ruina, quedando de nuevo como planta procesadora de discos para otras compañías más pequeñas, hasta finales de los años 70. Cerrada y abandonada también, la sede de TNT es hoy día una triste nave industrial de suministros eléctricos sin nada que recuerde su pasado.
No debe confundirse con discos TNT de Louisville (Kentucky), una pequeña y efímera compañía, esta sí totalmente independiente, que solo llegó a editar un single, bueno y valioso, de un grupo llamado Gary & the Detonators: el rock & roll bailable "I wanta dance" (1963). Esta banda, que duró de 1960 a 1964, estaba liderada por Gary Knott y fue este su único disco. "Honey, honey", de Dottie Jones.

sábado, 8 de noviembre de 2014

Las 4 y T (Méjico D.F., 1955 - 1959)

Martha Agüero pertenecía a una familia de músicos de la capital mejicana, siendo sus hermanos en este campo conocidos como Los Rabos (por favor, no me pregunteís porqué). Ella heredó este don y pronto comenzó a cantar y a componer, siendo apoyada por ellos. Pero su gran pasión era el rock & roll y decidida a formar un conjunto del género reclutó a unas amigas que casualmente se llamaban casi todas Yolanda (el nombre de moda de las de su generación), por lo que se bautizaron como La 4 (yolandas) y T (de Tita, apócope de Martita). Una de ellas, Yolanda Martínez, era hija del popular comediante mejicano "Resortes" y otra, Yogus Villaseñor, tenía una madre que era una joya y las apoyaba hasta el fin. El que fueran una banda enteramente femenina que tocaban sus propios instumentos electrificados (prestados, a veces, por los integrantes del grupo Sammy & sus Estrellas) en esos momentos no es moco de pavo amigos, sino algo totalmente inédito no solo en su país, sino en todo el mundo. El que su R&R no fuera demasiado salvaje no les resta mérito a estas valientes pioneras que no han sido lo suficientemente valoradas. Tras algunos cambios en la formación (entrando Yolanda Espinosa) grabaron su único disco, "Hey muchacho" (1959), que es todo un hito del rock & roll femenino mundial, aunque poca gente lo sepa. Tuvieron mucho éxito en zonas como la de Veracruz, pero las chicas eran menores de edad y salvo honrosas excepciones (como la citada madre de Yogus), no tenían el apoyo de sus familias ni para hacer rock & roll ni mucho menos para salir de gira. Lo siguieron haciendo a escondidas y su bravura es digna de un monumento, pero todo terminó cuando, por ejemplo, la madre de Yolanda Guadalupe se enteró y le pegó una paliza, no dejándola ir nunca más con sus amigas rockeras. Algo similar les pasó a otras compañeras y el grupo se disolvío sin gozar de la fama que merecían. Yogus y otra de las Yolandas, Dávila, formaron entonces el conjunto de jazz The Tramps. Espinosa se unió ahora a las hermanas Astorga y a la prodigió haciendo jazz al piano María Antonieta Lozano (que había formado parte de la banda de Carmen Sordo y había actuado mucho en la radio), las cuales acababan de disolver su conjunto de pseudo-rock and roll de orquestina Frenesí, para formar la nueva banda de rock & roll enteramente femenina Las 5 Marías, aunque no todas se llamaban así. Tocando con Lozano había estado el saxofonista Cuco Valtierra, que se convirtió en su guía, tutor, creador y manager. La unión se reajustó con la salida de Lozano y la entrada de Agüero, rebautizándose para sus ediciones discográficas como Las Mary Jets cuando las fichó Columbia. Eran guapas, simpáticas y sabían tocar, por lo que después del valiente y por momentos agresivo "Dulces tonterías" (1960) tienen bastante éxito con el muy inferior "El rock del ratón" (1961), obra de Valtierra. Actuaron en televisión y salieron de gira, no solo por todo Méjico, donde fueron teloneras de Bill Haley, sino también por Venezuela y los Estados Unidos, país donde eran conocidas como The Swinging Señoritas o, todavía, como Las 5 Marías. Precisamente cuando vuelven de este país se encuentran con la fatal noticia de que Valtierra ha fallecido de cáncer, lo que unido a ciertos asuntos familiares (se casaron las Astorga y emigraron a Hawaii) y desacuerdos entre ellas (sobre todo entre Agüero y Espinosa) desemboca en su temprana disolución en 1961. Espinosa fundaría junto a Víctor Angulo, con el que a la postre se casaría, el primer mariachi enteramente femenino, que llegaría a salir en alguna película, y luego el mariachi Las Alteñitas, mientras que a Martínez la mataron durante un atraco en el Méjico hiper-delictivo del año 2000. Agüero, por su parte, haría los coros a algunas grabaciones de la excelsa rockera Angélica María, hasta que en 1967 pasa a formar parte del grupo de bossa nova Bossa 3 y poco después de otro llamado Quinto Alegría. Luego le haría los coros a un grupo de rock que montaron sus hermanos en los años 70, Rabbits & the Carrots, antes de casarse y retirarse de la música. Las Astorga siguen en Hawaii, una muy dedicada a predicar el cristianismo y la otra formó un mariachi que tiene mucho éxito en aquellas islas.
Músicos: Yolanda Martínez (voz), Rosa María "Yogus" Villaseñor y Yolanda Rodríguez (guitarra), Yolanda Guadalupe (bajo), Martha Agüeros y Yolanda Espinosa (batería).

viernes, 7 de noviembre de 2014

Los Ágaros (San Sebastián, 1962 - 1966)

Unos compañeros de un equipo de hockey sobre patines del norte de España deciden formar su propio conjunto de rock, que habría de ser instrumental la mayoría de las veces por la inseguridad de ninguno de sus componentes a la hora de cantar -salvo alguna excepción- y porque el instro era el sub-estilo de moda dentro del rock & roll, gracias a grandes artistas españoles e internacionales, a principios de los años 60. De todas formas, su rock instrumental nunca alcanzaría ni pretendería romper moldes o provocar ningún tipo de salvajismo juvenil, al contrario, era bastante conformista y pretendía deleitar a todo tipo de público, incluso el más conservador, como lo demuestra que su primer trabajo fijo fue amenizando las veladas del pijeras Club de Tenis local. De todas formas su sonido es muy característico, pues sus guitarras son prácticamente artesanales y su estilo tiene personalidad. Consiguen hacerse bastante populares en Vascongadas y, dándose cuenta que podrían hacer lo propio en el resto de España, envían maquetas a varias discográficas. Son finalmente respondidos por la madrileña Fontana que les cita para una audición y, entusiasmados, les fichán. De forma sorprendente para un grupo novato, lo primero que hacen es editarles un disco de larga duración, "Los Ágaros" (1964), y más sorprendente aun la forma en que lo hicieron: En stereo, sistema hasta entonces inédito en España. Buenos temas se encuentran en este LP, pudiendo ser enclavado en el llamado spanish-sound, es decir un rock instrumental basado en temas tradicionales españoles, si bien destaca por encima de ellas la más surfer "Buffalo". Tras tocar un tiempo por su región y por el sur de Francia decidieron disolverse al quedar descontentos con el resultado de sus nueva grabación, "La casa del sol naciente", ya que de nuevo no se había conseguido registrar la magia y la fuerza de su sonido. De ellos, solo Antonio Pro e Iñaki Ayestarán (hermano del famoso bufón Popocho, de la Orquesta Mondragón) siguieron en el mundo de la música, llegando a grabar Pro un disco junto a Pepe Barranco, de Los Estudiantes. Ayestarán falleció en el año 2003.
Músicos: Antonio Pro (guitarra rítmica y voz), Alejandro Pro (guitarra), Miguel Angel Vega (bajo y voz) e Iñaki Ayestarán (batería).
"Eclipse" (1964).