JESÚS MARTÍNEZ OS ANUNCIA EL PRÓXIMO EVENTO: Del 24 al 27 de abril festival Viva Las Vegas, con Imelda May, The Rhythm Shakers, Tim Polecat y muchos más.
Cuando los portugueses conquistaron buena parte del sudeste asiático en el siglo XVI llevaron allí su música y sus instrumentos, y con el tiempo se fue mezclando con las danzas y melodías locales, marcadas por el sonido del gong, dando lugar a instrumentos nuevos de cuerda como la braginha, parecido al ukelele, y un nuevo tipo de música mestiza muy popular llamada kroncong. Fue la músical típica de indonesia, con las lógicas evoluciones hasta principios dell siglo XX, a pesar de que para entonces los holandeses ya eran los nuevos colonizadores mayoritarios de la zona. Cuando en 1949 se descolonizó Indonesia, muchos jóvenes emigraron a la metrópoli europea llevando con ellos su música que, en el viejo continente, evolucionó en pocos años todo lo que no había hecho en siglos en Asia gracias a las nuevas técnicas de electrificación acústica y a las influencias americanas. Con la llegada del rock and roll a Holanda el kronkong se transformó ya radicalmente, teniendo ya solo ciertos resabios orientales de fondo, sobre todo en la percusión, que conservó el gong mucho tiempo, y en el uso indiscriminado de los agudos del órgano perteneciendo ya de forma clara a los derivados del rock and roll clásico. De todas formas tenía otras características propias como para tener una denominación aparte, Indo Rock, y estas eran, aparte de sus raices y de que la mayoría de los componentes de sus principales grupos eran de origen indonesio, una especie de diálogo entre las guitarras, regusto hawaiano y tendencia a los temas instrumentales, sin voz. Ls principales grupos de aquellos primeros tiempos fueron Los Room Rockers, Los Hurricane Rollers, Los Hot Jumpers y los Black Dynamites, todos de efímera vida y procedentes de La Haya, verdadera meca del movimiento, aunque los verdaderos reyes del indo fueron los hermanos Tielman, que triunfaron también en Alemania y Bélgica y que destacaban por sus puestas en escena salvajes aparte de por algunas innovaciones sonoras. Sin embargo, para principios de los años 60, el indo rock ya había sido totalmente absorbido por el rock and roll y sus diversas tendencias, quedando como único residuo de su existencia las bandas de rock instrumental formadas por músicos de origen asiático. Basándose en ello algunos quisieron recuperar los breves años dorados del indo, incluso remontándose estilisticamente al kronkong, son bandas como The Indonesian Revival Band o The Krontjong Devils. Otros, muchos, hicieron del repertorio hawaiano tan del gusto del indo su razón de ser, como son los casos de los Fretes Bros. o Ronnie Flohr, aunque en ningún caso su éxito a traspasado las fronteras de Holanda. En los últimos años vuelve a vivir un tímido renacer que, como otras veces, quedará circunscrito al ámbito de los Paises Bajos.
Los hermanos Tielman tocan el tema instrumental "Indo rock".
Sus padres eran unos grandes aficionados a la musica clásica y pronto contagiaron su entusiasmo al pequeño Anthony, hasta tal punto que a los siete años ya sabía tocar el violín. Pero en su adolescencia se decantó por la guitarra y por el skiffle, el proto-rock británico de los primeros años 50, para horror de sus padres. En seguida formo una banda y consiguieron ser contratados en el mitico bar 2i´s, centro inglés del rock & rolll de éxito, para él todo un sueño, pero que le costó el tener que vivir como un mendigo, durmiendo en las calles, dado lo poco que les pagaban. El sacrificio se vio recompensado cuando los de la cadena nacional de televisión, BBC, le ficharon para un nuevo programa de rock & roll, "Oh Boy", en 1958, necesitados urgentemente de jóvenes talentos nacionales. Tony causó sensación tocando y cantando los clásicos más clásicos norteamericanos, sobre todo temas rockabilly de su adorado Carl Perkins. Esto le sirvió para que cuando los grandes rockers del otro lado del Atlántico llegaron a Inglaterra, Tony fuera contratado para acompañarles a la guitarra. Y así es como tuvo el honor de tocar junto a gente como Gene Vincent, Conway Twitty o Eddie Cochran. compartiendo cartel con este último en sus últimas actuaciones. Sin embargo pronto se ganó una bien merecida fama de irresponsable e informal, llegando tarde e incluso olvidándose la guitarra, por lo que de nuevo empezó a encontrarse sin trabajo. Así las cosas no se lo pensó dos veces cuando a él y a su hastiada banda les ofrecieron unos conciertillos en un club de Hamburgo, en esos primeros días de los años 60 centro de la movida rocker del continente. Tras cumplir el contrato sus compañeros se volvieron pero Tony, viendo más futuro en Alemania, se quedó, reclutando otros músicos de aquí y de allá para seguir tocando. En ocasiones unos de los que le acompañaron eran unos chicos de Liverpool que se hacían llamar Los Beatles y que admiraban a Sheridan como un Dios por haber tocado con Vincent y Cochran. Tony les devolvía el halago saliendo a tocar con ellos en alguna ocasión como invitado, y así se creó una magia entre ellos que hizo las delicias de los afortunados hamburgueses que pudieron verles esos días. Uno de ellos era el famoso productor de Polydor, Bert Kaempfert, el cual fichó a Sheridan para un disco en solitario pero acompañado por los Beatles, aunque haciéndose llamar para la ocasión, The Beat Brothers (ya que Beatles sonaba a pene en alemán). El sensacional single "My Bonnie" (1961) llegó al número 5 de las listas y daba que pensar en Sheridan como una nueva estrella del rock & roll. Pero sus siguientes singles, ya sin Los Beatles, llegaban tarde pues el rock clásico empezaba a pasar de moda. Aun así se editó un álbum con todas sus grabaciones con ellos en 1962, un excelente disco en el que destaca el tema "Ain´t she sweet". Tony, equivocado, intentó adaptarse a los nuevos tiempos cambiando su estilo hacia el blues y el jazz, según él las verdaderas raices del rock (si, pero yo de un árbol me como la fruta, no las raices) y el tostón que le dio por hacer le costó su sustancioso contrato con Polydor. Se quedó tocando por los garitos de Hamburgo para ganarse la vida mientras sus amigos los Beatles triunfaban por todo el mundo. No sabemos si resentido, decidió llevarles la contraria, si fue por necesidad de dinero, o por verdaderas convicciones, el caso es que aceptó ir a tocar a Vietnam a animar a las tropas invasoras en 1967. Durante una actuación uno de los miembros de su banda resultó muerto de un disparo (algunos dicen que del Vietkong, pero es más probable que proviniese de algún soldado yanqui, deprimido después de escuchar blues durante una hora) e incluso se llegó a decir que también lo estaba Tony. Lo que estaba es acojonado porque se escondió durante unos días hasta que le pudieron sacar del país. Aun así, por su labor, el alto mando estadounidense le concedió el grado de capitán a título honorífico. De vuelta en Alemania se dedicó a llevar un programa rediofónico de blues, que le fue bastante bien, y así estuvo hasta que a la muerte de Elvis, la última banda de este (conocida como TCB), le eligió a él como cantante durante su gira homenaje alemana de 1978. Durante los años 80 siguió con la radio y empezó a aficionarse a la heráldica, diseñando escudos de armas. Sin embargo no dejó de componer y de tocar para otros músicos, como sus colaboraciones con Charly García o Dave Humphreys, o la edición de sus discos "Here & Now!" (1994), muy bueno a base de versiones de rhythm & blues, o "Vagabond" (2002). Vivió con su muy teutona mujer en los alrededores de Hamburgo hasta su muerte a los 72 años de edad. Músico: Tony Sheridan (voz y guitarra), Stuart Sutcliffe (guitarra rítmica), John Lennon, George Harrison y Demian Bell (guitarra), Paul McCartney (bajo), Pete Best y Ringo Starr (batería) y The Big Six.
Su nombre completo era Donnie Mabel Elizabeth Washington y nació en un suburbio del sureño estado norteamericano de Carolina del Sur, rodeada por los cánticos espirituales y por el blues más puro. Siendo aun una niña su madre se la llevó consigo a Nueva York, en busca de un trabajo digno, estableciéndose en el barrio de Harlem, que en esos primeros años 40 era un hervidero musical de rhythm & blues, aunque en su primera adolescencia se decantó por el gospel. Pronto, sin embargo, se contagió de los nuevos ritmos y empezó a actuar en algunos clubs, destacando en seguida por su portentosa voz. Cuando se casó con Melvin King, adoptó el apellido del esposo, como se hace allí no se porqué, y lo mantuvo durante toda su carrera artística a pesar de que se divorció no mucho más tarde. Tampoco ella se mantuvo ajena a la llegada avasalladora del rock & roll y, como era lógico, derivó su estilo hacia él . La fichó George Goldner, de discos Rama, y su primer single, "Alabama rock´n´roll" (1956), es una muestra de su rutilante talento que, aunque no fue un gran éxito nacional, si sirvió para que Alan Freed se la llevase de gira con su espectáculo itinerante en el que estaban algunas de las grandes estrellas del género. El segundo single de Mabel con Rama, "Second hand love", era un excelente tema algo más pausado, sin embargo la ruina de Rama, la caida en desgracia de Freed (por el escándalo payola) y la decadencia del rock & roll y el rockabilly a finales de los años 50 hizo que Mabel optará por asegurarse volviendo a cantar rhythm & blues en clubs de Harlem. Fichó entonces por la modesta discográfica Damy, donde grabó el single "Lefty" (1962), que no tuvo ninguna repercusión. Pero cuando los musicales de Broadway experimentaron un nuevo auge a mediados de los 60 se empezó a recurrir a la voz de Mabel, totalmente necesaria para algunos estrenos. Así es como empezó una nueva carrera en los escenarios, triunfando totalmente gracias a sus papeles en obras como "Hello Dolly" (1967) o "The wiz" (1975). Fue llamada al cine también para hacer las versiones cinematográficas de los papeles que ya había representado en la tarima, pero siempre prefirió el teatro, lugar donde en los años 80 ya era una verdadera estrella y, en menor medida, la televisión. Sin embargo, enferma de diabetes, sufrió un colapso en 1989 y a partir de ahí entraría en barrena sin poder volver a actuar jamás. Primero hubo que amputarle una pierna y después la otra, hasta que finalmente falleció cuando solo tenía 66 años de edad. Músicos: Mabel King (voz) & the Royale Cita Chorus.
Nacido en el norteamericano estado de Tejas, el pequeño Doug se sintió atraido por la música country desde que era un bebé y sus padres se encargaron de incentivarle más aun su afición. No se equivocaron, el pequeño resultó ser un auténtico prodigio que a los 5 años ya sabía tocar la mandolina, el violín y la steel guitar, ni Pancho López, ejemplo de precocidad hasta entonces, consiguió igualarle. Como este hecho asombroso no podía pasar desapercibido fue invitado a un programa de radio, donde ya se le bautizó como "Little" Doug Sahm, aunque a decir verdad era más una especie de atracción de feria que un verdadero músico. Quizá por esto, después que consiguiera una actuación nada menos que en el Louisiana Hayride, sus padres lo apartaron un tiempo de las curiosidades del pueblo, aunque un talento como el de Doug no podía mantenerse oculto mucho tiempo y, a la tierna edad de once años, hizo su primera grabación, el single country & western "A real american Joe" (1952) y toco para grandes del country como Faron Young o Webb Pierce. Impresionado, como todo el mundo, la gran estrella del género, Hank Williams, le invitó a tocar con él poco después en una actuación en la ciudad de Austin. Fue la última de Williams que, como todos sabemos murió solo unos días después, pero el hecho de haber tocado con él hizo de Sahm un proyecto de estrella infantil en la que pusieron sus ojos los grandes industriales del mundo del espectáculo, incluyendo los organizadores del prestigioso show Grand Ole Opry. Sus padres, con buen criterio, prefirieron que siguiera estudiando antes que se embarcara en esas terribles giras, pero no le coartaron su inspiración musical, dejándoles grabar otro single en Mercury y tocar, de vez en cuando, en algunos buenos clubs de rhythm & blues. Pero como la mayoría de los adolescentes de su época, Doug se quedó prendado del rock & roll emergente y fundó su propia banda del género, The Knights, que no tuvo mucho éxito. Luego se enroló en Los Pharaohs y en el grupo de du-duá The Dell-Kings, que corrieron la misma suerte. Aun así sirvió para que una de las nuevas lumbreras del rockabilly, Jimmy Dee, se fijara en él y le incluyera en su banda de apoyo como guitarra solista, a pesar de que el chico solo tenía 17 años. De Dee pasó a la banda de Freddy Fender, y de la de Fender a la de Roy Head, Los Traits, en 1959. Pero el rockabilly pasó de moda al final de la década y Sahm, aun un chaval, volvió al rock & roll más pausado, grabando un single en solitario que se dedicó a promocionar personalmente por todo el país. No le acompañó el éxito, pero esos viajes fueron para él una experiencia inolvidable. A su vuelta formó el grupo The Markeys, mezcla de doo-wop y rockabilly (no confundir con Los Mar-Keys, grupo de rock & roll de estudio del sello Stax de Memphis entre 1958 y 1971, en el que estuvo Booker T. y que antes se había llamado The Royal Spades) pero la llegada y triunfo del mersey beat británico en los primeros años 60 le afectó especialmente y, junto a su amigo de la infancia Augie Meyer, el cual había empezado a tocar en piano en una banda de rock & roll para compensar la inmovilidad a la que la polio le tenía condenado, y unos colegas hispanos (entre los que estaba el valioso multi-instrumentista Frank Morin), formó la banda Sir Douglas Quintet, juntando los grupos de ambos, los Markeys y los Goldens. Muy influidos en un principio por los preceptos del pop más beatleiano sus raices country y cajún se fueron imponiendo poco a poco, lo que sumado a la nueva aportación tex-mex de sus nuevos compañeros dieron al grupo su peculiar e inigualable sonido. Triunfaron pronto con "She´s about a mover" (1965), número uno en Tejas y entre las 20 primeras a nivel nacional, pero por desgracia sorprendieron a Sahm con una buena cantidad de marihuana en el aeropuerto y eso allí es un pecado muy gordo, por lo que decidieron disolverse en espera de que se olvidase su desliz. Sahm se fue a California y formó la Honky Blues Band, pero pronto reclamó a su lado al resto del Quintet, ahora muy influidos por el sonido San Francisco, algo hippy, que por desgracia hizo que abandonaran el contrabajo en beneficio del bajo eléctrico, y que derivaran lentamente hacía la psicodelia y el nuevo jazz. Afortunadamente a finales de la década olvidaron esas modas y se acercaron nuevamente a las raices del rock & roll, incorporando ahora mucho doo-wop y swing y obteniendo un éxito mundial con su álbum "Mendocino" (1968), muestra de todas esas influencias pasadas. Tras incorporar al grupo a John York (músico del gran Johnny Rivers) y a Harvey Kagan, girarían su estilo hacia el western-swing y el blues, pero cuando Sahm y Meyer mostraron cierta predisposición a actuar sin sus compañeros, formando comandita, el grupo se disolvió en 1972. Mientras el resto de los chicos (incluido Meyer) formaron el sucedaneo llamado simplemente The Quintet, Sahm lideró la efímera Doug Sahm & Band, un super-grupo en el que estaban nada menos que Bob Dylan, Dr. Hook y el Flaco Jiménez, aunque en 1980 se reunirían los Sir Douglas Quintet brevemente para una gira concreta. A mediados de la década Sahm (que paralelamente había empezado a actuar en algunas películas) y Meyer harían un dúo que triunfaría en Suecia con el single "Meet me in Stockolm" (1983), pero al poco romperían esa asociación también. Tras un accidente de coche del que se salvó de milagro, Sahm formó otra banda junto a Amos Garrett (ex-músico de Los Dirty Shames y del dúo Ian & Sylvia) que salió de gira por Canadá durante algúnos años. Luego, se asoció con Jiménez para formar la banda de rhythm & blues Antone´s Texas R&B Revue, ya en 1989. Poco después ambos contactarían con su viejo amigo Fender para formar Los Texas Tornados, grupo tex-mex de éxito hasta que se disolvió en 1994. Entonces Sahm refundo los Sir Douglas Quintet poniendo a sus hijos en lugar de a sus viejos compañeros, aunque ahora haciendo un rock más duro. Quizá fue eso lo que le provocó un infarto mientras dormía en el año 1999, con solo 58 años de edad. Del resto de los viejos Quintet, Meyer fundó un sello propio en el que edita sus propias canciones y de vez en cuando sale de gira para promocionarlas, Kagan sobrevive gracias a un modesto conjunto que toca en bodas y otros eventos sociales llamada The Oh So Good Band, York se fue a Los Byrds y luego a una irregular carrera en solitario y Morin se metió a productor y compositor de canciones para películas. Músicos: Doug Sahm (voz y guitarra), Augie Meyer (teclados), Jack Barber (bajo y contrabajo), Frank Morin (saxo, trompeta y teclados), Johnny Pérez, Ernie Durawa, T.J. Ritterbach y Sandom Sahm (batería), Harvey Kagan, Jim Stallings, Shawn Sahm (bajo), Tom Nay, David Broomberg y Amos Garrett (guitarra), John York (guitarra y bajo) y Angela Strehli (voz).
Los hermanos californianos Sanders (Roly y Gerald) y su primo Jesse, tenían poco que hacer en su pequeña localidad, excepto oir rock & roll, perseguir chicas y marchar a las cercanas playas a hacer surf los fines de semana. Fue en uno de estos momentos de ocio cuando empezaron a escuchar los incipientes comienzos de un nuevo sub-género musical, la surf music, de la mano principalmente del heroe local Dick Dale. Entusiasmados por este nuevo ritmo, tan adecuado a su modo de vida, decidieron formar una banda a la que pusieron de nombre Los Tornadoes. Reclutaron a sus amigos George White y Leonard Delaney para completar la formación y empezaron a ensayar con ahinco, algo que les hacía falta aunque los padres de los Sanders les habían enseñado a tocar la guitarra y la mandolina. Pronto consiguieron algunas actuaciones, gracias al increible auge que el surf estaba experimentando a principios de los años 60, convirtiéndose en una de las bandas más populares entre aquella sub-cultura playera. Su música, como toda la surf de entonces, era instrumental, e insistía quizá más que otros grupos en imitar los sonidos del mar. Es por ello que cuando los de discos Aertaun deciden editarles el single "Bustin´ surfboards" (1962), ya pudiendo disponer de efectos sonoros, deciden iniciar la canción con un prólogo de olas rompiendo en la orilla, que continua de fondo durante toda la canción. Fue todo un acierto pues lo que quizá habría pasado desapercibido como un tema más del género, a pesar de su calidad, se convirtió en todo un éxito entre los surfers ya que solo oyéndolo daba la sensación de estar en la playa. Fue la primera canción surf en radiarse a nivel nacional, solo circunscrito el género hasta entonces al ámbito californiano, dando a conocer su cultura y su música al resto del país y al mundo, y pronto se verían haciendo de teloneros de las nuevas estrellas del género, Los Beach Boys y Jan & Dean. Les editaron un álbum pero su siguiente single, "Shootin´ beavers" (1963), fue vetado en todas las emisoras (significa literalmente "disparando a los castores", solo que en el argot de entonces un castor es también un tipo que trabaja mucho. Una graciosa contraposición al modo de vida gandul de los surferos) provocándoles el fracaso comercial y la ruina, tanto a ellos como a la discográfica. Para rematar su suerte se vieron obligados a cambiarse el nombre, pues por entonces empezaba a triunfar la banda instrumental The Tornados gracias a su tema "Telstar" y estos tenían más poder legal (o sea, traducido a la justicia norteamericana, más dinero). Eligieron llamarse ahora The Hollywood Tornadoes, incorporaron la voz de Delaney, pero su gran momento había pasado mientras tanto y la llegada de los grupos del beat británico terminó de rematarlos. Se vieron obligados a volver a tocar solo en garitos de música surf, cada vez más escasos en California ante la conversión en masa de sus adeptos a los encantos del ácido lisérgico y otras costumbres hippys. Antes de intentar adaptarse a unos tiempos que no les gustaban decidieron separarse con dignidad y sin enfados. Roly puso una tienda de música, dio clases y empezó a estudiar para piloto, Jesse trabajó en el registro de la propiedad y Delaney se dedicó a la terapia familiar (un gran negocio en EE.UU.). Cosas de la vida y del tener hijos, ahora los castores eran ellos. Sin embargo cierto revivalismo surf de finales de los años 80 les reclamaba como unos de sus pioneros y los del sello Sundazed decidieron reeditar su primer y único álbum y se les llamó para un gran concierto nostálgico del género (ya volviéndose a llamar simplemente Tornadoes) junto a Jan & Dean, The Kingsmen y Dick Dale. Todo ello hizo recordar de su existencia a Quentin Tarantino, el cual incluyó su "Bustin´ surfboards" en su película "Pulp fiction" (1994), dándoles el empujón mundial definitivo. Se les reclamó para más y mejores conciertos nostálgicos, grabaron algunos temas nuevos y se les trajo incluso a Europa. Sin embargo, en plena resurrección profesional, White decició dejar la música de forma definitiva, al fin y al cabo ya tenía familia e incluso era abuelo. Tras algunos sustitutos ocasionales se fichó a Joe Willenbring, de Los Lively Ones, pero poco después fue Roly el que dejó la banda para recorrer el mundo como piloto de avioneta. Aquello fue el golpe definitivo y los Tornadoes decidieron separarse poco después, ahora si de forma definitiva, para disfrutar de su bien merecida jubilación en las playas de California. Músicos: Norman "Roly" Sanders (guitarra, armónica, mandolina y banjo), Gerald Sanders y Eddie Rea (bajo), Leonard Delaney (batería), Jesse Sanders (guitarra rítmica), George White y Ernie Tavizon (saxo), Joe Willenbring (saxo, piano y trompeta) y Mike Gooch (guitarra).
El joven rocker Johnny Fox (nada que ver con el líder de grupos de rockabilly como The Hunters o The Invaders), dejó su Manchester natal en 1964 huyendo del acoso al que policia y autoridades tenían sometidos a rockers y teddy boys por los recientes disturbios que habían protagonizado en Inglaterra. Se montó en su moto y enfiló la costa al norte de Londres sin un destino realmente fijo. Al pasar a la altura de una localidad de playa descubrió un bar de carretera lleno de rockers, motos y rock & roll llamado el Hawaianan Eye, y decidió quedarse allí para siempre. Trabó gran amistad con otro rocker local, Ray Firth, y junto a otros amigos decidieron formar la banda de skiffle, de no muy original nombre, Johnny & the Blue Cats, ya en 1970. No tuvieron mucho éxito fuera de las fiestas privadas y decidieron finalmente disolverse. Pero los dos amigos no iban a rendirse tan pronto así que contactaron con Reg Scargall, un tipo que había tocado con ellos en alguna ocasión y formaron The Riot Rockers, nombre que anunciaba ciertas actitudes pero que también llevaba añadida cierta carga irónica contra todos aquellos que tanto miedo les tenían (Los Rockeros Alborotadores). Tras unos fracasados intentos por incorporar pianista (este prefirió dedicarse finalmente al arte y hoy es un reputado pintor) y batería, el grupo se quedó inicialmente en trío, haciéndose cargo Fox de la batería a la vez que cantaba. Lo que era simplemente una incomodidad se convirtió en un serio problema cuando Johnny se destrozó un dedo mientras tocaba la tabla de lavar (cosas del skiffle), lesionándose irremediablemente para la percusión y pasándose al saxo. Se probó con varios baterías hasta que, ya en 1975, se incorporó al joven Paul Whittingham, un teddy boy lleno de ideas y de entusiasmo que les hizo evolucionar su estilo hacía lo que ellos llamaron skifflebilly, que no es más que un rockabilly que homenajea a ese peculiar proto-rock & roll británico y a su adorado Crazy Cavan y su ritmo loco y machacón (con Cavan salió a cantar Fox invitado un par de veces). Ahora si empezaron a conseguir bastantes actuaciones y pronto cobraron fama a nivel nacional, saliendo incluso a Dinamarca y Holanda con gran éxito de crítica y público. Los de discos Rockhouse les editaron un primer álbum, "The Riot Rockers" (1977), que tuvo más repercusión en la prensa por motivos sociales que por los estrictamente musicales ya que se temía una resurrección del movimiento teddy boy merced al proselitismo que de él hacían en el disco, lo cual no hizo más que agravarse con su siguiente disco, "Teddy Boy´s rock & roll". Fueron elegidos para telonear al rey del skiffle, Lonnie Donegan, en una memorable actuación en el Liceo de Londres, y más tarde a gente como Warren Smith y el propio Cavan. Sin embargo el éxito no traspasó las fronteras británicas y poco a poco, ni siquiera las del movimiento teddy. Esto desesperó a los componentes que fueron abandonando la formación, yéndose dos de ellos, incluido Firth, a formar la banda de country y rockabilly The BarRoom Stompers (poco después Firth se iría a los Wild Angels de Wild Bob Burgos), y los otros dos a formar The Prowlers, hasta dejar solo a Fox. Este fichó a nuevos miembros y se autoeditó el disco en directo "Live & Rockin´" (1987), que al menos sirvió para que se supiese que aun existían y fuesen contratados a muchos festivales, incluidos los de España. Siguieron tocando con bastante altibajos, siendo su peor momento el disco "Back with a vengeance" (1995), con un sonido tan espantoso que parece que la venganza del título va dirigida a nosotros, que no les hemos hecho nada. A principios del siglo XXI, precisamente tras una gira por España, los problemas entre sus componentes se agravaron cuando el guitarrista les dejó colgados. El enfado entre sus componentes fue tal que decidieron deshacer la banda. Desde entonces Fox ha estado tocando en solitario, acompañado la mayoría de las veces por la banda local residente, al igual que hace Firth actualmente. Whittingham, por su parte, se casó con Little Tina, la que fuera cantante de Los Sunsets (si, los de Shakin´ Stevens), incorporándose a su última banda, Flight 56.
Músicos: Johnny Fox (voz, batería, tabla de lavar y saxo), Ray Firth y "Rocking" Rub Thomas (guitarra), John "Reg" Scargall y Andy Clough (bajo), Alf Ludlam (piano), John Cheeseman (contrabajo y batería), Paul Whittingham, John Coulson y Simon Coppin (batería) y Paul Gregory (contrabajo).
Stanley George Miller nació en California, Estados Unidos, y su padre era un animador de Disney, del cual heredó el talento y su afición por el dibujo. Pero tras la separación de sus progenitores se fue con su madre y sus hermanos a Detroit, ciudad industrial que habría de marcar la la vida y carrera profesional del pequeño, como veremos. Ya en el colegio empezaron a llamarle Mouse (Ratón), puesto que era su firma personal dibujar este animal, y ese mote adoptaría como apellido profesional para el resto de sus días. No paraba de dibujar, muy influido por los tebeos y por los bocetos profesionales de su padre, pero pronto desarrolló un estilo propio, a medio camino entre el infantilismo de Disney y la nueva ola del género de terror, viendo el arte pronto como un medio para alegrar el mundo con sus colores y formas. Se entregó a esta creencia con tal entusiasmo que le expulsaron del instituto por repintar a su gusto una noche la fachada del restaurante frente al colegio. Quizá esto fuera para bien pues así completó sus estudios en la Escuela de Artes y Oficios, depurando su técnica, hasta entonces completamente autodidáctica. Los años 50 vieron la aparición de jóvenes rockers conduciendo motos y coches trucados o hot-rods, con el rock & roll en la radio sonando a todo volumen, y este movimiento fue especialmente fuerte en Detroit, conocida como la ciudad del motor por la gran cantidad de automóviles y repuestos que producía para el mundo entero. Stanley se inmiscuyó en este mundo, pero más que los customizados coches en si, le atraía el afán de sus dueños por decorarlos y pintarlos de formas llamativas. Rapidamente se puso a decorar algunas camisetas de amigos, pasando luego a los autos, usando las típicas calaveras, dados y pin-ups del movimiento, quizá por cierta influencia del artista californiano Rick Griffin, pero pronto introdujo elementos propios que con el tiempo habrían de ser básicos, no solo del estilo artístico weirdo hot-rod, sino de todo el mundo rocker, me estoy refiriendo a las llamas. Así es, Mouse empezó a pintarlas en aerógrafo como si saliesen del motor, luego de las ruedas o de cualquier sitio, para pasar luego a estamparlas en camisetas o cualquier prenda que le pidiesen. En 1959 ya había montado su propia empresa de venta por catálogo de vestuario y piezas de carrocería ilustradas con sus famosas llamas, a las que poco a poco incorporó todo tipo de monstruos. El negocio le fue bien, derivando su dibujo hacia el estilo underground, hasta el punto que, en 1964, le ficharon los de una empresa de maquetas a escala para diseñar unos monstruos a incluir entre sus modelos que pudieran hacer la competencia a la Rata Fink, el bichejo de Ed Roth que estaba triunfando en el mundo del diseño californiano y que, según Mouse, estaba basado en su ratón-firma de una vez que se conocieron y colaboraron brevemente. No lo consiguió, en parte porque la creación de Roth era mejor y en parte porque se marchó a California a estudiar el ambiente sobre el terreno en plena época hippy. Allí se metió en una comuna llamada, tal y como el ácido les dictó, La Pandilla del Salón del Perro Rojo, rebautizada luego, conforme dejaban de limpiar y de lavarse, simplemente como La Familia Perro. Empezaron a organizar bailes y conciertos de rock, que repentinamente se hicieron muy importantes cuando el productor Chet Helms, amigo de Janis Joplin, entró en la comuna, atraido por las drogas, las orgias y las matas de pelos en los sobacos femeninos. Helms fundó pronto su propia discográfica y se convirtió en organizador del mítico festival de Monterrey, mientras que Mouse y su colega Alton Kelley, antiguo gurú del clan, se dedicaban a hacer los posters publicitarios, verdaderas obras maestras pioneras del estilo psicodélico. Ambos se asociaron luego con otros artistas del estilo, Wes Wilson, el español Victor Moscoso y el propio Griffin, para formar una compañía de distribución y creación de sus obras llamada Berkeley Bonaparte. La empresa de venta de Detroit, gracias a sus padres y hermanos, aun no se había ido a la ruina y Stanley la rescató ampliándola con la aportación de Kelley, llamándose ahora Mouse Studios & the Monster Company, para dedicarse a hacer portadas de discos. Tras algún gran logro (ahí quedan las portadas más psicodélicas de Grateful Dead) y una vuelta a la cultura hot-rod, la empresa entró en bancarrota cuando un nuevamente aburguesado Helms prescindió de sus servicios para posters y carátulas pues ya tenía quién le llevaba la marihuana directamente a su palacio. Su trabajo de todas formas influyó grandemente en toda la obra posterior de los estilos psicodélico y underground que todavía habría de ocupar buena parte del estilismo de los últimos años 60 y primeros 70. Mouse se fue entonces a las comunidades hippies de Londres, Massachussets y Canadá, que todavía guardaban cierto porrismo, montando una mezcla de tienda de camas de agua con galería de arte. Tenía que estar divertido pero desde luego como negociazo no, así que volvió a California a retomar su asociación con Kelley ya en 1971. Consiguieron algunos buenos trabajos para el grupo Journey y, sobre todo, para Grateful Dead de nuevo, siendo ellos los diseñadores de su pseudo-logotipo del esqueleto con las rosas. Cuando la asociación se rompió en 1980, Mouse se trasladó a Nuevo Méjico donde su estilo se volvió más elegante y refinado. Pero en plena evolución enfermó gravamente requiriendo con urgencia un transplante de hígado. Sus amigos los Grateful Dead hicieron un concierto benéfico para conseguirle uno. Le salvaron la vida, pero terror me da un país donde consigue un hígado quién más dinero pone, sin listas de espera ni justicia social (porque está bien ser hippy, pero cuando te toca a ti...). Pero bueno, nos ha dado el rock & roll, que es de lo que trata este blog. Desde aquello Mouse se trasladó a California nuevamente, donde regenta una galería-museo y donde ha retomado con entusiasmo, por petición popular, sus viejos diseños hot-rod. De sus amigos, Kelley siguió haciendo portadas y posters hasta que el cáncer se lo llevó al eterno viaje en el año 2008, y Helms prosperó con sus Family Dog Productions (Producciones Familia Perro, no olvidéis sus orígenes) pero una hepatitis C se lo llevó a la tumba en el año 2005 con solo 62 años de edad.
Algunas obras de Mouse entre las variadas de los eventos organizados por la Familia Perro.
Tras el nacimiento del rock & roll uno de los primeros paises a donde se extendió fue a Cuba, algo lógico si tenemos en cuenta que en los años 50 la isla no era más que un títere del gobierno y la mafia estadounidense, a la que había colonizado económica y socialmente. Antes de que Fidel llegara para solucionarlo, fueron muchos los jóvenes cubanos que pudieron conocer el rock casi de primera mano, formando algunas agrupaciones para tocar en clubs y hoteles, mayoritariamente frecuentados por yanquis, entre ellas destacan las orquestas de los hermanos Castro, los Aragón y la Sonora Matancera. Dos de estos nuevos aficionados fueron los hermanos Llopis, Manuel (al que todos llamaban Ñolo) y Francisco, que emigraron a Estados Unidos, oficialmente para completar sus estudios de ingeniería pero con la secreta intención también de conocer de primera mano el desenvolvimiento del rock desde sus orígenes. Francisco aprendió a tocar la steel guitar y para cuando volvieron a Cuba disponían ya de un buen repertorio proto-rockero con el que asombrar a familiares y amigos, aunque nunca perdieron el ritmo caribeño tan caro a su país. Su estilo llegó a oidos del músico Ñico Rojas, que les aconsejó que incorporaran más instrumentos si querían vivir de la música, presentándoles al pianista Felipe Dulzaides y al saxofonista Leandro Torres. Bautizándose con el no muy elaborado nombre de Cuarteto Llopis-Dulzaides, se dedicaron a tocar en salas de baile con gran éxito, incorporando algún tema de rock de Bill Haley principalmente, entre los cha-cha-chás y boleros, que era lo que más pedía el público. Cuando el r´n´r se va abriendo camino en su repertorio, Dulzaides, que era más amante del jazz, decide dejar el grupo en 1956 para formar su propio combo, Los Armónicos. Fichan entonces al simpático gigantón Manolo Vega como cantante, el cual ya había ganado un concurso nacional, empezando ya a parecer una verdadera banda de rock and roll a pesar de lo exigüo de su instrumentación. Los Llopis, como ahora se llaman, fueron llamados a la radio y televisión, llamando pronto la atención del gran público y siendo en seguida considerados como pioneros del rock & roll cubano. Les ficharon los del sello Meca, que cobardemente el primer disco que les editan es de boleros, destacando el single "No pidas más perdón" (1958), para decepción de sus más inteligentes seguidores a pesar de que Francisco tuvo el acierto de ponerle los ritmos hawaianos tan característicos de su steel guitar. Rebelándose contra esta ceguera deciden grabar un álbum de versiones de rock & roll estadounidense, generalmente de Haley y Elvis, pero en castellano, y así es como nacen "No seas cruel" ("Don´t be cruel"), "Al compás del reloj" ("Rock around the clock") o la fabulosa "Estremécete" ("All shook up"), obras pioneras del rock en español. Es tal su éxito que pronto son reclamados de Méjico (donde se establecen cuando triunfa la Revolución Cubana) y fichan por la discográfica Peerless, la cual estupidamente se empeña en editarles un disco de boleros. Afortunadamente, la presión de la juventud requirió más temas de rocanrol y así es como nace el mítico álbum "Rockabilidad" (1959). A pesar de que, como podeis suponer, el rockabilly inunda ese vinilo es el único tema fuera del genero, el horrible "La pachanga", el que produce eco en España y se les ficha aquí por medio del sello Zafiro. Regraban viejos temas y triunfan en nuestro país con "La puerta verde" (versión del "Green door") y con su remozado "Estremécete" (1960), que llega al número uno de las listas. Inician giras por Europa, Sudámerica y Estados Unidos, quedándose cada vez más tiempo en este país, incorporándose algunos de ellos a la colonia de ratas del exilio de Miami. Durante esta época se rumoreó que el avión en el que viajaban había desaparecido en el Triángulo de las Bermudas, misterio entonces de moda, pero era un bulo no sabemos si mal-intencionado o publicitario. En los primeros años 60 hicieron bastante twist y high school, pero los ritmos latinos, que volvían a estar de moda hicieron grave daño a su música poco a poco, hasta que finalmente decidieron separarse. Torres falleció de un infarto en Miami en el año 2005 pero el resto siguen vivos y radicados en California o Florida, aunque separados musicalmente (salvo conciertos concretos). Vega ha sacado un horrible disco en solitario de viejos éxitos mezclado con música latina y Francisco Llopis tiene una orquesta en Los Ángeles, también de esta musica ramplona e inaguantable. Músicos: Manolo Vega (voz), Manuel "Ñolo" Llopis (guitarra), Francisco "Frank" Llopis (steel guitar) y Leandro "Leo" Torres (saxo, piano y acordeón).
Nacido en el norteamericano estado de Nueva Jersey, Francis Stephen Castelluccio era hijo de unos humildes emigrantes italianos. Ya en su adolescencia tuvo que ponerse a trabajar como ayudante en la barbería que regentaba su padre, pero su verdadero sueño era llegar a ser un cantante famoso como Frank Sinatra, al cual su madre le había llevado a ver actuar con gran sacrificio para la economía familiar. Pero su voz no se parecía en nada a la de su tocayo, él tenía un peculiar falsete que no parecía muy acto para un crooner serio. Por fortuna para él, unos jóvenes paisanos, los hermanos DeVito y Nick Macioci (este, veterano de varios grupos vocales), habían formado un grupo de rhythm & blues, The Variety Trio, y como necesitaban su tono de voz para un anuncio radiofónico que tenían que grabar, decidieron ficharle en 1951. Pero la guerra de Corea reclamó a Macioci, por lo que el resto decidió disolverse, así que Frankie y Tommy DeVito se incorporaron a una banda de boogie-woogie y swing que tocaba de forma permanente en un local de una ciudad vecina. Allí les oyó la cantante country Jean Valley, que confiando en el talento de Frankie decidió tomarlo bajo su protección para encauzar su carrera. Pronto consiguió que grabase un single, "My mother´s eyes" (1953), en el que, agradecido, tomó el apellido artístico de su mentora y apareció acreditado pues como Frankie Valley. Luego editaron "Somebody else took her home" (1954), acreditados como The Travelers, pero como ambos discos fueron un pequeño fracaso, Frankie, Tommy y tres amigos más, formaron un nuevo grupo, esta vez de rock & roll muy influido por el doo-wop, por los musicales de Broadway y por las canciones románticas italianas, llamado The Variatones, con el que consiguieron un trabajo como banda de apoyo para una nueva cantante que querían lanzar los de la todopoderosa discográfica RCA. Haciéndole esas pruebas a la chica lo que los directivos vieron no fue a ella sino al portentoso conjunto de detrás, llevándoselos a Nueva York con un contrato firmado. Lo primero que hicieron fue cambiarles el nombre a The Four Loves y editarles el rockero y burlesque single "You´re the apple of my eye" (1956), que se metió en las listas de éxitos y les valió una aparición en el entonces prestigioso show televisivo de Ed Sullivan. Aunque pueda parecernos un acierto no lo fue tanto si tenemos en cuenta que eligieron esa canción en vez de otra disponible, "Don´t be cruel", que fue una de las que llevarían a la inmortalidad a Elvis solo unas semanas después. Además pronto coparon el mercado con demasiados discos de versiones en muy poco tiempo y tras "Shake a hand" (1957) ya estaban de capa caida, por lo que RCA rescindió el contrato. Aunque probaron suerte en discos Epic con "Pucker up" (1958), esta no les acompañó y Nickie DeVito y otro compañero dejaron el grupo, entrando como sustituto su viejo amigo Macioci (que ahora se hacía llamar Massi), una vez licenciado del ejército. Pero este, indeciso entre a que dedicarse profesionalmente, pues tenía múltiples talentos (era buen pintor y maestro del billar), entraba y salía del conjunto, dando lugar a la incorporación temporera del acordeón de Charles Calello, perdiendo bastante fuerza rockera sus composiciones cuando él estaba (además, él mismo cambio el slap del contrabajo por el horrible sonido del bajo eléctrico). Los cambios se fueron sucediendo, entrando finalmente Bob Gaudio, procedente de los exitosos Royal Teens, pero no parecían asentarse realmente en un conjunto definido. Así, Frankie editó singles firmados con grafía diferente (Frankie Valley, Frankie Tyler, Frankie Nolan, Eric Anthony o Frankie Vally), DeVito, Valli y a veces Massi aparecieron como The Romans, grabando "Come si bella" (1959), Gaudio apareció en ocasiones bajo los pseudónimos Turner Disentri o Alex Alda, y el resto de los chicos, en diferentes combinaciones bajo nombres como The Village Voices, Billy Dixon & the Topics, The Travellers, The Topix o Harold Miller & the Rays o Frankie Love & the Four Lovers. Esto era, evidendentemente, un caos, y el talento de los muchachos, sobre todo la increible voz de Valli, parecían diluirse en estos fracasados experimentos. Así que decidieron volver a unir fuerzas, pero ahora haciéndose llamar The 4 Seasons, alfabetizado algún tiempo después a The Four Seasons. Giraron ahora su estilo hacía un du-duá italiano que no dudaba en usar amplio apoyo instrumental de rock & roll, aunque muchos de sus principales temas fueran baladas. Tras un horrible single llamado "Bermuda" (1961) en el sello Gone, ficharon por discos Vee Jay, donde finalmente dieron en el clavo con la improvisada composición de Gaudio en honor a Jackie Kennedy "Sherry" (1962), que llegó al número uno de las listas nacionales y vendió más de un millón de copias. Se mantuvieron en la cima con las obras maestras, también de Gaudio, "Big girls don´t cry" y "Walk like a man", ambas números uno que les convirtieron en el mejor grupo, con diferencia, del año 1962 y les aseguraron un puesto en la inmortalidad del rock and roll (era también la primera vez que un mismo grupo copaba el número uno con tres canciones consecutivas). Para entonces la voz en falsete de Frankie ya era la protagonista absoluta de las canciones y se les decidió rebautizar como Frankie Valli & the Four Seasons. Con este nuevo nombre triunfaron nuevamente con "Candy girl" (1963), que llegó al número 3 pero que ya se empezaba a alejar alarmantemente de los parámetros del rock & roll para acercarse al chicle pop, y en menor medida con la sensacional "Stay" (1964). Por problemas con la discográfica pasaron a Phillips y fueron de las pocas bandas que aguantaron el empuje del mersey beat británico, de hecho, en plena tiranía de Los Beatles, consiguieron colar más números uno, como "Rag doll" o "Dawn (go away)", ya bastante virado hacía el estilo de estos. Es significativo al respecto que se editara un raro álbum conjunto con los de Liverpool titulado "Los Beatles contra Los Four Seasons: La batalla internacional del siglo", hoy todo un tesoro perdido para los coleccionistas. Tras su versión del "Since I don´t have you" (1965), Massi deja entonces el grupo definitivamente para dedicarse a la pintura, y también lo hace Calello poco después para meterse a productor (e intentar una breve y mediocre carrera como solista). Son sustituidos por Joe Long, un bajista de formación clásica pero procedente del grupo de rock & roll The Jersey Boys y llega. Ahora la competencia se multiplica por todos lados (folk, soul, pop, psicodelía...) pero los chicos están decididos a hacerle frente con valor. Cogiendo al toro por los cuernos se acreditán bajo diferentes nombres para abordar todos esos estilos: Sheriff Ramb, The Valli Boys,... pero sobre todo con el misterioso y humorístico nombre de The Wonder Who? (¿Los Maravillosos Quién?) haciendo versiones rockeras y medio en broma de algunos temas de esos estilos, principalmente del folk de Bob Dylan. Les fue aceptablemente bien así pero ellos decidieron seguir también con Los Four Seasons, con o sin Valli, que había iniciado una carrera en solitario (o acreditándose como Johnny Halo, cuando cantaba las canciones de sus ex-compañeros), pero que siempre contó con sus amigos para hacerles los coros o como banda de apoyo. Podemos destacar de esta época, de cualquiera de las variantes del grupo, "Working my way back to you" (1966), que se ha conservado mejor como himno de pubs británicos, la impresionante balada "Can´t take my eyes off you" (1967), un clásico desde el mismo momento de su estreno, su versión del "Will you love me tomorrow" (1968), "And that reminds me" (1969) y, en menor medida, "Patch of blue" (1970). Pero ficharon por discos Motown, un sello bailable que no parecía encajar con ellos, y viéndoselas venir -y también por su difícil personalidad- Tommy dejó entonces el grupo, marchándose a formar un grupo de rock & roll que tocase por clubs y boleras, tal y como hacía en los años 50, mientras que Gaudio también se apartó un tanto. Ahora solo quedaba como miembro original Valli, y los de Motown, siempre intentando inculcar su peculiar sonido como marca de fábrica, les fastidió el estilo, pues ni los remozados Four Seasons tenían que ver con esto y sus discos aquí fracasaron de forma patética, quedando algunos sin ni siquiera distribuir. Valli, algo avergonzado, intentó comprar los derechos de todas esas canciones para enterrarlas para siempre, y ello dio lugar a algunas discusiones con sus nuevos compañeros que degeneró en la salida del grupo de Frankie. De forma sorprendente esta separación fue provechosa para todos menos para los amantes de la buena música pues tanto Valli (sobreponiéndose a una sordera galopante) como los nuevos Four Seasons se pasaron con éxito al funky de moda y consiguieron llegar a lo más alto de las listas musicales de los años 70. Muy superior a la media es, no obstante, "December 1963" (1975). Valli fue entonces reclamado por sus almas gemelas los Bee Gees (misma ideología de "no seas zoquete / canta en falsete" y misma traición a sus principios pasándose a la música disco) para colaborar en la banda sonora de la película "Grease" (1978). Aunque el tema de Valli era el peor de un film lleno de buen rock & roll, fue el que más triunfó, llegando al número uno de las listas. Pero la tragedía golpeó brutalmente a Valli en 1980, perdiendo a una hija de sobredosis y a la otra al caerse por unas escaleras de incendios. Tras una profunda depresión, intentó recuperar a los originales Four Seasons, aunque solo lo consiguió de forma permanente con Gaudio, entrando a cambio Don Ciccone, el solista de Los Critters, e incluso Jerry Corbetta, de Disco-Tex & the Sex-O-Lettes, antes Sugarloaf. Solo ha de destacarse desde entonces una colaboración con los Beach Boys (fichando de paso a su efímero integrante Adrian Baker) -el funk ya había pasado de moda, gracias a Dios-, un musical de sus canciones más famosas, un disco de duetos de Valli y alguna gira más o menos multitudinaria. Sus ventas de discos se circunscriben tan solo a sus recopilatorios, pero ellos siguen tocando con la moral que siempre les ha caracterizado, con Valli casi como único miembro fijo. Por el camino, Ciccone se fue a Tommy James & the Shondells, Corbetta a Classic Rock All Stars, Baker formó Papa-Doo-Run Run, Tommy escribió una autobiografía, Long formó el grupo de rock & roll LaBrascio y luego el de jazz Jersey Bounce, Calello produjo a gente como Sinatra, Springsteen, Ray Charles o Roberto Carlos, además de dirigir ahora una orquesta sinfónica, Massi murió víctima del cáncer en el año 2000, y Gaudio compuso para gente como The Tremeloes, Frank y Nancy Sinatra, Michael Jackson, Neil Diamond o Diana Ross, además de producir musicales como el "Peggy Sue got married" (2001) en Londres. En el año 2014 el gran Clint Eastwood produjó y dirigió una película sobre Los Four Seasons: "Jersey boys". Músicos: Frankie Valli (barítono, contrabajo y batería), Tommy DeVito y Don Ciccone (tenor y guitarra), Nick "Messi" Macioci y Nickie DeVito (bajo y voz bajo), Joe "Long" LaBrascio (voz bajo, bajo y guitarra rítmica), Frank Cattone (acordeón), Billy Thompson, Gary Volpe, Paul Wilson, Gerry Polci, Zoro, Paulino DaCosta y Lynn Hamman (batería), Charles Calello (acordeón y bajo), Bob Gaudio (2º tenor, piano y guitarra), Jerry Corbetta (tenor y teclados), Chuck Wilson, Steve Gregory y Tommy Alvarado (saxo), Adrian Baker (barítono y guitarra), Bob Grimm, Demetri Callas, Clay Jordan, Vince Colaiuta, Fino Roverato, Matt Baldoni y Gary Melvin (guitarra), Al Ruzicka, Lee Shapiro, Robbie Robinson, Tim Stone, Rich Callaci y Howard Laravea (teclados), Billy DeLoach (teclados y guitarra), John Paiva, Rex Robinson, Keith Hubacher y Joseph Steffanelli (bajo), Larry Lingle (guitarra rítmica), Warren Hamm (teclados, flauta, saxo y armónica) y Robin Swenson (piano).
A principios de los años 50 algunas ciudades de la costa este de Estados Unidos crearon centros sociales juveniles con el fin de alejar a los adolescentes de la delincuencia que ya empezaba a asolar sus calles. Había deportes, bibliotecas y salas de baile y canto, todo ellos levantado con fondos privados claro, ya sabemos que allí el estado se ocupa poco. En uno de estos lugares, en el estado de Rhode Island, se conocieron un grupo de chicos de los institutos vecinos, y eligieron como actividad principal el ponerse a cantar juntos rhythm & blues, haciéndose llamar The Parakeets. Pronto prefirieron cantar bajo los puentes o en las esquinas donde hubiera mejor eco, derivaron hacía el doo-wop que a duras penas podían escuchar en las limitadas emisoras locales, y, tras un cambio en la formación, decidieron rebautizarse como The Castaleers, que aunque os suene a Los Castañuelas (que tampoco estaría mal), es una derivación mal escrita de Los Castellanos. Para ayudarles a salir adelante en el mundo de la música pensaron inmediatamente en quién para ellos eran las personas que más sabían del negocio, los hermanos Muffs, propietarios de la tienda de discos del barrio. Por suerte para ellos no se equivocaron mucho pues los Muffs, además de aceptar ser sus managers, sabían tocar el piano y componer. Alquilaron un estudio en Boston y grabaron una maqueta de cuatro canciones que les colocaron a los del modesto sello Felsted, los cuales les editaron en seguida el single "Come back" (1957). No tuvo mucha repercusión y los chicos no pudieron dejar sus recién estrenados trabajos convencionales en pos de la música. De hecho, aunque les ofrecieron unirse a una gira por Canadá, no aceptaron porque cobrarían menos que en sus empleos. Tuvieron que conformarse con actuaciones de fin de semana en su estado, aunque lograron una actuación en la televisión local y telonear a Neil Sedaka. Sus dos siguientes singles en los dos años siguientes, aunque bastante mejores y más rockeros, tampoco tuvieron repercusión a nivel estatal y otro de sus miembros, Ron Henrries se desgajó del grupo para irse a la efímera banda Dipsy & the Doodles (Henrries terminaría como concejal de la ciudad). El sustituto era Joe Hill, un miembro de sus amigos y vecinos Los 5 Dukes, pero ahora los Castaleers sonaban muy diferente pues ya tres de sus cinco miembros tenían voz de barítono, incluido Hill, elegido nuevo solista. Mientras tanto los Muffs habían creado su propia discográfica, Planet, marca que debutó con el single de sus protegidos "That´s why I cry" (1960), que en la reedición subsiguiente apareció acreditado como de Joe Hill & the Castaleers. La pobre distribución hizo que, aunque bueno, el disco fracasara estrepitosamente y el grupo de disolviera, retirándose todos sus integrantes del mundo de la música. Siguieron con sus trabajos de fotógrafo, oficinista (Hill), artista o encuestador hasta que se jubilaron y todavía siguen todos con vida excepto su solista original, Richard Jones, que murió a temprana edad en los años 70. Sobrevivió al menos a Planet Records, que solo duró hasta 1964. Músicos: Richard Jones y Joe Hill (solista y barítono), Ron Henrries (tenor), George T. Smith Jr. y Buonaventura "Benny" Barros (barítono) y Dell Padgett (voz bajo).
Charles William Harris era un panadero que trabajaba sin descanso a las orillas del Támesis y que en su juventud descubrió y empezó a amar el rock and roll, cantando sin descanso en la panadería. No tenía mala voz para el género y sus compañeros, ya fuera para que triunfara en la vida o ya fuera para librarse de sus gorgoritos a horas tan intempestivas, le animaron a que se dedicara a ello de forma profesional. Como en su adolescencia había recibido clases de piano, consiguió un empleo tocándolo en la mítica cafetería 2i´s, lugar donde acudía la primera generación de éxito del rock & roll británico. Es así como Wee (Pequeñín), como le llamaban por su corta estatura se vió acompañando a gente de la talla de Tommy Steele. Cuando no había ninguna estrella a la que acompañar al piano, Wee daba rienda suelta a todo su gracia, sentido del espectáculo y a su salvajismo rockero sin limites, tirándose al suelo, rompiendo cosas o subiéndose encima del piano y de la barra. De entonces es de cuando data su estrafalaria costumbre de tintarse el pelo de colores chillones, rosa, verde o azul, y de llevar su legendario traje de troglodita. De forma sorprendente, pues ni había grabado ni era realmente nadie, se lo llevaron a un programa de televisión muy importante de la BBC. Wee hizo su show, lo que no sabía es que era una trampa que le mostraba como el resultado degenerado de la influencia del rock & roll sobre la juventud. No le importó un comino, no solo estaba un poco loco de verdad sino que además le sirvió como buena plataforma publicitaria, hasta el punto que fue fichado por el sello Decca. Su primer single, "Rockin´ at the 2i´s" (1957), era casi una improvisación rockera que pasó practicamente desapercibido, al igual que los siguientes, a pesar de que estos eran más cuidados y originales. No obstante, se convirtió en todo un personaje con frecuentes actuaciones televisivas. Todo el mundo quería ir a verlo, no solo por su música (ahora también tocaba el contrabajo), sino por su comportamiento, aunque más de uno se sentiría defraudado cuando empezó a aparcar sus disfraces y adoptar la estética teddy boy, movimiento al que pertenecía de siempre. Pero era verdad que ese entusiasmo no se transmitía en sus discos y eso se reflejaba en las ventas. Así las cosas se tuvo que emplear como músico de acompañamiento para las grandes estrellas norteamericanas que venían a Inglaterra, como es el caso de su colaboración con el gran Conway Twitty y, más adelante, con Screaming Lord Sutch (en este caso tal para cual). Aun así siguió tocando como solista, consiguiendo giras por Israel o los paises nórdicos (también vino a España en una ocasión), pero la verdad es que los años 60 fueron muy duros para él, viéndose relegado en ciertos momentos a pianista de sala de fiesta de algún crucero mediterraneo. Se le recuperó de ese triste destino en los años 70, gracias a que Ian Dury hizo una referencia a él en uno de sus discos (más tarde Wee se lo recompensaría en un álbum dedicado a Dury titulado "Twenty reasons to be cheerful", veinte razones para estar agradecido). Sin embargo sus nuevas grabaciones tampoco tendrían éxito y Pequeñín tuvo que esperar hasta la profusión de festivales de rockabilly de los años 90 para ser verdaderamente idolatrado por público más o menos numeroso. En el siglo XXI, grabó dos álbumes e hizo otra aparición televisiva antes de fallecer a los 90 años de edad. Músicos: Wee Willie Harris (voz, piano, contrabajo y guitarra) y los Alabama Slammers.
En un pueblo de Indiana llamado East Chicago (cerca de la ciudad de los gangsters y del viento homónima) un grupo de adolescentes, amigos y vecinos, decidieron formar un conjunto de rhythm & blues vocal, en 1953, llamado Los Drakes. El nucleo central lo formaban los hermanos Anderson, pero el alma y "su arma secreta", como ellos mismos decían, era Lincoln Mabins, el cual no solo cantaba y tocaba la trompeta, sino que bailaba y hacía el payaso, siendo desde el comienzo el centro de atención en las actuaciones a las que eran contratados. No obstante, el cerebro en la sombra era Tom Daniels, que era quién componía y el que buscaba las actuaciones, a pesar de que para eso se suponía que estaba el inútil manager que se habían buscado. Daniels tomó las riendas, normal teniendo en cuenta que era el mayor del grupo, que se había casado y dejado ya los estudios, y consiguió un contrato de grabación con discos United una vez que hubieron girado su estilo hacía el du-duá imperante. Sin embargo, a pesar de la calidad de lo que grabaron, ninguna de sus canciones fue editada. Esta actitud incomprensible de la discográfica les llevó de vuelta a actuaciones en los diversos clubs de la zona, algunos en Chicago Ciudad, pero que no eran, ni mucho menos, suficientes para ganarse la vida. Así las cosas, una vez que ya todos terminaron el instituto, se tuvieron que poner a trabajar en la acerería local. A veces, dependiendo de los turnos de trabajo, tenía alguno que ser sustituido en diversas actuaciones, lo que nos da idea de cuales eran sus pésimas condiciones para abrirse paso en la música. Así las cosas despidieron a su manager, se cambiaron el nombre a Los Dream Kings y se pasaron a discos Checker. Allí les hicieron más caso y grabaron, casi inmediatamente, el single "M.T.Y.L.T.T." (1957), una balada con un tema más rockero en la cara B (*). Pero entonces la tragedia se cebó con ellos cuando uno de los hermanos, Robert, se ahogó un día que se fue a nadar al Lago Michigan. Los chicos estaban destrozados y pensaron dejar la música, pero a un conocido pincha-discos local le gustó el disco y lo promocionó bastante, consiguiéndoles una actuación en un festival como teloneros de sus adorados Spaniels. Ficharon a un amigo para el evento e hicieron de tripas corazón. Sin embargo Checker no distribuyó bien su disco a pesar de la buena aceptación que tuvo a nivel local, lo que unido a que ahora los muchachos sonaban más tristes, dejaron la música para ocupar sus duros puestos en la fundición y, otro de los Anderson, William, para alistarse en la fuerza aerea. En el año 2008 ya habían fallecido todos sus componentes, el último de ellos Mabins. Al poco de disolverse, otros paisanos tomaron el relevo y, haciéndose llamar también Drakes, inciaron una efímera carrera pero haciéndo un muy característico du-duá a capella acompañado solo por una batería y, durante sus pausas en las voces, por un solo de guitarra. De hecho en la cara B de su único single, "Oo wee so good" (1958), había un tema instrumental tocado por estos dos músicos, los cuales se acreditaban, de forma misteriosa, como J.J. Macambo -solo sabemos que el batería era Harold Jones-. Como el disco fue un fracaso de ventas se disolvieron poco después. Jones empezó a trabajar entonces en la orquesta de Count Bassie, y después a tocado para gente como Ella Fitzgerald, Sammy Davis Jr. o Sara Vaughan, siendo hoy día uno de los baterías de jazz más prestigiosos. (*) Y más de uno os preguntareís que carajo es eso de M.T.Y.L.T.T. Pues bien, las siglas de "more than yesterday, less than tomorrow", es decir, "(te quiero)más que ayer pero menos que mañana", la cursilada más tópica y mentirosa a decir entre dos enamorados pero que, enmascarada entre el acrónimo, da lugar a una excelente canción. Músicos: Tom "Little Bud" Daniels (solista), Robert Anderson y Floyd Brooks (tenor), William "Sonny Dollar Bill" Anderson (2º tenor, barítono y voz bajo), Lincoln Mabins (barítono y trompeta), Ira Anderson (voz bajo) y Larry Crues (2º tenor y baritono).
También a Venezuela llegaron los ecos del naciente rock & roll, sobre todo a través de los estadounidenses que esquilmaban las reservas de petroleo, y en 1959 un grupo de adolescentes se atrevió a formar la primera banda verdadera del género en el país (aunque el conjunto universitario de Ingeniería había grabado "Little darlin" en 1958), Los Thunderbirds, haciendo el nombre referencia a su modelo de coche preferido. En principio eran tres amigos, Henry Prado, Gilberto Urdaneta y Rick Alzati, pero su sonido se quedaba realmente corto ante lo que tenían en mente e incorporaron la guitarra de Rafael Montero, a la vez que se cambiaban el nombre a Los Impalas, nuevo modelo de coche preferido. Se limitaban en principio a hacer versiones instrumentales de los más conocidos temas yanquis (en su repertorio se abriría pronto camino, como no, "Apache"), actuando en bailes y fiestas hasta que pasaron al Club Creole de su ciudad (bonito nombre), donde cosecharon bastante fama a nivel local, lo que les llevó rapidamente a conseguir alguna actuación televisiva. Viendo la posibilidad de alcanzar verdadera fama y fortuna, Alzati, que era el líder del grupo, decide prescindir de Montero y Urdaneta para dar entrada a músicos más preparados, entre los que destacan Edgar Alexander y el pianista Pedro Alfonso, e incorpora al cantante Paco Piedrafita, el cual hasta el momento se ganaba la vida interpretando baladas tipo crooner en un hotel. Este, no solo pone voz a su rock & roll en español, sino que infunde ánimos y una moral sin límites a la banda. Es él quién les consigue, de forma sorprendente, una actuación en el programa más famoso de la televisión nacional, el show de Renny Ottolina, que, en visto del éxito que obtienen, les vuelve a contratar para otra semana. Empieza aquí una sana rivalidad con otro grupo venezolano que ahora empieza a hacer rock & roll, Los Flipper, liderados por Frank Belisario y Henry Stephen (este, proveniente del grupo de baile Los Técnicos y del de gaitas Los Blanco y Negro, era todo un personaje), en una carrera por ganar los corazones del público que no hará sino mejorar su sonido. Sin embargo se empiezan a producir una serie ininterrumpida de cambios en la formación debido a la presión familiar para que acaben al menos sus estudios secundarios, destacando entre las suplencias la del hermano de Edgar, Nerio. Pronto la situación se hará tan insostenible que acuerdan disolverse tras poco más de un año de existencia como Impalas (Alzati se irá a estudiar a Estados Unidos), algo que poco después también hacen Los Flipper. Los despojos de ambos grupos entran en conversaciones con el fin de fusionarse en uno solo, pero no es hasta 1963 que llegan a un acuerdo Edgar, Nerio, Belisario, Alfonso y Stephen, para continuar como Los Impalas pues, aunque ya no quedase ningún miembro original de esta banda, Piedrafita sería ahora su manager. Su nuevo repertorio se alejaba sustancialmente del rock & roll para adaptarse a las nuevas modas que corrían, dominadas por el mersey-beat británico y fichan a algún componente más para rellenar huecos, como Omar Paduai. Son reclamados en la capital del país para algunos conciertos y programas de televisión, haciéndose tan conocidos que les ficha el sello Velvet para grabar su primer álbum, repleto de versiones de Los Beatles, entre las que destaca su número uno venezolano "La vi parada allí" (1963), que como podeís imaginar es la castellanizada "I saw her standing there" de los de Liverpool, pero también con algún buen tema de música surf y una curiosa versión del "Be bop a-lula" de Gene Vincent. Stephen, animado por Ottolina, decide dejar el grupo para iniciar una carrera como solista (haciéndose llamar Lord Henry), siendo sustituido por un miembro de Los Dangers. Se hacen tan conocidos en su país que su eco llega a todo el continente, iniciando una gira por la América Latina. Pronto su fama resonará al otro lado del Atlántico y se les ofrece hacer una gira por España. Tal oportunidad no la desaprovechan, excepto Paduai, que decide quedarse en Venezuela por cuestiones sentimentales, siendo sustituido por un miembro de Los Blonders. Aquí también les sonreirá el éxito al meterse de lleno en el mundo ye-yé que en esos momentos arrasaba en las listas de éxitos. Graban dos álbums, aparecen en dos películas y acompañan a las dos grandes estrellas ibéricas del momento, Miguel Ríos y Los Bravos de Mike Kennedy. Los cambios se suceden entonces en la formación, entrando gente de otros grupos ye-yé como Daiquiri, o incluso del iniciático del mentado Kennedy, Los Nasty Pillows. Recorrieron toda Europa con desigual éxito, destacando en este aspecto su tema "Taxi" (1967) y un disco con su viejo amigo Lord Henry, pero con una ingente labor de grabación y con el honor de haber teloneado nada menos que a Los Pekenikes y a los mismísimos Rolling Stones. En 1969 prueban suerte en Estados Unidos con uno de esos horribles discos de rock progresivo pero es, curiosamente, a su vuelta a casa cuando, tras una discusión después de un concierto en Caracas, deciden disolverse de forma definitiva en 1970. Edgar decide al año siguiente formar Azucar, Cacao y Leche, banda que por su nombre no podeís adivinar cual era su calidad, siendo actualmente uno de los grupos de Venezuela más admirados de los años 70, sino el que más. Tras esto inicia una carrera como solista en los años 70 en la que no le fue mal del todo, pero en los 80 se dedicó más a la producción y composición, destacando entre todos sus trabajos su colaboración con ese genio musical que es su paisano El Puma. En 1990 volvió a reunir a algunos Impalas para algún concierto nostálgico y todavía lo hace de vez en cuando, entre disco y disco propio. Paduai falleció en 1993 y Belisario en el año 2009. Por su parte Ottolina se metió a político y falleció tempranamente en accidente de aviación en 1978. ¿Y que fue de Stephen? Ay amiguitos, quién de nuestra generación no recuerda esa insigne y contagiosa canción del verano español, de múltiples lecturas y aún hoy objeto de sesudos estudios llamada "Mi limón, mi limonero". ¡Pues era él! ¡Era él! A su regreso a su patría se dedicó a las telenovelas con gran éxito hasta el día de hoy. Músicos: Servando "Rick" Alzati (batería y guitarra), Henry Prado y Pedro Alfonso (piano), Gilberto Urdaneta, Bob Bush y Nerio Quintero (bajo), Heberto Medina y Roberto López (batería), Paco Piedrafita (voz) y Rafael Montero y Edgardo "Edgar Alexander" Quintero (guitarra).
"Que me importa" (1968), eso digo yo, que pijo me importa que vayan vestidos así, que pijo me importa de que horror de película española sea esto. No mireis, quizá podais disfrutar de la canción.
Con el inesperado resurgir del neo-rockabilly en España en los primeros años 80, gracias a grupos pioneros como Loquillo o Rebeldes, aparecieron por todo el territorio nacional bandas del género al amparo de la bonanza. Los tarraconenses hermanos Porres, cuya única experiencia musical hasta el momento se reducía a tocar la pandereta o la bandurria en la tuna, también forman el suyo propio junto a unos amigos, Valium 10, que incluía versiones de rock más o menos humorísticos y de otros géneros afines al rock & roll clásico. Con casi la misma formación se pasan, ya abiertamente, al rockabilly puro y duro y se bautizan con el significativo nombre de Teddy Nois, que puede sonar a chino a los no iniciados pero que es toda una declaración de intenciones para el mundo rocker. De hecho su cantante Paco Porres solía hacerse llamar Francis Tergal, humorístico e inteligente pseudónimo que puede aclararse, para quién no lo haya pillado, en la polémica entrada Hep-Cat de esta misma página webo o en los foros que sobre este mismo término inicié en la magnífica www Rockers.es. Tras tocar en fiestas privadas sin cobrar un duro, pasan a alegrar varias salas creando un público incondicional y, poco después, ganan el segundo premio en un concurso local para bandas de aficionados. Con el dinero ganado y otro tanto que consiguen sacarle con astucia al ayuntamiento de su localidad (en esa época las concejalías culturales de las ciudades servían para algo), se financian su primer y único single, "Voy a atracar un burger" (1986), pequeña joya hoy practicamente inencontrable y cuya producción corrió a cargo del Rebelde Aurelio Morata. La distribución del disco fue un desastre total pues el concejo, como era norma habitual no sabemos porqué, se quedaba la mitad de la tirada para distribución propia (aunque la mayoría de su parte quedó olvidada en un almacén) mientras que la otra mitad la debían repartir o vender personalmente los miembros de los Nois, con la comprensible incapacidad para llegar a los grandes medios nacionales. Una lástima porque el disco era realmente bueno. Sin embargo se ven pronto obligados a cambiarse el nombre para evitar confusiones, pues hay un grupo que se llama Los Teddy Boys (que no debieron prosperar mucho pues no tengo más noticias de ellos, por favor, cualquier información al respecto será bienvenida), aunque todavía no entiendo cual es la incompatibilidad. Llamándose ahora Freddy Nois cambian un poco su estilo, incorporando otros ritmos que intentan adaptarlo al rockabilly. Así introducen ska, que estuvo de moda en ciertos momentos de los últimos 80 y primeros 90, twist e incluso una particular visión del bolero en un nuevo mestizaje que ellos, con el sentido del humor que les caracterizaba, llamaron bolerobilly. El caso es que gracias a ello consiguen grabar un álbum y hacer alguna aparición televisiva, siendo muy recordada la del programa "Plastic", magistral creación televisiva hoy imposible de emitir por las faltas de libertades más elementales por la que pasa España. Su single extraido del LP, el skabilly "La moto" (1990), llegó al número dos de las listas de éxitos nacionales. Pero claro, las modas pasan, el ska se olvidó, pero los rockers quedan y no gustan de ningún tipo de experimento que se aparte de los más cerriles cánones, por lo que cualquier intento de volver al redil por parte de los Nois fue inocuo, teniendo que disolverse dejando sin editar el que habría sido su segundo álbum. Los Porres formaron entonces la efímera banda Hot-Version, que, como su propio nombre indica, se dedicaron a hacer salvajes versiones de clásicos del rockabilly y que, aunque no consiguieron grabar, llegaron a ser teloneros de sus insignes paisanos Los Gatos Locos. Precisamente a ellos se incorporó Cristian Porres como miembro oficial durante algún tiempo tras la disolución de Hot-Version. En los últimos tiempos los integrantes de Teddy Nois se han vuelto a juntar para algún concierto concreto, ojalá sigan así y tengamos ocasión de disfrutar de su música más a menudo. Músicos: Paco "Francis Tergal" Porres (voz), Cristian Porres (guitarra rítmica), Kike Roig (batería), Manel Segarra (bajo) y Carlos Soler (saxo).
"La moto" en el programa Plastic, de ilustre memoria.
James Michael Macken nació en la capital de Irlanda y durante su adolescencia ya se sintió cautivado por el ambiente musical que se respira en su famoso barrio de Temple Bar. Sin embargo el folk tracional que se tocaba se le quedaba pequeño ante su creciente entusiasmo por un nuevo ritmo que venía del otro lado del Atlántico, el rock & roll. Rapidamente se hizo con un piano (anque también aprendió a tocar la batería y el saxo) y empezó a imitar sus sencillos acordes básicos e, incluso, a componer algunas cosillas. Cuando su familia decidió trasladarse a Inglaterra él vio la oportunidad real de empezar a ganarse la vida con la música y se trasladó a Londres, ciudad donde ya se había fraguado una muy sólida comunidad rockera, con grupos y solistas que empezaban a despuntar timidamente. Mientras tanto se puso a trabajar en el café 2i´s, uno de los centros neurálgicos de la triunfante comunidad rocker londinense de finales de los años 50 y al que solían acudir sus grandes estrellas: Cliff Richard, Johnny Kid y Tommy Steele. Aquella era una oportunidad que ni pintada y pronto, ante su insistencia, el dueño del local le dejó actuar de vez en cuando delante de sus ídolos, haciéndose llamar ya Jimmy Ward. Pero su habilidad multi-instrumental y su buena voz no compensaban unas canciones planas y faltas de garra, por lo que no les llamó demasiado la atención su trabajo y apenas si le ayudaron en su carrera, excepto con algunos consejos prácticos. Era necesario unirse a alguna banda que le diera experiencia y empaque, así que se incorporó a Los Jets (nada que ver con el grupo rockabilly homónimo de los hermanos Cotton de los años 80 y 90), los cuales necesitaban un batería para un contrato que les habían ofrecido en un club de Hamburgo en junio de 1960. Entonces en Europa Central hacía furor el indorock, un rock & roll primitivo y clásico mezclado con ciertos acordes indonesios de fondo que había nacido en Holanda solo unos meses antes. Adaptándose un poco a ese estilo, Los Jets consiguieron ser la primera banda británica de rock & roll en actuar en Alemania, anticipándose solo en algunas semanas a unos liverpulianos llamados Los Beatles. Cuando estos llegaran organizarían alguna jam session junto a los Jets y a la banda indo-holandesa de Harry Bedrow. El líder indiscutible de Los Jets era Tony Sheridan, pero Ward empezó a abrirse camino cuando se descubrió que también podía tocar el piano, cantar y componer. Por desgracia eran muchos los que querían llevar el peso del grupo y los problemas de carácter llevaron a su disolución solo unos meses más tarde. Ward se unió entonces a un efímero grupo de rockabilly llamado Los Cadillacs, con el que deambuló sin conocer el más mínimo éxito. Entonces Sheridan le reclamó para ayudarle en su nuevo proyecto, debía hacer algunos arreglos y acompañar en algunas piezas para un disco que había conseguido le editaran, y en el que el grupo principal de acompañamiento serían sus viejos amigos Los Beatles pero acreditados ahora todos con el pseudónimo de los Beat Brothers. El single que salió de esta breve asociación, "My Bonnie" (1961), fue un éxito en Gran Bretaña y Alemania y una fuente de inspiración para algunos de los grupos de rockabilly más renombrados de la siguiente década. Sin embargo los Beatles iniciarían su imparable ascenso hacía la inmortalidad, dejando por el camino a Sheridan y a Ward, entre otros, justo después de esta breve experiencia. Sin abandonar Alemania, que a estas alturas era su nueva patria de acogida, se enroló Ward en Glenn Barry & the Thunderbirds en 1962. Tampoco esta banda permaneció en activo mucho tiempo por lo que fue fichado por una de las bandas más famosas de indorock, Los Black Dynamites, necesitados de un nuevo pianista. Pero sucedió que pronto su cantante, Nico Fioole, se marchó a la banda Black Magic (que le necsitaba de urgencia para su gira por España), por lo que Ward se vio ejerciendo sus labores, dándose la curiosa circunstancia de un irlándes cantando acompañado por un grupo integramente asiático. Además se trajó consigo la espectacularidad salvaje de los primeros cantantes del rock & roll, tirándose por el suelo o saltando al público en medio de una actuación, ante el desconcierto de sus más hieráticos compañeros. Cuando Fioole volvió, Ward se enroló entonces en Oety & his Real Rockers, banda mejor y de más animoso indorock, que pronto firmó un contrato con discos Bellaphon, editándoles el buen single "Susi twist" (1963), adaptación a los nuevos bailes de un moda de un tema de los Black Dynamites. Poco después el fundador de la banda, Oety Johannes, les dejó para unirse a Los Swallows, por lo que el resto de los chicos decidió rebautizarse como The Six Tropicals, aunque debido al innegable protagonismo de su nuevo líder y cantante se cambiaron a Jimmy Ward & the Tropicals. Incomprensiblemente, el único single que editaron, "Wo ist my baby" (1964), cantada en alemanglish, se editó acreditado como unicamente por Jimmy Ward. Esto debió molestar al resto del grupo que, poco a poco, empezaron a intentar restar protagonismo a su cantante en beneficio del guitarra solista y sus temas instrumentales. Aun así duraron bastante tiempo juntos y tuvieron mucho éxito en Alemania. Tras su separación, en 1970, la época del rock & roll clásico ya había pasado, por no hablar del hace tiempo olvidado indorock, y Ward se empleó como pincha-discos, se casó con una chica alemana y tuvo un hijo. Tras su lacerante divorcio en 1975 decidió volver a Inglaterra con sus padres, pero murió solo unos años después cuando solo tenía 48 años de edad. Músicos: Jimmy Ward (voz, piano y batería), Tony Sheridan (guitarra y voz), Rick Hardy y Colin Crawley (guitarra rítmica y voz), Peter Wharton, Alfons van Voortst, Ronny Cortenbach, Ferdy Minderman y Robby Fuchs (bajo), Tony Cavanaugh, Errol Johannes, Jan Patty y Henny Heutink (batería), Dolf de Vries, , Oety Johannes, Jimmy Prins, Frits Galistan, Alex Harmanus, Jimmy "Ernst Manneke" Jaspers y Alex Dinsbach (guitarra), Harry Koster y Jan "Iwan" Cosman (saxo y guitarra) e Iwan Wernet (piano).
La proyección en Perú de la película "Semilla de maldad", los primeros éxitos de Elvis, y la gira por el país de la reina del rock and roll mejicano, Lucerito Bárcenas, hizo que nacieran en multitud de jóvenes peruanos los deseos por interpretar esa clase de música. Uno de ellos es un irlandés establecido en el país inca, Pat Reid, que pronto decide fundar su propia banda, Los Millonarios del Jazz, título medio confuso y medio irónico, aunque es verdad que Reid era un gran aficionado al jazz desde hace tiempo. Recluta al resto de miembros, entre los que destaca el extranjero Jorge Mirkin, al que por su maestría con los instrumentos de viento le bautizará la prensa como "El Benny Goodman argentino" y empiezan a hacer versiones de los clásicos del rock & roll que les llegan de Estados Unidos, siendo el cantante el propio Reid a pesar de ser el batería, pues es el único que domina el inglés. Aunque fuera delegando esa labor en otros poco a poco, el grupo siempre cantaría en esa lengua o simplemente se ceñiría a temas instrumentales, algo que no beneficiaría precisamente sus ventas en el mercado hispano y, como era de esperar, tampoco alcanzó al distante mercado anglo-sajón. Les ficha el sello local MAG, que les editá el EP "Rock and roll" (1957), inequívoco título que llevaba incluido el tema "Rock with us", uno de las pioneros del rock hispano, aunque todavía muy anclado en los ritmos del jazz en los que sus músicos se habían formado. Por desgracia la falta de grandes éxitos haría que la banda se disolviese muy tempranamente. Reid, con el tiempo se pasaría, esta vez de verdad, al jazz (también al swing y al boogie-woogie), y a día de hoy es considerado uno de los grandes maestros del género en Perú. Del resto de sus componentes, Elías Ponce se dedicó a la producción y montaría un estudio de grabación. El pianista Pepe Morelli se empleó en la banda de la popular allí Chela Roselló, no solo como instrumentista sino como arreglista. Luego pasó al mundo de la televisión, que fue donde realmente se hizo popular al aparecer con frecuencia en algunos de los mejores programas de entonces, destacando el que hacia junto a Kiko Ledgard (presentador simpático donde los haya y luego famosísimo en España gracias al concurso "Un, dos, tres...") entre otros. Queriendo ampliar sus horizontes marchó a Venezuela, pero allí empezó a perder visión hasta que quedó completamente ciego. De vuelta al Perú se tuvo que conformar con dar clases de piano hasta su reciente muerte. Esperamos que su afición por el espiritismo le haya servido de algo en su viaje al más allá. Por su parte el eventual Roberto Bolarte se unió, en 1965 ya, al grupo de su hermano Walter, Los Doltons, una banda muchas veces instrumental que hacía practicamente de todo, desde pop y rock hasta, incluso, valses. Uno de sus integrantes se marchó para formar la banda rival Los Shains (que a su vez darían luego lugar a Los Chacales y finalmente al grupo hippy Pax), pero serían más populares Los Doltons gracias a su single "El último beso" (1967), hasta su disolución en 1970. Roberto intenta todavía seguir con el grupo, pero ya sin ningún integrante de la formación original. Músicos: Pat Reid (batería y voz), Elías Ponce Jr. (guitarra), Guillermo Vergara (contrabajo), Pepe Morelli (piano), Jorge Mirkin (clarinete y saxo) y Roberto Bolarte (bajo).
The Tielman Brothers
