DICCIONARIO ROCKABILLY

"Cervezas, chicas y rockabilly: Historia del rock´n´roll en España" (Jesús Martínez, 2012)

2012-01-24T14:26:00.005+01:00

Al contrario de lo que muchos pudieran creer, el rock and roll caló con fuerza en ciertos sectores de la población española ya desde finales de los años 50. Fueron los primeros rockers, amantes del rockabilly y géneros afines, los cuales no han dejado de existir en nuestro país desde entonces, a pesar de ciertos altibajos en su número. Sobrevivieron al pop y a la floreciente época ye-yé española, a la canción protesta y los guaperas melódicos, para resurgir con una fuerza inusitada en los años 80. Tras un nuevo receso en los años 90, en la actualidad el movimiento rocker y la música rockabilly goza de excelente salud, aunque apartado de cualquier tipo de circuito comercial y totalmente ignorado por los medios de comunicación. Sirva este nuevo libro, guía completa ydefinitiva de bandas, cantantes y mundillo rockin´, para reivindicar el valor de sus integrantes, que han tenido que soportar el desprecio y la ignorancia por parte de la mayoría del público durante décadas, y para homenajear a la ingente cantidad de músicos de talento que han dado y que no han sido valorados en su justa medida... hasta ahora. A partir de la ultima semana de enero a la venta en la mayoría de sus librerías habituales y por internet (quarentenaediciones.com). Consta de 272 páginas y abundante material gráfico a color, y solo cuesta 21 ebrios.

Old school

2012-01-12T20:53:00.005+01:00

No se trata aquí de hacer un repaso a la historia de los tatuajes, pero si diremos que es una costumbre que se remonta a los primeros pasos de civilización de la humanidad, registrándose signos de hacerse dibujos permanentes en la piel ya en la edad del hielo. Eran dibujos tribales que daban categoría al portador, testimoniando su estrato social, algún logro personal o la pertenencia a algún clan. Con la llegada del cristianismo esta costumbre empezó a ser considerada pagana, empezando desde entonces a cimentar su mala fama las personas tatuadas, algo que en mayor a menor medida se ha mantenido constante en el mundo occidental hasta nuestros días. Sin embargo ya los Cruzados se tatuaban una cruz para ser enterrados cristianamente si morían lejos de casa, quedando la cruz como uno de los tattoos preferidos por todos los aficionados a los dibujos intradérmicos. Mas tarde quedó en Europa casi como una costumbre exclusiva de los marinos (al igual que los pendientes, que significaban que se había cruzado el Cabo de Hornos -si se llevaba uno- y también el de Buena Esperanza -si se llevaban los dos-) que tomaron de la convivencia con los indígenas durante las luchas que españoles y británicos mantuvieron por hacerse por el comercio ultramarino durante los siglos XVI, XVII y XVIII principalmente. Con el tiempo llegaron los profesionales del tatuaje, convirtiéndolo en arte y aportando sustanciosas mejoras como la aguja desechable (que evitaba las muy comunes infecciones) y la ampliación de la gama de colores. Aun así seguía siendo considerada una costumbre de marginados, de marinos (siempre mal vistos históricamente) o presidiarios, hasta que la segunda guerra mundial lo extendió también como una suerte de amuleto grabado incluso entre los buenos chicos que iban al frente o hacía la muerte en sus aviones. El nombre de sus esposas o novias acompañado de corazones , chicas guapas (pin-ups) y símbolos de buena suerte (ases de picas, dados, números 13 o bolas número ocho) empezaron a adornar sus brazos o pechos con la esperanza de que les resguardara de todo mal, al igual que previamente lo habían hecho en los morros de sus aviones o tanques. Sin embargo es curioso como los primeros rockeros de los años 50 no adoptaron el tatuaje como una seña de identidad en sus primeros momentos. Tardarían todavía algunos años en marcarse con estos motivos señalados para los años 40 junto a cerezas, llamas, instrumentos y notas musicales, coches, estrellas de cine de los años 40 y 50, motivos animales, etc..., de la vieja escuela (old school) pero cuando se pusieron a ello lo hicieron con verdadero entusiasmo -tanto chicos como chicas- y hoy día es un placer asistir a esas exposiciones artísticas humanas que son cualquier encuentro rockero. Son una verdadera muestra de gusto y reivindicación de unos sentimientos bien consolidadados y sinceros, nada que ver con todos esos maseras con tatús étnicos en el hombro que no saben lo que significa (seguramente "soy un gilipollas") o esas chonis con una mariposa justo donde algún día -pronto- querrán que les pongan la epidural (y no podrán). Para terminar dos anécdotas sobre el tema: Un tipo de Valladolid que se quiso tatuar en el taller de unos amigos nosequé en la espalda y le pintaron una tranca; y una pareja que se tatuó tamaño gigante en espalda y pecho respectivamente, como testigo de su amor eterno, la carátula de la película "Titanic" pero en vez de las caras de DiCaprio y la Winslet, las suyas. Por supuesto al año se habían peleado y tuvieron que ir al tatuador a que les hiciera un remiendo, poniéndoles bigotes y cosas así para hacerles irreconocibles. ¡¡Verídico!!

El festival Ink´n´Iron (California) está dedicado al rockabilly, a los hot rods y a los tatuajes.

"Rockin´ Spain" (Antonio Alay, 2011)

2012-01-12T20:25:00.005+01:00

"Un viaje al corazón del rock´n´roll", así se sub-titula este magnífico libro sobre la historia del rockabilly y géneros afines, haciendo mayor incidencia en los aspectos gráficos del mundo rocker español (maestras fotografías del gran Antonio Alay, a la vez director y coordinador del ambicioso proyecto). Sin embargo tampoco se descuida la historia del rock and roll en una serie de cuidados artículos en este lujoso libro que todo el que lo posea guardará como un tesoro. Los colaboradores han sido muchos, buenos y entusiastas, tanto aportando fotografías (García Alix, Trillo, Olaf Pla, ...) como sus palabras. En este último aspecto el renombre de los escritores lo dice todo. Tras el prólogo de una eminencia en el tema como Diego A. Manrique encontramos la pluma de grandes rockers nacionales como Miguel Ríos, Tony Luz, Rodri, Sabino Méndez, Laurén Jordán, Edi Clavo, Olaf Pla, Víctor Coyote, García Alix, Beto Derrumbe, Anabel Moreno, Rockin Pauly, Carlos Segarra, Don Diablo, Marcos Sendarrubias. Francho Angas, Jordi Rockola, etc... Con este elenco es imposible que la opinión sobre el mundo rockin´nacional apareciese tergiversada o vista desde la habitual perspectiva periodística erronea y tópìca. Además lleva un disco incluido con la colaboración de algunas de las mejores bandas españolas (de las que cantan en inglés claro, ya sabemos que las que lo hacen en español y se niegan a pasar por el aro están totalmente marginadas, no sabemos bien porqué). En definitiva una gran obra imprescindible para cualquier rocker (no solo español) que disponga de algún dinero extra, no os arrepentireis (si hay que ponerle algún pero es no hacer el suficiente homenaje a muchos de los pioneros y a bastantes grupos de los años ochenta, centrándose en exceso en el panorama actual). Por lo que a mi respecta lo guardaré como una biblia-álbum de fotos de muchos de mis amigos ¡Que gran placer veros a todos tan bien retratados y todavía en forma! Que sea por muchos años.

Lindy-Hop

2012-01-12T17:47:00.004+01:00

El breakaway era un modo especialmente animado y salvaje que los negros del sur de Estados Unidos tenían de bailar jazz allá por los locos años 20. Lo hacían cogidos de la mano, soltándose solo para girar o dar saltitos a toda velocidad. Era una especie de evolución espídica del charlestón que al mezclarse con el más aceptaddo swing blanco daría lugar en los años 30 al lindy hop. En esta especialidad la pareja, agarrada siempre por una o dos manos, da vueltas sobre si misma dando patadas o saltitos coordinados a la perfección, separándose a veces y volviendo al centro e introduciendo algunas acrobacias, cada vez más espectaculares. El salón de baile Savoy, en Harlem (Nueva York) se convirtió en la meca de este baile, atrayendo a las principales big-bands de swing y a los mejores bailarines a sus concursos. Cuando los hermanos Marx hicieron aparecer a los Whitey´s Lindy Hoppers en su famoso película "Un día en las carreras" (1937) la mayoría de la gente pensó que se trataba de otra de sus astracanadas surrealistas, tal era el delirio que el baile inspiraba. No sería promocionado entre el gran público blanco hasta que el excelente bailarín Dean Collins (que se atrevía a ir al Savoy a pesar de ser blanco) suavizó un tanto el estilo, cambiando las patadas y saltos por deslizamientos, y lo coló en algunas producciones de Hollywood en los años 40, donde consiguió trabajo como coreógrafo. A esta nueva variedad se le llamó jitterbug. Pues bien, el lindy hop y el jitterbug sentarían las bases para el baile del rock and roll en la década siguiente, del que apenas se diferencia.

Los Whitey´s Lindy Hoppers en "Un día en las carreras". Sensacional.

Torquato e i 4 (Cremona, 1959 - 1963)

2011-11-20T11:48:00.007+01:00

Esta banda de rock and roll se formó en Italia para amenizar el final de los espectáculos del bar del Hotel Continental. Tuvieron tan buena acogida entre los clientes que en seguida fueron requeridos en otras salas donde triunfaron igualmente. Eligieron el nombre de Torquato y los 4 ya que así era, Torquato, como llamaban a su contrabajo (al instrumento). Se presentaron a un concurso radiofónico de la RAI que ganaron de calle, recibiendo como premio la edición de un primer disco compartido con la cantante Rosella Guj. No es que fuera un super-ventas precisamente pero les fue lo suficientemente bien para que pudieran emprender con garantías una amplia gira europea en la que finalmente se incluyó España. Tuvieron aquí tan buena acogida que decidieron quedarse un tiempo grabando algunos discos de rock & roll en castellano que destacaban por el simpático acento de su vocalista Pier Parodi y por las influencias melódicas italianas del conjunto, así como sus ritmos bailables. Los chicos volvieron todos los años a España para tocar y grabar, muchas veces acreditados como Torquato y los Cuatro (incluso han aparecido en algún disco como Los Torquatos), así, en castellano, sobre todo a la Costa Brava, hasta su disolución por ciertas desavenencias internas. Sus miembros se integraron en otras formaciones, así por el bajista Mauro Sacchini se fue a los Rock Star Boys, suponemos que acompañado de Torquato, los cuales tuvieron una efímera vida, mientras que Parodi inició una cambiante carrera en solitario, pasando del beat al folk en pocos años y en eso sigue ahora. Por su parte el guitarrista Giulio Franchini formó, algunos años más tarde, un grupo algo hortera llamado John from Noise, que al menos le sirve para ganarse la vida tocando en fiestas de pueblo
Músicos: Pier Parodi (voz y batería), Giorgio Duchi (teclados), Giulio Franchini (guitarra) y Mauro Sacchini (voz y contrabajo).

"Chabada, chabadi" (1960).

Bobby Rambo (Dallas, h. 1940)

2011-11-08T14:15:00.004+01:00

Tanto él como su hermano Gene se hicieron habituales espectadores y fans del festival Big D. Jamboree que se celebraba en su ciudad tejana natal de Dallas, teniendo la suerte de ver a Elvis, Gene Vincent y Carl Perkins entre las muchas estrellas del rockabilly que pasaron por aquel mítico escenario. Grabaron una versión del presliano "Don´t be cruel" en un pequeño estudio local, casi tan solo para consumo personal, pero en realidad su mayor influencia era el salvajismo de Vincent. Aunque en estos primeros momentos se hacían llamar Don Rambo & the Rhythm Kings la verdad es que no les llovían las actuaciones precisamente. Se cambiaron a la denominación Gene Princeton & the Plaids y grabaron "My little mama" (1957) en un pequeño sello local, una canción al más puro estilo Vincent, rockabilly asilvestrado y algo gamberro que repitieron en sus siguientes grabaciones. Asimismo Bobby hizo de músico para algunas grabaciones del efímero y hoy olvidado artista Carl Canida, de Joe Poovey y de algúno de los Blue Cats de Vincent que habían dejado al líder con la esperanza de triunfar en solitario. Aunque Gene y Bobby seguirían tocando juntos y para otras estrellas del rockabilly (y Bobby grababa algún tema en solitario que no tuvo ni la más mínima repercusión ni distribución) la verdad es que la mayor parte de su carrera profesional la pasaban inmersos en la banda Los Flames, que hacían principalmente versiones para animar ciertos momentos del Jamboree y que tenían su propio grupo de fans incondicionales, Las Flamettes. Cuando Los Flames se separaron (después de haberse llamado brevemente G. Rambo & the Flames) como consecuencia de la falta de trabajo después de los graves incidentes en conciertos rockers de 1958, Bobby se marchó a tocar para unirse al efímero grupo Vince Murphy & the Calatinas, los cuales grabaron "Speechless". Luego tuvo el honor de tocar nada menos que en los Blue Caps de su idolotrado Gene Vincent. Poco más tarde grabó algunas maquetas de rock and roll, acompañado por músicos de calidad como Bob Kelly, pero no llegaron a salir a la luz, así como algunos trabajos que hicieron juntos acompañando a efímeros cantantes high school como Kelly Hart. La asociación se rompió cuando Kelly empezó a pasar más tiempo produciendo a otros grupos de los años 60, por lo que Bobby se unió a su hermano para apoyar y reeditar desde entonces material de artistas rockers como Gene Summers (para el que también tocó), Kelly o los suyos propios.
Músicos: Bobby Rambo (voz, guitarra y contrabajo), Gene Rambo (voz y guitarra), Bob Kelly (contrabajo), Paul Karney (batería) y Scotty McKay.

El sensacional y vincentiano "My little mama" de los hermanos Rambo.

Angélica María (Nueva Orleans, 1944)

2011-11-03T12:55:00.007+01:00

Hija de artistas de ambos lados del Río Bravo que recorrían constantemente los escenarios de Estados Unidos, nació en Nueva Orleans durante una de estas giras por lo que ya desde su más tierna infanciaconoció a fondo el mundo del espectáculo. Pero cuando sus padres se divorciaron ella se trasladó con su madre a Méjico, de donde era, junto a su familia. Su tía era actriz y presentó a la pequeña Angélica a un productor que necesitaba una niña de su edad (cinco años) para un par de películas en las que tenía de hacer de niño. En seguida su talento interpretativo le dio amplia fama y la oportunida de aparecer en multitud de pelicúlas antes de cumplir los 10 años, consiguiendo esta niña prodigio incluso un premio de interpretación nacional con solo seis años. Luego empezó a cantar y, a mediados de los años 50, con la llegada del rock and roll, introdujo el género en las películas, aportando su granito de arena a su difusión gracias a su desparpajo y belleza. Luego diversificó su espectro profesional haciendo teatro, telenovelas y presentando programas de televisión, todo ello sin haber alcanzado aun la mayoría de edad. Su popularidad era tal que se ganó sobrenombres tales como La novia de la juventud o La novia de Méjico. Musicalmente destacar su gran éxito "Eddie Eddie" (1961), un sutil homenaje al recientemente fallecido Eddie Cochran que la llevó a realizar giras multitudinarias y compartir escanerios y canciones con otras estrellas del rock & roll como Enriquito Guzmán. Por desgracia sus siguientes discos no serían tan salvajes y con el tiempo derivaría hacía el folk, las rancheras y el bolero. Aun así seguiría triunfando, vendría a España de gira e incluso sería admirada en China recibiendo multitud de premios internacionales. Al contrario que otras estrellas del rock femeninas no abandonó su carrera cuando se casó, ni siquiera cuando empezó a tener hijos, triunfando ahora también en Estados Unidos en los años 70, como una pionera de la moda por la música latina. Retomó la televisión, el cine y el teatro con gran aceptación, y volvió con orgullo al rock and roll clásico, haciendo el programa "Mamá ama al rock", ya en 1990. Luego reunió a los grandes del rock mejicano en un espectáculo itinerante que se saldó con gran éxito. Para entonces ya era una estrella de magno calibre que hacía apariciones estelares en cualquier producción azteca que se preciase (entre ellas "El chavo del ocho"), dedicándose en el siglo XXI más a la producción que a las apariciones propias a pesar de su todavía excelente aspecto.
Músicos: Angélica María (voz) y Los Rebeldes del Rock.

"Eddie Eddie".

The Rays (Nueva York, 1955 - 1962)

2011-10-26T09:32:00.006+02:00

Los Rayos fueron un grupo de du-duá que se formó en el barrio neoyorquino de Brooklyn con algunos de los últimos miembros de los recién desaparecidos 4 Fellowsy de su sucedaneo The Toppers. Su manager se los llevó al luego prestigioso sello Chess de Chicago, donde editaron dos singles que despertaron el interés de la crítica pero que no se vendieron demasiado bien quizá por ser versiones de otros temas recientes. Entonces Bob Crewe, empezando en su fértil carrera como productor y compositor y que acababa de fundar su propio sello (junto a Frank Slay) llamado XYZ se llevó a los chicos a su estudio. Es cierto que para la distribución tuvieron que recurrir a otras discográficas más importantes pero el impresionante éxito de su composición "Silhouettes" (1957) para Los Rays, que llegó al número tres de las listas, vendió un millón de copias y por tanto les proporcionó un disco de oro, fue todo un logro para una empresa tan pequeña. Luego otros grupos como Los Diamonds o Herman´s Hermits la harían aun más popular. En realidad era un doo-wop pausado de más, pero llevaba en la cara B un tema sorprendente y más imafinativo llamado "Daddy cool" que pasó desapercibido y que muchos años después los Boney M convertirián en uno de los mayores éxitos de los años 70 reconvirtiéndolo en un tema funky conservando solo parte de la letra. El caso es que para Los Rays significó la fama, con apariciones en televisión incluidas, y la inclusión en el circuito de grandes estrellas del rock, teloneando a gente como Fats Domino, Buddy Holly, Jerry Lee Lewis o Eddie Cochran. Crewe intentó aprovecharse de ello grabando de forma paralela junto a uno de ellos un único single, "Charm bracalet" (1957), acreditados como Bob Crewe & the Ray, que fue un fiasco, Por desgracia el éxito no volvió a sonreir a los verdaderos Rays de esta forma, aunque calidad no les faltaba, y solo "Magic Moon" (1960) consiguió entrar en las listas radiofónicas. Para trabajar ahora hubieron de conformarse con hacer los coros a teen idols en ascenso como Doug Warren. Tras algunos cambios en la formación se rebautizaron como Hal Miller & the Rays, dándole más protagonismo a su solista, a ver si así sonaba la flauta, siendo el buque insignia de las nuevas discográficas que iba fundando Crewe, Topix y Perri. Como el éxito tampoco así les sonrió decidieron separarse (tras hacer los coros a Frankie Valli en su disco postrer), yendo Miller a multitud de grupos antes de recalar como corista de Carlos Santana en sus últimos momentos en el negocio durante los años 80.
Músicos: Harold Miller (solista), Walter Ford (tenor), Harry James (barítono) y David Jones (2º tenor).

"Silhouettes"

Big Jay McNeely (Watts, 1927)

2011-10-21T10:15:00.005+02:00

Cecil McNeely nació en California con un gran talento para la música, hasta tal punto que antes de ingresar en el instituto ya tocaba el saxofón con soltura. Allí formó su primera banda de hot-jazz pero cuando dio por terminados sus estudios para convertirse en músico profesional y, rapidamente, fue fichado por discos Savoy, prefirió grabar un rhythm & blues instrumental muy evolucionado, animado y bailable en el que el saxo llevaba la voz cantante en base al ritmo y el escándalo que montaba. Su "Deacon´s hop" (1949), que llegó al número uno de las listas de R&B, es todo un antecedente directo del rock and roll. Tanto como su música influiría en el rock su actitud en escena. "Big Jay", como ya se le conocía por su tamaño, lideraba una banda que hacía acrobacias sobre sus instrumentos o se tiraban al suelo en un extasis que pronto contagiaba a los espectadores. El propio McNeely, al que no hacian falta medios de amplificación electrónica, tales eran los bocinazos de su saxo (por eso se ha llamado a su estilo Honk -bocina- Tenor Sax), solía tocar entre el público, en la barra de los locales o incluso saliéndose a la calle acompañado de los más entusiastas. Esto le costó una vez un arresto por escándalo nocturno sin que los que seguían tocando dentro del local se enterasen que su líder ya estaba en comisaría. Esta tendencia se intensificó con la llegada de nuevos ritmos como el jump jive o, sobre todo, del rock & roll a mediados de los años 50. Influidos por el R&R sus espectáculos se volvieron aun más salvajes y garantizaban la diversión. Para adaptarse al nuevo público muchas veces incorporó vocalistas a su banda, entre ellos el gran Jesse Belvin, que dio sus primeros pasos con él, y Marvin, del luego famoso dúo Marvin & Johnny. Ante las llegada de agrupaciones más jóvenes y pujantes McNeely tuvo que emplearse como músico de acompañamiento para otros, a veces con su banda tocando principalmente para grupos de du-duá como Los Penguins, Moonglows, Hollywood Flames o Clovers, por citar algunos, o a veces él solo, siendo el saxofonista de grandes estrellas como Little Richard o Bill Haley. Pero mientras no dejó de lado su propia carrera y consiguió un gran éxito con el blues "There is something in your mind" (1959), aunque no fuera un super-ventas que le permitiera vivir holgadamente de la música. Como la tendencia continuó decidió retirarse del negocio en 1963... Hasta que veinte años después fue requerido para una entrega de premios Grammy junto a otras leyendas del R&B como B.B. King o Etta James. Fue tal el éxito de esta actuación que volvió a los escenarios y poco después ya estaba haciendo un multitudinario concierto en Berlín. Y así sigue hasta el día de hoy, demostrando que la edad no está reñida con la calidad musical ni con la capacidad para dar espectáculo sobre un escenario.
Músicos: Big Jay McNeely, Sonny Chris, Bob McNeely y Detroit Gary Wiggins (saxo), Hampton Hawes (piano), Four Dots & Dash, Jesse Belvin, Marvin Phillips, Tony Allen, Mel Williams y Haywood "Little Sonny" Warner (voz).

"Deacon´s hop" interpretada ya en los años 80.

Huelyn Duvall (Garner, 1939)

2011-10-19T18:17:00.006+02:00

Hijo de un maestro de escuela nacio en Tejas y crecio rodeado por los mágicos acordes de las canciones country & western. En el instituto él y otros compañeros enamorados de la música rockabilly que estaba empezando a surgir, formaron una banda que actuaba los fines de semana en la emisora de radio local (entre ellos estaban los gemelos Thompson) haciéndose llamar Huelyn Duvall & the Troublesome Tree. Pronto consiguieron gran número de actuaciones, pasando de los bailes de colegio a los teatros de Forth Worth y al festival Big D. Jamboree de Dallas en apenas unos meses de 1957. Es normal pues que fueran fichados por discos Challenge, una compañía que hace poco había formado la estrella de la pantalla y de la música country Gene Autry. Se pusieron los mejores medios y músicos a disposición de Duvall, incluidos músicos del mismísimo Elvis, pero para ello tenía que renunciar a los semi-aficionados Troublesome Tree, decisión dolorosa que sin embargo tomó. Sus compañeros lo entendieron y nunca perdieron la amistad por ello, aunque jamás volvieron a tocar. El caso es que los discos que grabó eran de excelente rockabilly y pronto inició unas agotadoras giras por California y Las Vegas, la mayoría del tiempo acompañado por músicos locales. Con uno de estos, Dave Burgess, compuso, medio en broma, un tema instrumental con un par de frases que luego otras manos harían más famoso: "Tequila!". Aunque sus temas eran excelentes (destaquemos "Three months to kill" o "Little boy blue", entre otras) sus discos no eran apenas promocionados pues sus managers parecían más interesados en vender sus canciones a astros ya confirmados (como Ricky Nelson) que elevarle a él a donde merecía. Un contrato cinematográfico tampoco dio como resultado la filmación de película alguna. Así, Duvall se pasó de una discográfica a otra, cada vez de menor renombre, aunque sus directos seguían siendo dinamita y era adorado por el público. Fue telonero de Bobby Darin pero pronto se vio tocando en garitos menores anunciándose como Huelyn Duvall & the Arrows, o a veces, conforme se olvidaba su nombre, como simplemente The Arrows. Para cuando se casó en 1961 ya no ganaba sificiente con la música como para mantener a una familia, así que se puso a trabajar en una de las compañías pioneras en computadoras, en Houston, escalando posiciones en el ramo hasta llegar a vice-presidente ejecutivo de una empresa en los años 80 y, finalmente, fundando su propia compañía. Pero el resurgir del rockabilly de esa década también le reclamó como uno de los grandes del género y desde entonces es habitual en festivales sobre todo en Europa,habiendo grabado incluso nuevos temas.
Músicos: Huelyn Duvall (voz y guitarra), Lonnie Thompson, Grady Martin, Dave Burgess y Jimmy Green (guitarra), Ralph Clark (contrabajo), James Mathison y Buddy Harman (batería), Johnny Thompson (guitarra rítmica y coros), Floyd Cramer (piano), The Jordanaries (coros) y The Chapperals, The Arrows y Mike Bell & the Belltones.

"Three months to kill" (1958)

The Shadows (Chesthunt, 1959)

2011-10-18T12:08:00.009+02:00

Los reyes del rock instrumental se formaron en la provincia inglesa de Hertfordshire en la segunda mitad de los años 50 llamándose en principio Los Drifters y consiguiendo pronto alguna aparición televisiva. Pero el manager y la discográfica querían músicos más carismáticos y profesionales y se pensó en reclutar a Tony Sheridan. Como no estaba disponible se trajeron a un guitarrista que estaba pasando penurias y que tenía cierto aire a Buddy Holly, Hank Marvin, el cual puso como única condición que su compañero en los grupos The Railroaders y The Five Chesternuts, Bruce Welch, fuese incorporado al grupo también. Nuevos cambios (vinieron Tony Meeham y Jet Harris de la banda de skiffle The Vipers) provocaron que, para cuando la estrella emergente del rockabilly británico, Cliff Richard, les contratase como su banda fija ya no quedase ningún Drifter original. Esto fue en 1958 y sus éxitos con Richard ya los hemos narrado en la entrada propia de este. Ya rebautizados (para evitar problemas legales con sus homónimos norteamericanos) con el nombre que les haría famosos en el mundo entero, The Shadows (Las Sombras), después de probar brevemente con el de The Four Jets, consiguieron incluir algúno de sus temas instrumentales en las caras B de los discos de Richard y no tardarían en editar discos propios independientes. Por esta vía en seguida llegaron los éxitos con "Apache" y "Kon Tiki", ambas números uno en las listas británicas en 1960. No por su espectacular triunfo abandonaron a Richard como grupo de apoyo, pero si es verdad que empezaron una serie de cambios en la formación muy precipitados. Así Meeham (conocido como El Barón) y Harris se fueron para formar un dúo al que no le fue mal con el tema "Diamond", aunque el primero volvería de vez en cuando para hacer algunas sustituciones. Fueron sustituidos por Brian Bennett y Brian Lockling, procedentes de los Wild Cats de Marty Wilde (y que grabaron de forma independiente haciéndose llamar The Krew Cats) y de los Playboys de Vince Taylor, pero Lockling se hizo testigo de Jehová y sus acólitos no le dejaron seguir tocando (hasta cinco años después). El sustituto fue John Rostill, que provenía de bandas de rockabilly como The Interns o The Flinstones (Los Picapiedra). Esto, claro, cambió el sonido del grupo pero no mermó su fama ya que sus temas seguían teniendo éxito y aparecían con frecuencia en la películas de Richard. A estas alturas de mediados de los años 60 ya eran los reyes del instro y la peculiar imagen de Marvin una de las más icónicas del rock mundial. En Estados Unidos se les publicitó como un grupo de surf más, de ahí el relativo fracaso de ventas en América ya que su sonido no encajaba estrictamente en esos parámetros. La evolución de su sonido trajo diversos problemas en el seño del grupo y Welch fue el primero en marcharse para inciar una mediocre carrera en solitario. La disolución era una amenaza constante desde 1968 y solo tocaban por dinero en giras en el extranjero, grabando algunos discos solo por inercia. Tras reclutar al pianista de Emile Fod & the Checkmates hicieron una gira por Japón, siguieron acompañando a Richard y Marin se embarcó en extraños proyectos paralelos como el que hizo con su amigo Welch, llamado Marvin, Welch & Farr (el tercer miembro era el autraliano John Farrar, de Los Strangers, con el luego Marvin haría duetos e incluso incorporaría a Los Shadows un tiempo). Pero en sus momentos más bajos se presentaron al festival de Eurovisión y su segundo puesto en la edición de 1975 les devolvió a la primera plana musical. Farrar les dejó poco después para dedicarse a la composición y la producción en Estados Unidos (suyo es el "You´re the one that I want" de la película "Grease")
mientras que, de forma increible, Rostill murió al electrocutarse mientras tocaba la guitarra en su estudio casero. Muerte más rockera imposible. Los años 80 no serían mejores, con un grave accidente de coche de su nuevo bajista (siendo sustituido por un miembro del grupo de versiones paródicas de Los Beatles, The Rustlers) y con Marvin cada vez dedicando más tiempo a su carrera en solitario. Así pues la mayoría del material que publicaron fueron recopilaciones, directos o versiones de otros artistas, estancándose notablemente, tendencia que se agravó en los 90. En el año 2004 fueron condecorados con la Orden del Imperio Británico, pero Marvin, muy coherentemente, declinó la medalla. Actualmente siguen tocando, principalmente sus éxitos de los años 60, e incluso se reunen de vez en cuando con Cliff Richard para multitudinarias giras. Por su parte la carrera del dúo Meeham y Harris se fue al garete, en parte por los problemas con el alcohol y la justicia de este último, convertido en un hooligan borracho y bronquista una vez que desperdició su última oportunidad como bajista de Jeff Beck. Arruinado, se empleó en diversos oficios como albañil, portero, espetero o conductor de autobús. Finalmente, muy recuperado, fue reconocido como uno de los grandes músicos británicos, se le hicieron homenajes y se le requirió para tocar en algunos grupos, entre ellos sus amigos Shadows. Cuando todo parecía encauzarse nuevamente le diagnosticaron un cáncer de garganta y murió como consecuencia de él en el año 2011. La vida de su colega Meeham no había podido ser más distinta pues triunfó como productor de Los Tremeloes (auqne se les escaparon los Beatles) y luego se estableció como un reputado psicólogo en Londres hasta su muerte en el año 2005. Como Bennett falleció en el año 2009 es Marvin el único miembro que queda vivo de los primeros tiempos y, desde luego el más carismático y conocido.
Músicos: Hank Marvin (guitarra), Jet Harris, Brian Lockling, John Rostill, Alan Jones, George Ford y Mark Griffith (bajo), Tony Meeham y Brian Bennett (batería), Bruce Welch y John Farrar (guitarra rítmica) y Alan Hawkshaw, Francis Monkman, Cliff Hall y Warren Bennett (teclados).

"Apache"

The Sunset´s (Lima, 1963 - 1964)

2011-10-17T20:48:00.004+02:00

Grupo peruano formado por la evolución y ciertos cambios en la formación de Los Astoria Twisters. Estos habían tenido una vida breve y no consiguieron grabar ningún disco y ahora, bajo el nuevo nombre (que tomaron de un programa de televisión) incluyeron ciertas influencias garajeras dejando cada vez más de lado lor ritmos bailables de los primeros años 60, en parte por la experiencia musical anterior de su bajista David Delucchi. Pronto consiguieron apariciones fijas en televisión todos los sábados por la tarde, lo cual les dio gran popularidad. Hicieron giras por todo el país, multitud de apariciones radiofónicas y grandes conciertos (llevaban un bailarín adelantándose en este ridículo recurso a otras bandas posteriores de renombre) lo que les valió un contrato discográfico con la casa Sono, para la que grabaron dos singles. Asimismo hicieron de grupo de acompañamiento para otros cantantes menos rockeros que ellos como el Mono Altamirano o Koko Montana, bastante populares en su momento en Perú. Poco más tarde se separaron pues algunos emigraron en busca de mejores oportunidades a California o Australia. Así las cosas otro de ellos montó una empresa de transportes mientras que el batería Kalle Englund continuó en el mundo de la música, tocando jazz en los principales clubs europeos. Por su parte Delucchi marchó a Chile a economía y aviación civil en Chile (luego fue piloto e inspector de aeropuertos) y los Sunset´s no se reunieron para un concierto nostálgico hasta los años 90.
Músicos: Ricardo Noriega (voz y guitarra), Walter Ugarte (guitarra), David Delucchi (bajo) y Kalle Englund y César "Conejo" Mantillas (batería).

Un reportaje de la televisión peruana donde se habla de Los Sunset´s.

Whirlwind (Londres, 1978 - 1984)

2011-10-07T21:19:00.007+02:00

Animado por el revivalismo rockabilly que se vivió a finales de los años 70 Mick Lewis fue en busca de algunos otros jóvenes que compartieran sus gustos para formar un grupo. Oyó que había un gran cantante en una banda en el barrio de Uxbridge y hacía allí fue, reclutando al poco tiempo no solo a su cantante, Nigel Dixon, sino al batería, dando lugar a Whirlwind, que significa remolino. Tras reclutar nuevos miembros, entre los que estaba Rob Russell, el pianista del grupo de rock White Plains (alguno de cuyos miembros acabarían años después en The Vapors) estuvieron tocando por los clubs de Londres, haciendose rápidamente con un nombre en los medios gracias a su rock & roll con un toque de rockabilly de lo más duro, por lo que en seguida les seguían no solo rockers, sino punks, e incluso skinheads. Se vieron teloneando a Robert Gordon y Bo Diddley entre otros. Grabaron un par de disco pero su popularidad aumento tanto que Dixon fue requerido para cantar con la americana Pearl Harbour por lo que empezaron una serie de cambios en la formación y llegando la baja final por enfermedad de Lewis, lo que desembocó en el fin de lo que quedaba de banda. Russell formó una banda llamada Rob & the Rustlers, que duró hasta que su guitarrista se fue a Los Darts. Por otra parte cuando Lewis se recuperó y Dixon fracasó con Harbour ambos se juntaron para formar The Valients. Consiguieron ser los habituales teloneros de The Clash, y a su integrante Paul Simonon le gustaron tanto que fichó a Dixon para su proyecto post-Clash Havanna 3am. Estos fueron un pequeño fracaso por su indefinición entre rockabilly y punk pero la amistad entre Dixon y Simonon si prosperó, yendo ambos a recorrer el mundo en sus motos Harley hasta que al primero le diagnosticaron un cáncer del que murió poco después, en 1993, cuando solo tenía 35 años. En el siglo XXI algunos Whirlwinds, entre los que estaba Lewis, volvieron a juntarse.
Músicos: Nigel Dixon (voz), Mick Lewis (guitarra), Nick y Gary (batería), Rob Russell (piano) y Phil y Bobby Collins (bajo).

"I thought it over" (1980)

Joaquim Costa (Lisboa, 1936 - 2008)

2011-10-02T21:44:00.004+02:00

En la Portugal de finales de los años 50 el rock and roll empezó a conocerse a través de las películas ya que los discos llegaban con cuentagostas debido al escasísimo número de tocadiscos per cápita. Para los jóvenes aficionados un punto de reunión en la capital era una gramola que había en el barrio de Campolide donde insertaban los últimos éxitos rockeros norteamericanos. Allí el joven Joaquim Costa empezó a deleitar a amigos y a transehuntes cantando aquellos temas en un ingles inventado, hasta tal punto que pronto fue conocido como El Elvis de Campolide. En cierto momento abandonó el futbol al que parecía abocado como profesional para decantarse por la música, aunque las presiones familiares le obligaron a presentar un fado en el primer concurso al que se presentó. Él, una vez en el escenario, le susurró al pianista que tocara el "Rock around the clock" pero el tipo no hizo caso y allí se vio el pobre Joaquim cantando un triste fado, aunque a pesar de todo tenía tan buena voz que quedó en tercer lugar. En 1959 formó Los Estrela´s Guys, una banda que hacía versiones de clásicos del rockabilly americano y que se llamaba así por el nombre del centro comercial que les contrató. Costa dejaba a la gente patidifusa con sus convulsiones, sus chillidos y sus pataleos y llamó la atención de un agente yanqui que se lo llevó a Estados Unidos. Allí fue explotado hasta la saciedad en diversos clubs hasta que decidió regresar con sus compañeros, amenazados de despido por el centro comercial si Costa no cantaba con ellos. Una vez en casa grabaron un disco de versiones, acreditado ya como Joaquim Costa en solitario (aunque el llamaba ahora a sus chicos, sus Comets), el primero de la historia del rock luso y uno de los más buscados de la historia ya que un incendio destruyó practicamente todas las copias antes de que fueran distribuidas. Luego formó el dueto Os Jotas do Rock junto a José Gouveia, grabando un disco que también está prácticamente desaparecido. Pero antes de que pudiera triunfar junto a él o en solitario el rock and roll pasó de moda en beneficio del mersey beat y del movimiento ye-yé en los años 60. Antes que adjurar de sus gustos Costas prefirio abandonar la música temporalmente, ejerciendo los más diversos empleos, como electricista, repartidor de guías telefónicas, vendedor de libros de segunda mano, ... hasta que llegó el revivalismo rockabilly de finales de los años 70 y Costa fue reclamado como uno de los pioneros. Invitado a una gran fiesta y a grabar un disco (con la colaboracion de Gouveia) nuestro heroe sorprendió a todo el mundo por encontrarse en buena forma y por su nuevo y encuerado look a lo Vince Taylor. Pero lo que realmente le hizo más famoso fue su programa de radio "Pedras rodantes" que daba a conocer el rock & roll mas oscuro a miles de portugueses. En ello y tocando siguio Costa prácticamente hasta el mismo día de su muerte, dejando una de las carreras más fieles al rockabilly de las que tengo constancia.
Músicos: Joaquim Costa (voz), Luis Gomes (guitarra), Guilherme Silveira (contrabajo), Sergio Pinto (batería) y Américo Bajouca (coros y voz).

"Rip it up" (1959), se oye como el culo pero teniendo en cuenta que solo existen dos copias conocidas de este disco bastante es. Atención al idioma inventado de Costa.

Bodgie

2011-08-31T11:32:00.005+02:00

Una vez terminada la Segunda Guerra Mundial muchos marineros australianos y neozelandeses volvieron a casa muy influidos por algunos aspectos de la cultura de sus colegas norteamericanos, sobre todo por su forma de vestir, por sus gustos por los vehiculos veloces y por la música swing y boogie-woogie. Empezaron a vestir con pantalones vaqueros o bien de tergal estrechos, camisetas ajustadas, chaquetas de corte, corbatines y largos flequillos. Rapidamente empezaron a juntarse pandillas realmente numerosas para cantar o beber, ampliando su campo estético con chaquetas de aviador, botas y finalmente chupas de cuero o boogies. La primera gran banda fueron los Wooolloomooloo Yanks de Sidney, con unos 200 miembros que se solían reunir siempre en el mismo sitio en fecha tan temprana como 1948. La prensa les empezó a llamar bodgies a ellos y widgies a sus chicas (que iban vestidas de forma un tanto andrógina), que es algo así como llamarles monos de imitación (de lo americano) y snobs por pretender ser lo que no son a un tiempo. Con la llegada de los años 50 y del rock and roll los bodgies llevaron una evolución estética paralela a la de sus colegas estadounidenses y británicos quedando su aspecto a medio camino entre los greasers motoristas y los teddy boys británicos. Muy pronto empezaron a ser considerados una amenaza por la puritana sociedad de la antípodas por su gusto por la velocidad, por su supuesta liberalidad sexual y por los escándalos que montaban bailando y cantando en la calle hasta altas horas de la noche. Los disturbios más importantes tuvieron lugar en Brisbane en 1956 cuando la policia intervino para disolverlos a la salida de un concierto. Como los bodgies no se dejaron avasallar impunemente se les consideró desde entonces como unos delincuentes juveniles más y fueron perseguidos sin tregua. Se montó un airado debate público en el que incluso se pidió que se reimplantara el castigo corporal para enderezarlos. Eran unos ignorantes, los bodgies no eran unos delincuentes, sino unos proto-rockers amantes de la buena música y de la buena vida y ya nada podría con ellos... nada excepto el tiempo, la maduración de sus integrantes y la llegada de otros estilos musicales más domesticados en los años 60 que les hizo perder a la mayoría de sus componentes. Por el camino australia dió algunos grandes genios del rock & roll, auténticos ídolos para los bodgies. Hoy día en Australia y Nueva Zelanda bodgie es el término que su usa para definir a lo que nosotros conocemos como un rocker, mientras que rocker lo usan mayoritariamente para llamar a los seguidores del heavy metal.

Un homenaje al recientemente fallecido George Kiprius, conocido como "Rock´n´Roll" George, uno de los bodgies pioneros y al que incluso se le compuso una canción.

Jimmy Drake (Oakwood, 1912 - Los Angeles, 1968)

2011-08-22T16:53:00.005+02:00

Nacido en el norteamericano estado de California aprendió a tocar el ukelele de niño y este instrumento le acompañaría en los escenarios durante el resto de su vida. Gran amante de los nuevos ritmos que iban surgiendo en su país en los años 30 y 40 y con gran sentido para los negocios abrió un estudio de grabación de maquetas en el garage de su casa que le fue bien y donde además grababa sus propias composiciones, muchas de ellas humoradas bastante simpáticas y transgresoras para la época. Paralelamente trabajaba como camionero pero seguía adelante con su sueño de vivir de la música cuando en 1955 contactó con el grupo de proto-rock and roll Los Four Jokers, cuatro bromistas que hacían unas apariciones realmente divertidas, tanto por las letras como por sus cucasmonas en escena, y en seguida trabaron amistad aunque Drake nunca fue un miembro fijo de la plantilla. Ambas partes ficharon casi a la vez por distintos sellos y para ambos la llegada del rock and roll la sintió como un excelente ritmo y medio de difusión de sus humoradas. Tanto Four Jokers como Drake grabaron casi a la vez la composición de ste último "Transfusion" (1956), eso si, escondido Jimmy bajo el pseudónimo de Nervous Norvus quizá por la dureza y el dudoso gusto de la letra, haciendo bromas sobre las diferentes transfusiones de sangre que recibe un tipo después de cada accidente de coche, con ruidos de choques incluidos. Fue, no obstante, un éxito en parte gracias al apoyo que en las ondas le dio el pincha-discos Red Blanchard, al que siguieron algunos singles más, a veces acompañado en dueto por el propio Blanchard, que le hicieron muy popular durante algunos meses, ya acreditado a veces como Jimmy Drake, llegando a considerarle algunos periodistas como una de las grandes estrellas del emergente rockabilly. Era un gran error de apreciación, Jimmy solo usaba el género como medio de difusión de sus bromas y ocurrencias (hedonistas o contrarias al sistema muy adelantadas a su época. Por ejemplo, hizo una canción que era una oda a las prácticas sexuales de la Edad de Piedra entre otras graciosas bizarradas) y no era un rocker de corazón por más que algunas de sus canciones no estén nada mal. La llegada del huracán Elvis apartaría del mapa musical a un ya carlanco Drake de forma tajante que caería en el más absoluto olvido hasta el día de hoy. Sin embargo él siguió trabajando, en ocasiones grabando algunas canciones high school en sellos cada vez más modestos y muchas veces componiendo multitud de temas para vender a otros artistas más serios. La muerte le sobrevino de forma temprana cuando solo contaba 56 años y vivía en el total anonimato.
Músicos: Jimmy Drake (voz, guitarra y ukelele), Red Blanchard (voz y guitarra) y Los Smogrollers.

"Transfusion".

The Tune Weavers (Boston, 1955 - 1962)

2011-08-14T10:35:00.005+02:00

Los hermanos Margo y Gilbert López formaron un dúo vocal que hacía rhythm & blues y jazz y que consiguió algunas actuaciones en los alrededores de su ciudad. Cuando incorporaron al marido de Margo, John Sylvia, y a su prima Charlotte Davis su repertorio se amplió, acercándose poco a poco a los postulados del doo-wop. El nombre no lo decidieron hasta que durante una de sus primeras actuaciones les presentó al abarrotado auditorio de un club un camarero obligado a hacerlo por su jefe y nervioso dijo que eran unos "fabricantes de melodías" (Tune weavers), cayéndoles en gracia y así se quedaron. Su estilo era un curiosa mezcla de jazz y du-duá totalemente a capella, con voces mixtas, muy al estilo de lo que décadas después harían los más populares Manhattan Transfer, sobre los que ejercieron una gran influencia. Fueron fichados por el sello Casa Grande que les editó el single "Happy happy birthday party" (1957), un tema muy comercial pero ya claramente doo-wop que rápidamente llegó al número cinco de las listas estadounidenses y que vendió dos millones de copias. Pronto se embarcaron en las giras de rock & roll que organizaba Alan Freed, teloneando a los grandes astros del género como Buddy Holly, Jerry Lee Lewis, Little Richard o Ricky Nelson, entre otros, pero debido al avanzado embarazo de Margo hubieron de empezar a suspenderse conciertos, siguiéndola poco tiempo después Charlotte. A pesar de las sustituciones, en ocasiones no muy oportunas, el grupo hubo de terminar su carrera tempranamente, si bien es cierto que se reunieron brevemente para algunos conciertos nostálgicos en los años 70. Margo regrabó algunos de los temas del grupo en 1988, acreditándose con nuevos músicos como Margo Sylvia & the Tune Weavers, pero antes de que pudiese arrancar nuevamente su carrera cayó enferma y murió en 1991. Su hermano la siguió solo siete años más tarde. El hijo de ambos ha continuado en el mundo de la música como productor, a veces trabajando codo con codo con el gran Howard Huntsberry, mientras que el hijo de Charlotte ha formado un grupo vocal llamado Classic Example. En el año 2004 John salió de su retiro para convencer a Charlotte, que trabajaba de procuradora, de volver a montar el grupo. Para ello reclutaron a dos nuevos miembros y se dedican a cantar en hoteles de jubilados en Florida haciéndose llamar The Fabulous Tune Weavers.
Músicos: Margo López (solista), Gilbert López (tenor), Charlotte Davis (contralto), John Sylvia (voz bajo) y William "Bunky" Morris Jr. (barítono).

"Happy happy birthday party".

Colin Winski (Los Angeles, 1957)

2011-07-30T12:37:00.006+02:00

Nacido en Hollywood durante su adolescencia no tomó como ejemplo a seguir a sus vecinas estrellas de cine sino a Elvis, que visitaba los estudios de su barrio con frecuencia, y otros grandes artistas del rockabilly. Tenía solo trece años cuando tuvo la tremenda suerte, tras ahorrar dinero sacrificando incluso su comida, de poder acudir a un concierto del Rey, lo que le reafirmó en sus creencias de que debía seguir sus pasos. Allí precisamente conoció a otro amante del rockabilly, Ronnie Weiser, un verdadero talibán del género que hacía un fanzine en el que incluso despotricaba contra los rockers que no llevaban los pantalones vaqueros lo suficientemente estrechos ni con la vuelta con el ancho correcto, a la vez que hacía proselitismo sionista. Este chiflado cogío al joven Colin como alumno, pues le veía como un alma descarriada por no tener todavía suficiente vello para llevar patillas. Por fortuna también le educó en los parámatros del rock y juntos decidieron hacer resurgir un género que en esos primeros años 70 parecía estar muerto y olvidado. El primer paso de Weiser fue fundar su propia discográfica, Rollin´ Rock, para acto seguido ir ambos a sacar a su vecino el veterano músico rocker Ray Campi, que estaba dando clases en un instituto, de su retiro para que volviera a los escenarios y a grabar. Formaron para él el conjunto Los Rockabilly Rebels en el que Colin sería uno de los guitarristas (los otros eran Billy Zoom, luego miembro de X y Jerry Sikorski, luego habitual de varias bandas del género). Tras grabar para Campi, Winski iniciaría su propia carrera en solitario gracias al apoyo incondicional de su amigo y mentor Weiser, que incluso le dejó para sus actuaciones una de las joyas de su colección, una chaqueta que llevaba las mangas de otra que le regaló Gene Vincent. Pronto empezó a ahcerse un nombre en el circuito local, grabó un EP y apareció cantando en el film de pornobilly "Teenage cruisers", por más que su familia diga que lo hizo engañado y que no sabía que el film era porno (viendo la película es difícil de creer, pero vamos, que no pasa nada). Winski y Sikorsky se desvincularon totalmente de Campi en 1979 (porque Nick Lowe le produciría su siguiente disco, radicales rockers hasta el fin) para formar su propio grupo, The Rebels, que hicieron de teloneros de músicos tan distintos a ellos como The Clash o Judas Priest, con los problemas que ello conllevaba cuando los fans de estos conjuntos veían salir al escenario a unos intransigentes rockers. Grabaron "Rock teraphy" (1980), que se vendió bien en Europa y Japón, y que les sirvió para engancharse al carro del revivalismo neo-rockabilly de los primeros años 80. Sin embargo ese mismo coqueteo con el éxito derrotó a Winski al que no le gustó el ambiente angelino una vez que la fiebre por el rockabilly pasó a finales de aquella década, a base de drogas y peleas, y en parte también porque se vio relegado por otros grupos nuevos de la ciudad con mucho más éxito, como Los Lobos o Los Blasters, que les mantenían a él siempre al borde de la miseria. Así las cosas él y su rockera mujer se trasladaron a Arizona donde Colin abandonó la música por completo y se dedicó a los más diversos oficios, como peón o guardia de seguridad. Asi estuvo muchos años hasta que con unos entusiastas locales le devolvieron a los escenarios, primero con un grupo de apoyo llamado Los Bearcats y luego con Los Helldorados con los que todavía toca y graba. Desgraciadamente no es muy dado a salir de su estado.
Músicos: Colin Winski (voz y guitarra), Jerry Sikorsky, Jerry Magee y Pat Moore (guitarra) y Bob & the Barcats y los Helldorados Band.

"Rockabilly funeral" (1994) ya con Los Bearcats. Su video de la película "Teenage cruisers", que era mucho mejor, ha sido censurado por esos mojigatos con cara de cera de You Tube.

Andy Starr & the Casinos (Bethesda, 1958 - 1961)

2011-07-20T10:46:00.007+02:00

Andrew nació en el seno de una humilde familia en el año 1940 y aprendió pronto a tocar diferentes intrumentos de manos de sus padres que tenían conocimientos musicales, de formación clásica la madre y hillbilly el padre. Cuando en la adolescencia descubrió el rock and roll que hacía Elvis ya tuvo claro cual era el camino a seguir y rapidamente formó una banda con unos tipos del barrio, italoamericanos al contrario que él, a los que apenas conocía pero que se quedaron impresionados con su forma de tocar y cantar, habían nacido Los Casinos. Cuando incorpararon al saxofonista Sam Gentile, el único que había tocado en verdaderos conciertos (lo había hecho tocando el acordeón), y giraron su estilo al rockabilly decidieron rebautizarse como Andy Starr & the Casinos por el protagonismo que poco a poco iba alcanzando Andrew. Esto dará lugar a múltiples confusiones pues por entonces ya empezaba a destacar otro cantante del género conocido como Andy Starr (ver entrada en este mismo diccionario). Tras empezar actuando solo ante los amigos en el centro juvenil local, pronto consiguieron actuaciones en bodas, bailes y pequeños bares (trabajo que Starr compaginaba con el de vendedor de carne al por mayor). Un día, tras tocar en un tugurio, se les acercó un tipo misterioso que les dijo que les gustó mucho y que si querían grabar un disco. Ellos, entusiasmados y sin pensar que podía ser un asesino psicópata, se montaron con él sin pensárselo mucho y se fueron a unos estudios de Filadelfia a grabar cuatro temas propios que Starr había compuesto. Fueron editados en dos singles al mismo tiempo pero en dos sellos diferentes, uno Arcade y el otro llamado, curiosamente, Casino, y acreditándoles, según en que cara, como The Casinos o, simplemente como Andy Starr en solitario. Entre estos temas destacaba sobremanera "I love you baby" (1959), que se hizo bastante conocida en la comarca pero nada más. Del tipo misterioso (del que solo sabían que se llamaba Joe) nunca más se supo ni cuales eran sus tejemanejes. El caso es que ya establecidos en Filadelfia, y tras trabajar como grupo de acompañamiento de Los Sinceres, grabaron el nuevo disco "Just a walkin´" (1960) que aunque era muy bueno no fue promocionado ni apenas emitido en la radio, algo que Starr atribuye a que él no tenía dinero para sobornar a los pincha-discos para hacerlo, no como otros del conocido escándalo payola (ver). Tras este nuevo fracaso la banda decidió disolverse y Starr se casó en seguida (tiene dos hijos) y volvió al mayorismo de la carne, aunque siguió actuando en bares de su localidad durante muchos años. Se retiró de ambas actividades en el año 2003.
Músicos: Andy Starr (voz y guitarra), Joe DeFulvio (piano y contrabajo), Jim Tulio (batería) y Sam Gentile (saxo).

"I love you baby".

Los Incas Modernos (El Callao, 1962 - 1964)

2011-07-13T17:40:00.006+02:00

Un grupo de amigos peruanos decidieron formar un grupo de rock and roll en medio de un panorama nacional no demasiado edificante, pero del valor a sobreponerse a la adversidad es de donde han salida las mejores formaciones del género. Decidieron bautizarse como The Jay Hawks en 1961 y consiguieron algunas actuaciones en fiestas locales haciendo principalmente versiones de clásicos norteaméricanos entre los que ya destacaban los twist de moda. Pronto se animaron ha hacer composiciones propias, bastantes de twist también y mucho, mucho surf instrumental por lo que llamaron la atención de una discográfica local que se arriesgó valerosamente a editarles el primer larga duración de la historia del rock peruano en 1963. La cuestión es que a los del sello no les gustaba el nombre y además ya existía una banda estadounidense de doo-wop llamada Jayhawks, así que decidieron cambiarles el nombre al un tanto ridículo visto desde el punto de vista actual como Los Incas Modernos, y así se editó el disco. Entre los temas a destacar están "Carnavalito" o "Twist del último verano". A pesar del éxito no volvieron a editarles ningún LP más y los Incas no permanecerían mucho tiempo juntos y tomarían caminos diferentes, muchas veces alejados de la música. Así su bajista Héctor Wu, siempre un amante de los coches, se dedicó a la mecánica de autos de carreras, consiguiendo gran prestigio en este campo, pasándose después a la automoción de turismos históricos.
Músicos: Manuel García Quiroga y Luis "Lucho" Bermúdez Molina (guitarra), Héctor Wu Geng (bajo) y Hugo Diaz da Silva (batería).

"Arreglo de shulfin" (1963)

Mitch Ryder & the Detroit Wheels (Detroit, 1965 -1967)

2011-07-05T13:14:00.005+02:00

A principios de los años 60 la música surf estaba extendiendo su zona de influencia desde California al resto de Estados Unidos y el rumor de sus olas llegó incluso zonas tan alejadas y poco playeras como la industrial Detroit. Allí tres chicos decidieron formar una banda del género, eran Jim McCarty, Earl Elliot y Johnny Badanjek, al que todos llamaban Abeja, no me pregunteis porqué. En busca de un cantante dieron con Billy Lee, un joven blanco cuyo verdadero nombre era William Levise Junior y que se ganaba la vida cantando rhythm & blues en una banda de negros llamada The Peps. Decidieron llamarse Billy Lee & the Rivieras y grabaron algunas maquetas que no alcanzaron practicamente ninguna repercusión. Además el otro grupo surf Los Rivieras había alcanzado el estrellato por lo que dicidieron cambiarse de nombre a Mitch Ryder & the Detroit Wheels, haciendo referencia de paso con lo de Ruedas a la entonces pujante industria automovilística de su ciudad. Consiguieron bastantes actuaciones en directo, muy celebradas, y su estilo varió ahora, ya mediada la década, a un rock & roll más acelerado y salvaje que recordaba los primeros tiempos de mitos como Little Richard, junto a algo de rockabilly pero con la influencia de los nuevos tiempos y del garaje ya presente. Obtuvieron su primer gran éxito con "Jenny take a ride" (1965), tema que llegó al número uno de las listas de R&B y al décimo de las totales, pero que en realidad no era más que una revisión moderna de clásicos del rock & roll como "See see rider" o "Jennie, Jennie, Jennie" a modo de pout-pourri. Tras su "Little latin Lupe Lu" y la deserción de Elliot llegó su magnífico single "Devil with a blue dress on" (1966), que de nuevo mezclaban con un clásico, "Good Golly Miss Molly", y que llegó al número cuatro de las listas nacionales. Estos grandes versioneadores del rock al fin triunfarían con un tema propio cuando su escandaloso "Sock it to me, baby!" (1967) también llegó a los primeros puestos. Sin embargo Levise / Lee dejó el grupo, convencido por altos ejecutivos para iniciar una carrera en solitario como Mitch Ryder. Tras él dejó la banda también McCarty (para tocar con Buddy Miles Express y con Electric Flag) por lo que Badanjek quedó como único miembro original de unos remozados Detroit Wheels que ahora girarían irremisiblemente hacia la psicodelia como lo demuestra su poco sutil oda al consumo de LSD "Linda Sue Dixon" (1968). Como la carrera en solitario de Ryder estaba siendo un desastre ambos amigos decidieron asociarse de nuevo llamando ahora al grupo simplemente Detroit a partir de 1969 y grabando una versión tan buena del "Rock & roll" de Lou Reed que este, lejos de enfadarse, declaró que era mejor que la suya y contrató al guitarrista de los nuevos Detroit. Mientras tanto McCarty, que había tocado incluso con Jimmy Hendrix, había entrado en una banda llamada Cactus que había contado entre sus filas con las luego estrellas Jeff Beck y Rod Stewart, pero los problemas internos le impulsaron a dejarlos y reunirse con Badanjek en 1972, de nuevo solo tras marcharse Ryder, para formar The Rockets junto a David Gilbert, de Los Amboy Dukes. Era una excelente banda que volvia en gran medida a los parámetros del rock & roll clásico y fueron tremendamente populares en Detroit, pero por desgracia el éxito mundial no les sonrió en un panorama musical dominado por el rock progresivo. Aun así subsistieron muy dignamente hasta 1983. Gilbert moriría de cáncer siendo aun joven algunos años despues, así como los demás miembros del grupo excepto precisamente McCarty y Johnny "Bee" Badanjek que continuaron con proyectos cada vez más rockabilleros hasta el momento actual en que McCarty lidera el grupo Mistery Train. ¿Y que fue de Ryder? Convertido en un hippy drogado se marchó a recorrer Europa a mediados de los años 70 viviendo como cantante en Alemania sobre todo y escribiendo una autobiografía sorprendentemente lúcida y autocrítica llamada muy significativamente "De como desperdicié mi oportunidad". Volvió a los Estados Unidos, instalándose en Los Angeles, negándose a someterse a los designios de los grandes empresarios y por tanto sin poder desarrollar su música tanto como el quisiera. Poniendo orden en su vida está ahora viviendo con una editora canadiense, sigue escribiendo, cantando y ahora actuando en películas ocasionalmente.
Músicos: Mitch Ryder (voz), Jim McCarty(guitarra), Earl Elliot y Jim McAllister (bajo), Johnny Badanjek (batería) y Joseph Kubert (guitarra rítmica).

"Jenny take a ride".

Bill Justis (Birmingham, 1926 - Nashville, 1982)

2011-06-29T18:19:00.006+02:00

Aunque nació en una pequeña población del norteamericano estado de Alabama, desde que era un chaval su familia se trasladó a Tennessee y en Memphis creció el pequeño Billy. En su adolescencia estudió música en un instituto de Nueva Orleans, demostrando pronto su talento como trompetista y saxofonista, por lo que decidió ganar un dinerillo tocando en conjuntos locales de jazz y de bailes de salón para sufragarse su entrada en la universidad musical de Luisiana. Terminados estos estudios superiores y convertido en un músico consumado, volvío a Memphis, donde Sam Phillips le contrató como músico de estudio en su legendaria discográfica Sun en 1954, el lugar donde se estaba gestando el rockabilly. No solo tocó para leyendas como Johnny Cash, Charlie Rich (al que descubrió él personalmente cuando estaba imitando a Sinatra en un club), Roy Orbison o Jerry Lee Lewis sino que también compuso e hizo arreglos para ellos. Pronto se animó a publicar como solista uno de sus temas instrumentales, "Raunchy" (1957), que llegó rapidamente al segundo puesto de las listas estadounidenses y al primero de las australianas, vendiendo un millón de copias y ganando un disco de oro, convirtiendose en la primera canción de rock & roll instrumental de éxito de la historia. Tras no irle del todo mal con otro tema, "College man", la fiebre del instro y la llegada de otros músicos del estilo con, quizá, más carisma y, seguramente, con más pelo, le llevaron a apartar un tanto la interpretación como solista protagonista para dedicarse a la producción de cantantes country en la meca del género, Nashville, desde 1961, fundando para ello un sello propio, Play Me. Sin embargo nunca abandonaría su propia carrera musical y haría un nuevo número uno en Australia con "Tamoure" (1963), ya derivando hacía la música surf, género en el que además haría ciertas labores filontrópicas y representaría a grupos como Ronny & the Daytonas. Luego tocaría el saxo para Elvis en la banda sonora de su película "Kissin´ cousins" (1964) y produciría canciones de gran éxito del mundo instrumental, surf o de garaje, siempre de exquesito gusto como "Green onions" o "Telstar", por citar algún ejemplo. A finales de los años 60 se pasó a componer bandas sonoras para cine y televisión, siempre dejando su sello personal. Por desgracia un cáncer lo retiraría de la circulación, matándole cuando solo tenía 55 años de edad.
Músicos: Bill Justis (saxo y trompeta).

"Raunchy".

Morcillo el Bellaco (Godella, 1949)

2011-06-22T20:17:00.005+02:00

Juan Antonio Morcillo Cozár, que tal es su verdadero nombre, aunque nació en una pequeña población de la provincia española de Valencia ha pasado gran parte de su vida en la vecina de Castellón. Gran aficionado al rock and roll desde su adolescencia se integra en el grupo algo ye-yé Los Sherpas en el año 1968, pero la suerte no les acompañará y pasarán bastante desapercibidos a nivel nacional. Así las cosas se meterá en el grupo de rock progresivo Motor, en 1973, tendencia esta que terminó olvidando gracias a Dios en poco tiempo para convertirse en uno de los referentes de la animada movida musical valenciana de los primeros años 80. Forma primeramente Los Auténticos, una banda de rock and roll todavía con resabios ye-yés que, aunque solo graba un single y un maxi-single, se convierte en mítico para buena parte de los rockeros valencianos. Morcillo deja a los auténticos en 1983 para unirse a Los Rítmicos, grupo más cercano al rockabilly y al que Morcillo aporta composiciones, presencia y algo más de dureza haciendose llamar a partir de entonces Morcillo el Bellaco y los Rítmicos y consiguiendo bastante fama a nivel nacional gracias a sus discos llenos de fuerza y a sus actuaciones televisivas. Su imagen de tipos duros e irreductibles se correspondía con la realidad de su carácter aunque no por ello menos simpáticos. Curiosamente se ha de destacar la incongruencia de aceptar ayudas y subvenciones oficiales (por cantar en valenciano algunos temas) bajada de pantalones opuesta radicalmente al espíritu del rock. Se les une el batería del grupo Cinema pero por desgracia Los Rítmicos de disuelven en 1988, haciéndolo algunos para formar la famosa banda Los Romeos, que triunfó en toda España con un pop-rock muy sensual gracias a la presencia y la voz melosa de su cantante Patricia (algunos de sus excelentes temas estaban compuestos por Morcillo). Paralelamente Morcillo ayudó en no poca medida a sus hijas a formar el rocker grupo femenino Las Gatas Negras, de gran calidad también. Pero la gran baza de este talentoso y carismático músico eran sus propias composiciones interpretadas por él mismo, que podían bascular entre el rock & roll clásico, el rockabilly, el punk o el hard rock con la misma garantía de calidad. Formó en los años 90 algún grupo como Los Rangers, moteros con los que dio a conocer el tema "Harley boys" (1990) o Los Morcillos, pero generalmente llevó una carrera en solitario, haciendose llamar ahora simplemente Morcillo, destacando su disco medio recopilatorio "El ritmo del buitre" (2004), sin desperdicio. Es curioso como después de anunciar su despedida y recibir incluso un homenaje volvió a los escenarios con fuerza y sacó un nuevo disco de título más que significativo, por este hecho y otros, "60 formas de molestar" (2008), punk-rocker hasta el fin.
Músicos: Morcillo (voz, bajo y guitarra), Miguel Angel Villanueva, Pedro José Villanueva, Juanki Tomás, José Angel Leiros y Santi "Cuchillo" (guitarra), Jesús Gimeno, José Luis "El Chino" Lorente y Joosan Arrebola (batería), Pedro López Moreno (bajo), Montse Martínez, Justo, Gisela Morcillo, Emilio "El Niño", Oscar Ureña, Diego Clanchet, Carlos, Nestor Esparrell, Oscar Martínez, Kike Amat, Héctor, Manolo Castillo y Tatín.

"Hielo"

The Jayhawks (Los Angeles, 1955 - 1959)

2011-06-06T12:28:00.004+02:00

En dos institutos vecinos de California exístian dos grupos de rhythm & blues vocal, Los Heart Thrills, con Carl Fisher y Cleo White entre otros, y los del Dorsey High, con James Johnson, Carver Bunkum y Rene Beard, este último hermano del actor que daba vida a Stymie, el gracioso negrito de "La Pandilla" televisiva. Los cinco chicos nombrados decidieron unir fuerzas para formar el grupo de du-duá Los Jayhawks y se pusieron a ensayar en la calle, enfrente de la tienda de discos Flash. Al dueño le gustó lo que oia y, decidido a crear un sello propio, les grabó algunas canciones en condiciones tan rudimentarias que en uno de los temas, "Counting my teardrops" (1956), puede oirse claramente como suena el teléfono de la tienda. No es de extrañar pues que este single no se vendiera nada bien, y los problemas se agudizaron por el mal beber que tenían Beard y White, lo que llevó a su expulsión del grupo, recalando ambos en Los Feathers. Fueron sustituidos por Dave Govan, el integrante de los Heart Thrills que se había quedado solo, y lanzaron ahora "Stranded in the jungle", un notable tema que les llevó a protagonizar buenos conciertos, aparecer en televisión y subir hasta el puesto 9 de las listas nacionales de R&B y al 18 de las totales. Puedieron telonear a Los Cadillacs, aunque esta experiencia fue agridulce pues los astros del doo-wop se reían de los Jayhawks por lo mal que bailaban. Aparte de su torpeza rítmica las cosas empezaban a ir bien de verdad, hasta que Bunkum les abandonó pues era un tipo muy religioso y se asqueó de conocer algunos aspectos sórdidos del mundo de la farándula de éxito. Entraron como nuevos miembros Richard Owens y Dave Bradley, pero la falta de buenas ventas hizo que dejaran Flash para irse a discos Aladdin, donde su más rockera "Johnny´s house party" (1957) obtuvo cierto reconocimiento. Por desgracia la tendencia no continuó y los chicos decidieron rebautizarse como Los Vibes, intentando reinventarse, a la vez que Owens pasaba más tiempo con su nuevo grupo, Los Ivy Leaguers, antes de pasarse a Los Six Teens. Sin embargo este apaño no dio buen resultado y los muchachos tuvieron que emplearse como los coros de otros cantantes de segunda fila como Sonny Knight o Danny Tyrrell, pero ocultos para estas ocasiones bajo el pseudónimo de Los Cleeshays (aunque una errata les haría aparecer en más de una ocasión como Los Cleechays). Finalmente retomaron el nombre de Jayhawks para sus edidiones en discos Eastman, pero como también ahora fracasaron (seguramente sus fans ya estaban tan confundidos que no podían seguirles) optaron por hacerse llamar, coincidiendo con la entrada de los años 60, Los Vibrations, haciendo ahora sencillos bailes de moda al uso de la época, destacando entre ellos "Watusi" (1960), que llegó al puesto 25 de las listas. Para complicar más las cosas problemas contractuales hicieron que aparecieran en lagunos discos posteriores acreditados como Los Marathons, y luego supuestamente para aclarar las cosas pero liándolas aun más como The Vibrations named by others as The Marathons. Increible. A pesar de este rompecabezas aun les iria bien con "My girl sloopy" (1964) o la balada "Misty" (1965), pero la llegada de nuevos sonidos les hizo derivar hacia el soul primero con gran acierto, pero cayendo luego en el olvido hasta su disolución en 1976. Fisher, que ya les había dejado tres años antes, formó entonces unos nuevos Vibrations entre los que estuvo un tiempo su ex-compañero Beard, y que todavía actuan. Johnson, Owens y Govan han muerto ya.

(no confundais a estos Jayhawks con el grupo homónimo de country-rock)

Músicos: James Johnson y Richard Owens (tenor), Rene Beard y Dave Govan (barítono), Cleo White (tenor y 2º tenor), Carl Fisher (2º tenor) y Carver Bunkum y Dave Bradley (voz bajo).

The Stargazers (Londres, 1980 - 1983)

2011-06-01T16:49:00.013+02:00

Considerados por algunos como la reencarnación británica de Bill Haley & the Comets, la realidad es que estos chicos mezclan con sabiduria a partes iguales el rock & roll de los primeros años 50 con el swing de los años 40, alejándose inteligentemente del revivalismo neo-rockabilly que arrasaba a principios de los años 80 pues ya el mercado se estaba saturando. Los solitarios fundadores fueron el gran guitarrista rocker Pete Davenport, que había estado tocando con Los Rhythm Cats, y su amigo Ricky Lee Brawn, que en principio solo sabía aporrear un tambor, pero pronto reclutaron un buen elenco que se curtió en el durísimo circuito de clubs londinense. Se hicieron llamar Los Stargazers en homenaje a un paisano grupo homónimo de swing de finales de los años 40 que consiguieron un número uno con "I see the moon" y otros buenos puestos con otras canciones. Estos se pasaron al rock & roll de forma descaradamente oportunista a mediados de los años 50, destacando el tema "She loves to rock " (1956), aunque la mayoría de su carrera transcurrió como anónimos coros de otros cantantes de mayor enjundia hasta su disolución a principios de los años 60. Volviendo a los modernos Stargazers llamaron la atención de Muff Winwood, del Spencer Davis Group, que era productor de la CBS, y les editó el single "Groove baby groove" (1982), que llevaba como apoyo publicitario un extraordinario video-clip que les aupó bastante en las listas de éxitos... hasta que una huelga en los transportes estancó las ventas de todos los vinilos en Inglaterra. Para su siguiente single, una versión del "Hey Marie" de su idolatrado Louis Prima, se recurrió a Julian Temple, el director que había triunfado con el docudrama punk "La gran estafa del rock & roll" y que aun lo haría con la retro "Absolute beginners", que grabó el video-clip en el legendario garito rocker 21´s. Gracias a esta nueva forma de auto-promoción televisiva se convirtieron en personajes populares en el Reino Unido y gracias a ello fueron teloneros de Carl Perkins y por culpa de ello de Elton John. Pero sorprendentemente Davenport decide dejar el grupo por ciertas desavenencias y, aunque se le sustituyó, el resto de chicos perdió fuelle y entusiasmo y decidieron separarse poco después para iniciar proyectos propios que duraron poco (alguno de ellos fue a los Chevalier Brothers). Es paradójico que fuera el culpable de su disolución, Davenport, quién más luchara ahora por reunificarlos a finales de la década de los años 80, con la ayuda de su amigo Brawn. Normal que solo consiguieran atraer al cantante Danny Brittain de entre sus viejos compañeros, y tuvieran que reclutar otros músicos entre amigos y familiares. Los irreconocibles Stargazers lo fueron aun más cuando Brawn tuvo que dejar el grupo para tratarse un cáncer que se cree se le empezó a desarrollar en una pierna rota tras caerse del escenario, pero más tarde, siempre con el aliento de la muerte detrás, y quizá por ello, consiguió que los miembros originales volviesen a la banda en 1989, y que poco después editaran su mejor álbum "Back in orbit" (1991), que se vendió lentamente pero seguro, y también consiguieron ser teloneros de Los Comets. De hecho Brawn haría asociación paralela con uno de ellos para crear la banda de western-swing Marshall Lytle & the Shooting Stars. Los Nuevos Stargazers ampliaron su mercado gracias a su triunfo por Europa (teloneando a grandes estrellas del rock & roll) y, sobre todo, por Japón, donde en seguida fueron adoptados como una de las bandas favoritas y la mejor de swing y proto-rock & roll... hasta la llegada avasalladora de la Brian Setzer´s Orchestra. Curiosamente cambiarían con el rubio ex-Stray Cat su lugar de residencia musical al emprender ahora giras por Estados Unidos cada vez con mayor frecuencia ya en el siglo XXI. Mientras tanto seguían con sus proyectos alternativos, como la afición de Brittain por el cine que le llevó a hacer una de las películas más demenciales de todos los tiempos, "Uranus", sobre una invasión de invisibles teddy boys extraterrestres, pero en 1994 Brawn no pudo más y hubo de retirarse. Él era el vínculo unificador del combo y empezaron las sustituciones nuevamente, reduciendo al grupo a un triste sucedaneo de lo que era que, tras la nueva marcha de Davenport, dejó a Brittain como el único miembro original. Los que quedaban, tras celebrar sus bodas de plata como combo, decidieron tomarse un respiro, separándose en principio momentaneamente pero costándoles cada vez más reunirse en tiempo y espacio.

Músicos: Dan Brittain (voz), Pete Davenport y Mark Bremen (guitarra), Simon Gilby y John Wallace (saxo), Anders Janes (contrabajo), Rick Brawn y Gary Richardson (batería) y Chris Gardner (piano).

Gerry Granaham (Pittston, 1939)

2011-05-26T11:43:00.007+02:00

Gerry Granahan nacio en un pequeño pueblo del norteamericano estado de Pensilvania y ya en su adolescencia consiguió trabajo radiando anuncios comerciales gracias a su buena voz. Cada vez más aprovechaba para cantar algo en las ondas, aburrido de su oficio, por lo que los de la empresa Hills & Range le contrataron para poner voz a las maquetas que les enviaban distintos autores con la esperanza de colocar sus canciones a los grandes artistas, sobre todo al emergente Elvis Presley, y así es como Granaham puso voz a las pruebas de canciones como "Teddy bear" o "Jailhouse rock" que al Rey del Rock le debían convencer de grabarlas. No es de extrañar que Gerry se convirtiera también en un enamorado del rockabilly con esperanzas de triunfar, consiguiendo diversos contratos discográficos, acreditado bajo el pesudónimo de Jerry Grant, que solo se plasmaron cuando discos Eldorado le editó "High school dance" (1956). Nada pasó excepto que le ficharon los de discos Atco y le editaron la un tanto pausada pero sensacional "Talking about love" (1957) acompañado por un grupo llamado Rockabilly Bandits (nada que ver con el actual grupo homónimo femenino californiano), pero como no tuvo éxito tuvo que volver a su poco agradecido trabajo de estudio. Cuando su amigo Tommy Volando fundó una nueva discográfica llamada Sunbeam vio de nuevo la oportunidad y grabó para él el rock high school "No chemise please" (1958), ya acreditado bajo su verdadero nombre, que llegó al número 23 de las listas nacionales. Sus siguientes singles alternaban con acierto rockabilly, doo-wop y high school, pero fracasaron en las listas relegando a un Gerry que de haberse hecho justicia habría sido considerado uno de los grandes genios tardíos del rock & roll. Quizá culpando un poco a la mala distribución y promoción de la casa, Granahan llevó su siguiente composición high school "Click clack" (hecha a medias con Dave Alfred, de Los Rhythm Orchids) al famoso presentador televisivo Dick Clark, que acababa de invertir sus ahorros en una recién creada discográfica, Swan, y que por tanto querría promocionarla con todos su poder, que era mucho. Así fue, pero como Granaham estaba aun bajo contrato con Sunbeam tendría que buscarse un pseudónimo en el que esconderse para editar el disco, y el elegido fue Dickie Doo & the Dont´s, una broma sobre el nombre del propio Clark. Aunque este no quisó promocionar "Click clack" (1959) con demasiada desfachatez la canción se vendió lo suficientemente bien como para que les llovieran ofertas de actuaciones. Ahí se les presentó el problema de crear a los fantasmales Dont´s para disimular, reclutando a una serie de músicos profesionales que acompañaran a Granaham y Alfred. Sus actuaciones resultaron muy divertidas y tenían la particularidad de que siempre había un duelo de baterías entre los dos amigos, ambos virtuosos del instrumento, relleno obligado por la falta de repertorio que se dió en llamar "The drums of Richard A. Doo". Lo curioso del caso es que este grupo tan artificialmente creado empezó a compenetrarse de tal manera que pronto se consolidó hasta volverse un combo real con nuevos temas propios en cuya composición intervenía toda la banda. No volvieron a tener el éxito de "Click clack" pero les permitió vivir bien de la música y fichar por United Artists en 1965, poco antes de su disolución. Mientras tanto Granaham también había llevado una carrera en solitario que, aunque abandonó el rockabilly completamente, dio todavía buenas muestras de su hacer, como su emocionante versión del "You´ll never walk alone". Paralemente inició una carrera como productor en la que incluso demostró más talento que como cantante, llevando las carreras de The Fireflies, Las Angels y Jay & the Americans hacía la cima, aunque metió la pata después con sus protegidos Jordan Christopher & the Wild Ones al cambiarles el tempo de su tema "Wild one" a extremos tan blandos que fue la versión posterior más rockera de Los Troggs la que alcanzó el éxito. Cuando Swan cerró y United Artists finiquitó su ramal musical, Granaham consiguió el puesto de vice-presidente de discos Dot, y más tarde de discos Paramount. En los años 90, por aclamación popular, volvió a los escenarios pero con cuentagotas, así que si encontrais una oportunidad de verle cantar sus viejas canciones de los años 50 no la dejeis pasar, no os arrepentireis.
Músicos: Gerry Granaham (voz y batería), Dave Alfred (batería), Ray Gangi (guitarra), Al Ways (saxo), Harvey Davis (contrabajo) y los Rockabilly Bandits.

"King size" (1958)

Emile Ford (Castries, 1937)

2011-05-25T17:46:00.003+02:00

Su verdadero nombre era Emile Sweetman y nació en las Indias Occidentales Británicas, siendo hijo de un oficial del gobierno y de una cantante de ópera. Siendo él muy pequeño viajó con su familia a la metrópoli en busca de mejores oportunidades y en Londres fue donde aprendió a tocar de forma autodidacta multitud de instrumentos como el piano, la batería, la guitarra, el violín y el bajo, entre otros, demostrando poseer los genes musicales de la madre, aunque hay quién señala que esta facilidad musical le viene de padecer sinestesia, es decir, una ultra-sensibilidad para ciertas influencias externas que, en su caso, le hacía percibir los sonidos también como colores. En su adolescencia se aficionó al rock & roll y formó junto a sus hermanastros George y Dave la banda Emile Ford & the Checkmates que empezaron a tocar primero en esquinas, luego (tras fichar nuevos componentes) en garitos y finalmente en clubs de cierto renombre con unos innovadores equipos de sonido diseñados por el propio Emile. Ya que se saltaron el paso obligado por el skiffle local para hacer directamente rock & roll, llamaron la atención de los cazatalentos televisivos que los llevaron a algunos programas, incluyendo el muy rockero "Oh boy!". Pero a pesar de esto y a ganar un importante concurso del Soho, las discográficas no se arriesgaban con ellos, así que Ford decidió auto-producirse el single "What do you want to make those eyes at me for?" (1959), una genialidad ya en sub-estilo high school muy influido por el du-duá que llegó de forma sorprendente al número uno de las listas, convirtiendole en el primer negro en vender más de un millón de copias de un single en el Reino Unido. Los de discos Pye, que ya les habían distribuido, les ficharon pero el nuevo manager, Leslie Grade, consideró que era más comercial que a partir de entonces fuera acreditado Emile Ford, provocando que sus medio-hermanos y sus amigos dejasen Los Checkmates (formando Los Originals Checkmates, y años más tarde el popular grupo psicodélico The Ferris Wheel junto a ex-miembros de West Five) y fueran sustituidos por algunos músicos menos sensibles, como el músico de estudio Alan Hawkshaw. Esta táctica se tradujo en nuevos números uno y continuar en la cumbre solo algunos meses más, hasta la decadencia de la edad dorada del rock and roll y el du-duá hacia 1962 merced a la fiebre que el sonido mersey beat liderado por los Beatles se apoderó de la población cual enfermedad incurable. Buscando nuevos y frescos mercados, dejó Pye y se marchó a vivir a Suecia, país donde le robaron sus grabaciones privadas y fueron vendidas y editadas por un sello local sin su permiso, lo que le produjo grandes perdidas económicas y emocionales. Ford se centró ahora más en su invención de nuevos equipos de sonido, sistemas que se vendieron bien en Gran Bretaña, ingresos que complementó con su labor como productor de nuevos artistas. En los años 90 se trasladó a California para ampliar su mercado de equipos de sonido y al parecer le va bastante bien. Me alegro. Por su parte Los Checkmates que quedaban habían formado Los Excheckers, de nulo éxito y efímera vida (pasando alguno de sus componentes a la Climax Blues Band), excepto Hawkshaw, que tocó una temporada con Los Shadows antes de formar un oportunista grupo de música disco ya entrados los años 70 llamado Love & Kisses. Luego se dedicó a acompañar y hacer arreglos a estrellas Dusty Springfield, Olivia Newton-John o Barbra Streisand, antes de encontrar el filón que era hacer música para películas y programas de televisión.
Músicos: Emile Ford (voz, piano, guitarra, batería y bajo), George Sweetman (bajo), Dave Sweetman y Les Hart (saxo), Alan Hawkshaw (piano), Ken Street y Pete Carter (guitarra) y John Cuffley (batería).

"What do you want to make those eyes at me for?"

Los Wild Cats (Rosario, 1963 - 1965)

2011-05-24T23:04:00.003+02:00

El chico argentino Ciro Fogliata, que había estudiado piano y clarinete clásico, se decantó no obstante en su adolescencia por géneros más modernos, formando varias bandas como Eagle Dixieland Band o Los Diamantes, junto a Juan Carlos Pueblas y Ricardo Bellini, que hacían swing. Pero no es hasta principios de los años 60 que crea de nuevo junto a Pueblas y Bellini y el añadido de Rubén Rojas uno de las formaciones más sólidas de Argentina, The Wild Cats, los cuales pronto se hacen un nombre a base de versiones en español de clásicos del rock de gente como Elvis, Larry Williams o Chuck Berry, llegando a aparecer tempranamente en un conocido programa de televisión. Los chicos se trasladan a vivir a Buenos Aires en busca de una oportunidad y pasan momentos duros de gran pobreza, pero finalmente les contrata la discográfica Fénix, que les edita el single "La respuesta" (1964), lo que junto a otros temas propios y más versiones con las que ganaron el primer concurso de rock & roll nacional, les convertirían en el principal grupo rocker del país en aquel momento. Pero de forma sorprendente Rojas decide retirarse y es sustituido por Lito Nebbia, proveniente de Los Sabres, un cantante de una familia de humildes músicos ambulantes que ya había contribuido con ellos en el pasado, decidiendo dejar de lado los pasados de moda nombres anglófonos para traducirse como Los Gatos Salvajes a partir de 1965. La marcha de Bellini deja a Fogliatta y Pueblas como los únicos miembros originales y se alejan paulatinamente del rockabilly, aunque aun harán uno de los mejores álbumes del rock argentino, siendo contratados poco después para un programa fijo en la televisión nacional e incluso para hacer una película musical. Sin embargo cuando no se les renueva el contrato catódico las dificultades económicas empezaron a apretarles y la banda se disolvió en 1966. Nebbia y Fogliatta se marcharon a vivir juntos gracias a lo que ganaban tocando en pequeños garitos nocturnos en los que se concentraba la exigüa ya parroquía rocker, de donde también saldrían bandas como Los Seasons, o seguidores del pop como Los Beatniks o Los In. Finalmente los dos amigos conseguirían reclutar otros amantes del buen rock & roll para formar una evolución de su antigua banda, llamada ahora simplemente Los Gatos. Entre los reclutados estaban los dos ex-integrantes de Los Halcones (que fueron un tiempo banda de apoyo de Johnny Tedesco) Oscar Moro y el siciliano de nacimiento Kay Galifi, y el enamorado de los Rolling Stones Alfredo Toth. Precisamente la influencia de los Rolling marcaría la evolución posterior del grupo tanto estética como ritmicamente, alcanzando cotas de calidad muy altas una vez mezclado con algo de psicodelia. Su primer single, "La balsa" (1967), fue un tremebundo éxito en el país que se convirtió en la canción del verano y está considerada por muchos como la mejor canción del nuevo rock argentino. Su álbum consiguiente sería uno de los mejores del rock en español, con nueva vuelta al rock clásico gracias a algún tema del gran maestro Moris y otras canciones propias. Los Gatos eran unas superestrellas que llegaron a actuar como teloneros de Paul Anka, de ahí el que nadie comprendiera que en plena cima Nebbia decidiera emprender una carrera en solitario (cuyas primeras muestras furon el single "Rosemary" y la película "El extraño de pelo largo") y que el resto de Gatos se fueran a Estados Unidos a aprender nuevas corrientes artísticas en una especie de año sabático psicodélico. A su vuelta decidieron reaunudar la carrera de Los Gatos, pero Galifi no se unió al grupo al preferir ahora radicarse en Brasil, siendo sustituido por Pappo, un músico proveniente de Los Abuelos de la Nada (banda de rock algo más durillo en la que también estaría algo más tarde Andrés Calamaro). La influencia hard de Pappo se nota en los siguientes discos del grupo, destacando "Rock de la mujer perdida", que hacen que surjan problemas por las diversas formas de entender la música, siendo el más nobel en la banda el que habría de dejarla poco después, para formar bandas propias que se iban acercando paulatinamente al heavy metal: Pappo´s Blues, Aeroblus, Riff (donde también colaboró Moro) o Widow Maker y tocando con algunas de las grandes estrellas de este género y del blues, aunque nunca olvidó el buen rock & roll hasta el día de su temprana muerte cuando se estrelló con su Harley Davidson. El resto de Los Gatos, mientras tanto, no estuvo mucha más tiempo junto, disolviéndose en 1971. Moro se empléo como chófer (pero mantenía también el grupo Huinca, junto a Nebbia), mientras que Fogliatta y Toth, junto a ex-miembros de conjuntos como Los Walkers, La Bolsa o Pescado Rabioso, formaban Sacramento, una banda de rock fusión bastante mediocre y que tampoco duró mucho. Entonces Fogliatta, tras colaborar con Moris, formó diversos combos no demasiado destacables como Grupo Uno, Espíritu (de rock sinfónico ¡Uf!), Polifemo, Blues Banda y finalmente Los Desconocidos de Siempre en 1977, junto al mismo Toth (que mientras había estado en un grupo pésimo llamado Santa Bárbara) y otros músicos argentinos de renombre provenientes de Sui Generis. Hacen folk y ello les plantea numerosos problemas con la terrible dictadura argentina que en esos años se enseñorea del país, lo que terminaría por asfixiarlos y disolverlos. Toth, tras tocar con algunos de los grandes de la música sudamericana, forma el grupo de éxito G.I.T. (junto a miembros de Banana), mientras que Fogliatta se exilia a España en 1979. Y es aquí donde Fogliatta vuelve al rock & roll clásico al integrarse en la banda de su gran compatriota y amigo Moris. De ahí pasa al efímero grupo Carolina y luego a la excelente e inolvidable banda de rock and roll nacional Mermelada. Con la arrolladora llegada de la movida musical española de los años 80, Fogliatta se integraría como uno de sus mejores y más activos músicos, formando bandas como Tráfico de Rubíes (junto a la sin par Rubi, de Rubi & los Casinos) o Hot Dogs y tocando con otros famosos grupos como Los Secretos o Los Elegantes, aunque sin perder su afán por experimentar, como cuando hizo una ópera rock. Finalmente se decide a emprender una carrera como solista, acompañado por Los Blues Makers, y, tras tocar también con su viejo amigo Calamaro, vuelve a Argentina donde es considerado con justicia como uno de los grandes del rock. En 2006 fallece Moro (que había estado tocando con grupos rarísimos como Color Humano, Porsuigieco, La Máquina de hacer Pájaros, Serú Girán, ... y uno bueno, Billy Bond & the Jets) víctima de una úlcera sangrante que le provocó su alcoholismo y el resto de antiguos Gatos Fogliatta, Toth (ahora productor), Galifi (al que se había perdido la pista 40 años) y Nebbia (que había pasado sucesivamente por la música folklorica, el jazz, el tango y el exilio en Méjico) deciden volver a reunir a Los Gatos como último homenaje al amigo caido, aunque ahora han vuelto cada uno a sus proyectos.
Músicos: Rubén Rojas (voz), Juan Carlos Pueblas (guitarra), Ciro Fogliatta (teclados), Ricardo Bellini y Basilio "El Turco" Adjaydie (batería) y Guillermo Romero (bajo).

"La respuesta", ya como Gatos Salvajes derivando a la psicodelia sin remedio.

High Noon (Austin, 1988 - 1996)

2011-05-24T13:27:00.004+02:00

Sean Mercher, Kevin Smith y Shaun Young, unidos por su común amor al rockabilly decidieron formar esta banda en el estado norteamericano de Tejas, llamándola así en honor del título original de la película, obra maestra del western, "Solo ante el peligro". Aunque eran solo un trío sin batería hacian el ruido suficiente para que los de discos Dojo se interesaran por ellos y les editaran un single, trabajo que fue bastante bien aceptado por los aficionados locales al género. No es de extrañar pues que pronto llegara un álbum, "Show and dance" (1990), un excelente muestrario de rock & roll y rockabilly que hizo que no solo empezaran a actuar por todo su país, sino que fueron reclamados en Europa, recalando primero, como no podía ser de otra forma, en los paises nórdicos con gran éxito de crítica y público. Trabaron buena amistad con los músicos escandinavos y de hecho algún miembro de Los Barnshakers y alguna que otra banda han hecho apariciones estelares en sus discos subsiguientes. Tras grabar un par de EPs en compañías menores y abrir su repertorio al hillbilly, ficharon finalmente por discos Goofin´, ya una garantía de calidad y estabilidad, que les editó el CD "Stranger things" (1995), un gran disco que también se puede encontrar en vinilo... en Japón. Precisamente por este país asiático también salieron de gira, así como por Rusia o España y pronto se convirtieron en uno de los grandes nombres del neo-rockabilly de los años 90, apareciendo incluso en la televisión estadounidense o teloneando a Ronnie Dawson. Sin embargo, tras una última gira nipona, decidieron separarse de forma bastante amistosa pues nuevos proyectos diferentes bullían en las cabezas de sus componentes. Así, Smith ha tocado desde entonces en grupos fusión como Asylum Street Spankers (folk-rock sarcástico), 8 1/2 Souvenirs (swing-jazz) o Hot Club of Cowtown (western-swing), todos de su localidad tejana; Mercher se trasladó en cambió a Maine para dedicarse a la producción, aunque no abandonó los escenarios con su nueva banda, Los Sean Mercher & his Pine Tree Three, y también ha tocado en multitud de ocasiones con Wayne Hancock; mientras que Young formó Shaun Young & his Texas Trio (luego reconvertidos en Shaun Young Band o Shaun Young Combo) a la vez que ayudaba a otros grupos como The Jive Bombers o los Horton Brothers, pero en estas ocasiones tocando la batería en vez de cantando. Aunque los High Noon volvieron a reunirse para algún concierto concreto y había planes para grabar algún nuevo disco, la verdad es que a día de hoy siguen oficialmente separados, de hecho en los nuevos conciertos anunciados como del grupo es raro encontrar con ellos a Smith, que está tocando practicamente como músico fijo de la estrella del hillbilly Dwight Yoakam (o con su nuevo proyecto, Willie & the Wheel), siendo sustituido por Jimmy Sutton, procedente de Los Four Charms.
Músicos: Shaun Young (voz y guitarra acústica), Sean Mercher (guitarra) y Kevin Smith (contrabajo).

"Who was that cat?" (1996)

The Vals (Chicago, 1961 - 1962)

2011-05-24T08:14:00.007+02:00

Connie Toole, el entusiasta propietario de Theron Records, seguía buscando el grupo que le sacara de la ruina permanente en que se encontraba su sello, pero con una coherencia y una testarudez que le honran lo seguía haciendo con grupos de doo-wop cuando ya el género estaba entrando en crisis. Se trajó a su estudio a un grupo de chicos que no lo hacían mal y a los que practicamente el entrenó y presentó y, sin ni tan siquiera tener un nombre, les grabó un par de temas que, esperanzado vendió a la discográfica Unique. Estos les editaron el single "The song of a lover" (1961), una balada que llevaba en la cara B la más rockera "Compensation blues", con una tirada de solo 150 ejemplares y claro, nada pasó y el disco pasó totalemente desapercibido... hasta hoy, ya que es una de las grandes joyas de coleccionista pues solo se tiene conocimiento de que se conserven cinco. La razón del fracaso de los Vals (que se bautizaron así no por el baile clásico, sino porque el propietario de Unique se llamaba Val Hutchinson) es fácil de explicar: al comienzo de la década de los 60 el du-duá cincuentero que hacían los chicos estaba más que muerto arrasado por los ritmos bailables y el high school, y además, seamos sinceros, Los Vals no eran ningunos portentos en originalidad y carisma. Así las cosas Hutchinson les empleó como coros de una nueva promesa, Vicky Johnson, buen proyecto mezcla de soul y doo-wop que lamentablemente solo se materializó en el single "Bells are ringing" y que llevó a la disolución del grupo poco después. De ellos Ernie Morris volvío a grabar solo un single en solitario, "Please don´t hurt me", mientras que el resto abandonaba la música. Toole también fue a la ruina a principios de los 60 y se empleó en diversos oficios hasta que terminó como juez antes de morir de forma temprana a finales de la década. Existieron también unos Val Chords, buenos rockeros que grabaron "Candy Store love", unos Val Aires (que eran en realidad The Vogues jugando a hacer un doo-wop diferente), unos Val Quons, que grabaron "Teardrops" (1964), unos Jo-Vals, con el buen tema "Ballerina" (1964) y unos Val Jeens , cuyo romántico tema "Darlene" (1966) se vendió bastante bien localmente; todos ellos de vida aun más efímera que Los Vals aquí tratados. Actualmente hay un grupo que se llama The Vals pero es de flower-pop de esos y que no merece más que esta linea.

Vicky Johnson & the Vals y su "I´ll get you" (1962). Si eres uno de los millonarios que tienes el single de los Vals cuélgalo, no seas acaparador, e invita a unas cerves de a litro.

Red River Jamboree

2011-05-23T16:23:00.003+02:00

Mediados los años 50 un nuevo festival de música surgió a imitación de otros de estilo country que poblaban el sur de los Estados Unidos, pero en este caso ya más centrado hacái el rock & roll y el rockabilly, pudiendo ser considerado el pionero en la casi exclusividad de estos géneros; era el Red River Jamboree, que se celebraba en Paris, en pleno corazón de Tejas. Estaba producido por el comediante y tañedor de banjo Roy Glenn y era transmitido por la emisora local KFTV y solía estar presentado por el pincha-discos Pee Wee Reid. Reid era un indio que había tenido su propia banda de música desde los años 40, en la cual tocaba el contrabajo, y que gustaba de abrir el espectáculo tocando algún tema propio, a veces incluso acompañado por el propio Glenn. Con este estrafalario comienzo empezaba el concierto, teniendo lugar el primero de ellos el 18 de octubre de 1956. Empezaba a las siete y media de la tarde de los jueves en la Plaza Sur de la Ciudad, un poco en las afueras, y era más una promoción comercial gratuita llena de anuncios y tiendas que un verdadero concierto de rock & roll. Pero conforme su popularidad fue en aumento se cambió el horario a las ocho de la noche de cada sábado, y se prolongaba su duración a unas tres horas más o menos en el Coliseo del recinto ferial. Más tarde aun se hizo una pre-fiesta, no transmitida, de unas dos horas al mediodía del mismo sábado. En un principio solo aparecían artistas locales como Nan Castle, Los Case o los hermanos Shelton, y aunque seguía incluyendo mucho hillbilly como relleno el rockabilly ya era la parte primordial del espectáculo. Adolescentes del estado y de fuera venían cada fin de semana y pronto grupos como Willie Harris & his Ramblers, efímera pero popular banda tejana de rockabilly, se hicieron habituales de su escenario. Luego grandes estrellas como Jimmie Rodgers o Ernst Tubb tocarían allí, e incluso el dúo George & Tammy le dedicarían una canción al evento, pero la verdad es que con la decadencia del rockabilly a finales de los años 50 el festival cayó en un declive que le llevaría a la desaparición como tal, pasando a convertirse en un programa pregrabado para la televisión canadiense lleno de artistas de música country o hillbilly, desde 1960 (reemplazando a su equivalente local "Country Hoedown") y hasta 1965, en que fue sustituido por "Country a go go". Luego, ya en los años 80, unos desaprensivos compraron los derechos del nombre y el festival se convirtió en un reaparecería al amparo del revivalismo de los festivales de rockabilly, se intentando recuperar su espíritu original.

Los Shelton Brothers solían hacer de teloneros en un número algo humorístico.

Freddy Fender (San Benito, 1937 - Corpus Christi, 2006)

2011-05-15T18:32:00.008+02:00

Baldemar Huerta nació en el barrio hispano de un pueblo tejano y en seguida dio muestras de gran talento musical, aficionándose sobre todo a las rancheras mejicanas y otros sonidos latinos, aunque también recibiría influencias de la polka de los numerosos emigrantes alemanes y del blues de los negros que trabajaban en la recolección con sus padres, lo que daría lugar a su sonido tex-mex tan peculiar. Con solo diez años ya debutó en la radio cantando un popular tema chicano, y ganó también un concurso amateur, perfilándose como una de las grandes promesas de la música latina estadounidense, aunque sin embargo en su adolescencia se convirtió en un muchacho algo problemático y errático que terminó por alistarse en los marines cuando solo tenía 16 años. Truncó temporalmente lo que parecía un gran futuro en la música por una desastrosa carrera militar pues en el ejército no se enderezó y tuvo multitud de problemas de disciplina, siendo finalmente licenciado sin haber pasado del grado de soldado raso. De vuelta a Tejas empezó a tocar en tugurios de mala muerte para ganarse la vida, habiendo derivado ya hacía el rock and roll y el rockabilly y teniendo mucho éxito en bares hispano-parlantes con sus versiones en castellano de éxitos rockeros, destacando entre ellas "No seas cruel" (1957), versión del "Don´t be cruel" de Elvis, "El rock de la cárcel", del mismo artista, "Encaje de chantilly" (1958), el "Chantilly lace" del Big Bopper, o "Tu frío corazón" (el "Cold, cold heart" de Hank Williams) que rapidamente le fueron editadas con mucho éxito en Méjico y algunas partes de Sudamérica, acreditado en los últimos temas citados con el misterioso sobrenombre de El Bebop Kid, aunque poco después adoptaría el nombre artístico de Freddy Fender por la marca de su guitarra y su amplificador, destacando en esta época los temas propios "Rocanroleando" y, sobre todo, la sensacional balada swamp "Wasted days and wasted nights" (1959). Sin embargo es detenido por estar fumando marihuana con un miembro de su banda y su público le dio la espalda por completo, ya que solían ser miembros del sur conservador amantes del country o de grupos latinos que veían con malos ojos que diera mal nombre a su comunidad. A la espera de juicio, para espantar fantasmas, decide cambiar de nombre a Eddie Medina, y aparecer medio escondido entre un grupo ya eminentemente rockabilero llamado Eddie con Los Shades que, aunque como tales no triunfaron demasiado fuera del reducido círculo de rockers hispano-tejanos, debemos nombrar su "Acapulco rock". Buscando la fama a la vez que volvía loco a cualquiera que pretendiese seguir su carrera, disolvió la banda y retomó su carrera en solitario pero ahora haciéndose llamar Scotty Wayne y con estilo más cercano al high school en que había derivado el rockabilly. Pero en ese momento llega su juicio y una injusta y exagerada condena de cárcel. En una granaj prisión hubiera languidecido Freddy mucho tiempo solo por estar fumando un porro si el gobernador Jimmie Davis, a la sazón también músico, no hubiese decidido indultarle tras tres duros años enclaustrado. La condición para salir bajo palabra era que se mantuviese alejado de los garitos y de la música de rock and roll, entre otras cosas, algo que le hizo pensar si no hubiese sido mejor la pena de muerte. Con su carrera coartada y destruida Freddy se puso a trabajar en los más diversos oficios durante los años 60, permaneciendo más tiempo en el de mecánico y solo tocando los fines de semana y grabando poco, entre ellas "La banda está borrracha" y el tema de baile a la moda "The new stroll", ya llamándose, de forma definitiva, Freddy Fender. En los años 70, como tantos otros clásicos del rock & roll, se recicló en cantante country (aunque nunca olvidó el swamp pop) y fue Freddy el que con más éxito lo logró. Su single "Before the next teardrop fall" (1974) fue número uno en las listas nacionales del género (y luego de las listas totales, hecho inédito hasta entonces) y disco de oro, algo que repitió con sus siguientes tres sencillos, entre ellos una versión estilo country de su "Wasted days and wasted nights", convirtiéndose en una las mayores estrellas del country & western y en rey indiscutible en su rama hispana (gracias a temas como "Vaya con Dios" y a que siempre metía frases en español en las canciones en inglés), estatus en el que se mantuvo hasta bien entrados los años ochenta y que amplió al campo del cine y la televisión. A finales de esa década se asoció con el Flaco Jiménez, Augie Meyer y el ex-rocker Doug Sahm para formar Los Texas Tornados, un super grupo de tex-mex que tuvo un éxito inmediato con "Soy de San Luis" (1990) y después con la inolvidable "Hey baby, ¿Que pasó?" y que solo se vendría abajo con la temprana muerte de Sahm. Así las cosas Freddy y Jiménez se unirían ahora a Rubén Ramos, Joe Ely, Rick Treviño y los miembros de Los Lobos César Rosas y David Hidalgo para formar Los Super Seven, un título el del conjunto que da idea de su calidad, pero que por desgracia no duraría demasiado por los compromisos diversos de sus componentes. Entonces Fender, ya todo un mito que podía hacer musicalmente lo que quisiera, sacó en el año 2001 un álbum de boleros que fue un triste epílogo a una carrera musical que no merecía ese castigo. Y es que Freddy se encontraba ya muy enfermo, necesitando pronto un transplante de riñón que le donó su hija, y luego uno de hígado. La llegada de nuevos órganos no le solucionó mucho pues un cáncer se le fue extendiendo ahora a los pulmones y finalmente se lo llevó a la tumba cuando tenía 69 años de edad. Esperamos estará en el cielo fumando hierba pues era una excelente persona, soporte de muchas asociaciones filantrópicas.
Músicos: Freddy Fender (voz y guitarra), Danny Snow (batería) y Los Romanceros.

"I´m gonna leave" (1959)

Nan Castle (Greenville, 1941)

2011-05-12T17:17:00.001+02:00

Su verdadero nombre era Nancy Louise Castleberry, aunque todos la llamaban Nanette, y nació en un pueblo tejano donde su padre era bastante conocido como músico hillbilly de varias bandas itinerantes por todo el estado. La pequeña Nanette empezó a acompañarle en sus giras cuando solo tenía cuatro años, despertando la ternura y la admiración del auditorio al oirla cantar con tanta desenvoltura. La fama de la niña y del Señor Castleberry se empezó a propagar a los estados vecinos, incluso al norte de Méjico, cuando fueron requeridos para actuar por allí, ganando no pocos concursos de talentos. En su adolescencia, bautizada ahora con el nombre artístico de Nancy Castle y con su padre como mero músico de acompañamiento, comenzó a actuar en la radio de Paris, Tejas, derivando su estilo radicalmente hacia el emergente rockabilly y consiguiendo finalmente un programa radio seguido por una legión de fieles, "The Nancy Castle Show". Tocó como cabeza de cartel (¡Con solo 15 años!!) en uno de los primeros festivales rockabilly de la historia, el Red River Jamboree, teniendo como telonero a su propio padre, entre otros. De ahí dio el salto a la televisión de Dallas o al gran festival Big D. Jamboree, haciendo varias veces duetos con gente como Haskell Jones o Los Belew Twins, que se empeñaban en encorsetarla en el country. Harta, practicamente huyó con su padre a Nashville con el fin de salir del conservadurismo musical del que se estaba rodeando y dar rienda suelta a su vena más rockera. Tuvieron mucha suerte al contactar con las personas indicadas (Chet Atkins entre ellos) y Nan, como la rebautizaron ahora, fue fichada nada menos que por la discográfica RCA. Se le editaron tres singles, entre los que destaca el tema "Starlight, starbright" (1957), y se la promocionó en radio y televisión, llegando a actuar en el gran festival de rock & roll Grand Ole Opry. Pero no tuvo el éxito esperado y su padre la devolvió al instituto para que terminara sus estudios y si, una vez conseguido esto, quería seguir con la música bien estaba. Pero para cuando Nan se graduó la fiebre por su querido rockabilly ya había pasado, por lo que no retomó su carrera musical. Se casó y tuvo hijos y nunca más volvió a interpretar.
Músicos: Nan Castle (voz), Paul Castleberry (guitarra, mandolina, banjo y contrabajo) y The Escorts (coros).

"Starlight, starbright"

Truly Lover Trio (Montevideo, 1992)

2011-05-11T08:53:00.008+02:00

Marcel Riesco, un uruguayo gran amante del rock & roll, empezó a tocar la guitarra de forma autodidacta con la ilusión de formar una banda del género a finales de los años 80. Tras mucha práctica y paciencia consiguió cierto virtuosismo y reunió a dos amigos para formar Truly Lover´s Band, que poco después pasaría a llamarse Truly Lover Trio, pues lo de banda para solo tres componentes quedaba bastante exagerado. Consiguieron algunas actuaciones y editaron un single encantador por lo nostálgico de los primeros rocks en español de los años 50, "Vamos a rockear" (1995). No es que fuera un éxito pero de tocar en bares y clubs pasan a ser invitados a programas de televisión y al festival de Indianapolis, en principio como aportación exótica sudamericana pero luego dejando al público boquiabierto con su saber estar y rockabilly lánguido un poco al estilo Roy Orbison (de hecho una cita obligada suya son los conciertos y festivales homenaje a Orbison, su especialidad). Pronto el sello Sunset les edita el EP "Lonely blue dreams" (1998), una auténtica joya para coleccionistas por lo poco que se vendió, pero que les reafirma en su estilo y les da más nombre dentro del mundillo rocker platense, tocando en el Festival de Buenos Aires, entre otros importantes eventos. Resuelto Riesco a triunfar desde el centro neurálgico del rockabilly de entonces en América, emigró a California en en año 2002, pero la competencia era muy dura y los promotores unos aprovechados que hicieron que pasaran malos ratos. Por suerte tenían talento de sobra y nunca les faltó trabajo, estableciéndose allí de forma casi definitiva y cantando ahora ya casi siempre en inglés, lo que hace que mucha gente piense equivocadamente que son un grupo de Los Angeles más, sin origen uruguayo. La verdad es que su contacto con el mercado hispano no se interrumpió y fueron captados por el sello especializado español El Toro, que les edita su primer álbum, "Hey little girl" (2004), grabado por cierto en casa de Omar Romero, y que les sirve para aparecer en el prestigioso festival español Screamin, dándoles aun más renombre. Tras decidir marchar sus compañeros de vuelta a Uruguay, Riesco reclutó nuevos miembros anglosajones, entre ellos John Carlucci, el cual provenía de Los Speedies, una banda que había conseguido una relativa popularidad en los Estados Unidos gracias a una sintonía para un anuncio y Jeff Gerow, de Los Stringboppers del citado Omar. Riesco creó su propio sello, Twinkletone, editando más álbumes (incluyendo algún tema en español como el inédito de la primera época "Un tonto más", algo siempre de agradecer), confirmando su estatus de banda de primera fila en el mundo del rockabilly mundial con su participación en los grandes festivales especializados del orbe, como el Viva Las Vegas y teloneando a gente como Los Crickets o Glenn Campbell. Carlucci dejó la banda para incorporarse como músico ocasional en otros conjuntos como los surferos The Ghastly Ones, Los Spraugue Brothers o el de acompañamiento del gran Deke Dickerson, entre otros; y también lo dejó Gerow, siendo sustituido un breve tiempo por Freddie Sandoval, uno de los temporeros músicos de Ray Campi en el siglo XXI, y por Ricky McCann, uno de los habituales de Luis & the Wildfires.
Músicos: Marcel Riesco (voz y guitarra), Santiago Graciano, John Carlucci y Randy "T-Bone" Stanton (contrabajo), Bobby García, Jeff Gerow, Freddie Sandoval y Ricky McCann (batería) y George Friend (palmas).

"Lets go out tonight" (2008).

Los Sonor (Madrid, 1960 - 1965)

2011-05-06T07:50:00.006+02:00

Unos amigos de la capital de España deciden formar un grupo de versiones de rock and roll y du-duá al que ponen el nombre de Los Sonor. Son Carlos Guitart, Joe González, José Antonio Otero y Manuel Escobar, y pronto empiezan a conseguir bastantes actuaciones en clubs de la ciudad. No obstante Otero decide dejar la banda, siendo sustituido por un tipo llamado Luis Eduardo Aute, que también canta. Con esta nueva formación y con un batería alquilado se presentan al famoso programa concurso de televisión "Salto a la fama", que no ganan pero que les hace ganar cierta fama al no estar acostumbrado aun el país a ver rockeros nacionales. Aute les deja también, convirténdose con el tiempo en uno de los cantautores españoles de más éxito (su tétrica "Al alba" llegaría al número uno muchos años después), poco antes de que consigan un contrato nada menos que con RCA, multinacional que sin embargo decide no arriesgar nada y la promoción de su primer EP, en el que destaca su versión de "Unchained melody", "Melodía encadenada" (1961), se la tienen que hacer ellos mismos. La tirada de 250 ejemplares no daba para más que para regalarlos a los pincha-discos y que estos promocionaran su música por la radio. Fue suficiente, lograron que les invitaran al entonces prestigioso Festival de Benidorm ganando el primer premio y la fama nacional, confirmada poco después con el éxito de "Esa chica alborotada" (1961), una vez más versioneando clásicos rockeros del otro lado del Atlántico con bastante fortuna. Tras nuevos cambios en la formación (entrando entre otros Manolo Díaz) y como tantos otros grupos de la época los chicos tocaron los bailes de moda, que en los primeros años 60 hacían verdadero furor, como el twist o el madison, pasándose, tras la marcha de Díaz a trabajar en Liberia (pronto volverá para intentar una carrera en solitario) y coincidiendo con el fichaje por discos Philips, a la música surf y los temas intrumentales, destacando entre ellos "Barracuda" (1963). Pero de forma sorprendente dejan la banda González (para formar Los Pasos junto a ex-miembros de Los Diablos Rojos y Los Flaps, y que luego darían lugar a los pésimos Taranto´s) y Escobar para iniciar una mediocre carrera en solitario bajo el nombre de Emmanuel (aunque luego le irá mejor con un deleznable grupejo llamado La Compañía) y el resto de los muchachos empiezan a adaptar temas populares españoles, destacando "Los cuatro muleros" (1964). Pronto caen en cierto conformismo y se olvidan de la acústica del rock & roll clásico, evolucionando al rock sesentero y enmarcándose un poco en los postulados del movimiento ye-yé, de los que son precursores. Hacen una gira por Francia, pésimas contribuciones cinematográficas y de banda de acompañamiento de Miguel Ríos, por lo que no extraña que en ese momento el batería Jorge Matey deje el grupo para irse a Los Pekenikes (luego estaría en Beta Quartet y en Los Archiduques -la primera banda del luego malogrado rey del tecno-glam español Tino Casal-) y que Guitart, el único miembro original que quedaba, se vaya para formar el efimeramente exitoso grupo Los Flecos (con ex-integrantes de Los Estudiantes y los propios Flaps), disolviéndose el resto poco después. Dos de ellos, Tony Martínez y Manolo Fernández, deciden entonces unirse a tres miembros de un grupo mallorquín llamado Mike & the Runaways (antes conocido como Lom & the Cries), uno de los cuales es un carismático cantante aleman, currante en una fábrica de cerveza, que ya ha grabado acreditado como Mike Keller o Mike & the Firebirds, y que ahora se hará llamar Mike Kennedy. Durante unos meses, bako el ala protectora del propio Diaz, se harán llamar algo engañosamente Los Nuevos Sonor, ya que su sonido es claramente ye-yé, pero tras la entrada como manager del propio Guitart se rebautizarán muy oportunamente como Los Bravos, haciendo historia en el rock con su super-éxito "Black is black" (1966), obra que llegaría a los primeros puestos de las listas en gran parte del mundo occidental. Tras unas giras más recordadas por las aventuras pasadas que por el clamor popular (en Turquía, como no, a punto estuvieron de ser linchados), decidieron circunscribir su radio de acción a España, nación donde se mantuvieron en la cresta de la popularidad hasta que la mujer de Fernández se mató en un accidente de coche y él, desolado, decidió suicidarse. Una claúsula del suculento contrato cinematográfico que tenían (lo que más alegrías les daba ya a finales de los años 60) estipulaba que quedaba roto si uno de sus populares componentes se separaba del grupo de forma voluntaria: El suicidio de Fernández se consideró legalmente una separación voluntaria (la verdad es que si) y sus días de promocionarse en el cine terminaron. Para colmo se le sustituyó por un ex-miembro de los británicos Thunderbirds que aparecía en escena tocado con una capucha bajo la excusa de un concurso de adivinación de quién era el nuevo componente. Cuando se rumoreó que era el propio Fernández todo el mundo se les echó encima por el mal gusto al bromear con el suicidio. Esto precipitó la marcha de Kennedy (cuya carrera en solitario fracasaría) y sus poco afortunadas sustituciones, una de ellas por el solista de Yes, con la consiguiente caida en picado en popularidad y ventas hasta su disolución ya en 1974. Luego se han reunido como Mike Kennedy & Los Bravos y en algunos conciertos nostálgicos. Guitart se concentró entonces en los sellos discográficos que había creado, Movieplay y Dail, aunque su temprana muerte en accidente de tráfico en 1979 truncará de raiz nuevos proyectos musicales. En cuanto a Díaz se convirtió en un alto ejecutivo musical, llegando a presidente de la delegación hispana de la CBS.
Músicos: Manuel Escobar (voz), José Antonio Otero, Luis Eduardo Aute, Fernando Sánchez, Manolo Díaz y Tony Martínez (guitarra), Carlos Guitart (bajo y contrabajo), José Luis "Joe" González y Manolo Fernández (teclados) y Jorge Matey (batería).

"Los cuatro muleros", gran muestra del Spanish-Instro.

The Marvellos (Chicago, 1955 - 1961)

2011-05-05T09:42:00.007+02:00

Connie Toole, un empleado del ferrocarril (entre otros trabajos) gran amante de la música fundó el sello discográfico Theron para promocionar artistas locales de Chicago en 1952, poniendo en él todo el dinero que tanto le costaba ganar, filantrópico proyecto que pronto le costó el divorcio. Interesado sobre todo en los grupos vocales, los primeros a los que grabó fue a Los Ebony Moods y a Los Sheppards pero era 1955 y el rock and roll ya estaba pegando muy fuerte, así que el arcaico sonido jazz o rhythm & blues de estos respectivamente fue un fracaso de ventas absoluto. Fue entonces cuando confió en unos jóvenes que se hacían llamar, un tanto presuntuosamente, Los Marvellos, cuya base eran dos hermanos y que sí hacían moderno du-duá. Les llevó de gira promocional con su otra esperanza, Connie Allen, y la respuesta del público fue lo suficientemente buena como para que decidiera arriesgarse y grabarles el single "You´re a dream" (1956), una muy buena balada que sin embargo solo llegó al número 67 las listas de éxitos, quizá lastrado por una espantosa cara B. Así las cosas los chicos se fueron a discos Stepheny, donde les fue bastante mejor con "Come back my love" (1958) aunque el éxito a nivel nacional ya empezaba a parecer inalcanzable. Tras unos año duros en que pensaron dejarlo, solo se fijó en ellos el músico James P. Johnson (nada que ver con el famoso pianista de jazz homónimo), y porque había fundado una discográfica llamada Marvello y pensó que el grupo sería una buena tarjeta de presentación. Grabaron para él dos singles, ambos llevando en la cara B un número de Dottie Tillman para rellenera huecos, destacando sobremanera su rockero doo-wop "Red hot mama" (1961). Sin embargo el éxito tampoco les sonrió y los chicos se disolvieron. Toole fracasaría en su empeño por descubrir alguna gran estrella y se dedicaría a otros oficios también hasta su temprana muerte en 1968.
Músicos: Jimmy Johnson (solista).

"You´re a dream".

"Carretera asfaltada en dos direcciones" (Monte Hellman, 1971)

2011-05-04T14:43:00.005+02:00

Inmersa en la época del desencanto hippy, donde no todo era paz y amor, donde también había violencia psicópata (Manson y su familia hippy habían sembrado el terror en California haciendo mucho daño a la imagen pacífica del movimiento) y mucho egoismo, tal y como señaló el camino en el cine "Easy rider" solo dos años antes, "Carretera asfaltada en dos direcciones" sigue esa pauta de mostrarnos una juventud nortemericana desencantada de todo y sin rumbo en sus vidas. Pero aquí el movimiento hippy, totalmente en decadencia, no es el protagonista tal como uno de los personajes se apresura a negar cuando un amenazante hillbilly del medio oeste norteamericano les pregunta: "¿Vosotros no sereis hippys, no?" (la imagen reaccionaria que se da de esa parte de Estados Unidos, concretamente de Arkansas, no puede ser más ofensiva. En otra ocasión uno dice "Esta parte del país me pone nervioso"). Se trata más bien de una buena broma del film, difícil de pillar por los no muy fanáticos del tema, sobre todo de fuera de Estados Unidos, ya que se la formula nada menos que a James Taylor, que había tenido el descaro de mezclar el ultraconservador country con el pacifista folk, y al Beach Boy Dennis Wilson, que había estado incluso mezclado con la secta Manson. Fuera de esta graciosa anécdota y del retrato de esta época decadente en los EE.UU. que fueron los años 70, los verdaderos protagonistas de esta road movie son los coches, y por si hubiera alguna duda obsérvese que aparecen acreditados en los títulos como si fuesen un actor más. El film narra el discurrir de dos amigos, los mencionados Taylor y Wilson (de los que nunca se menciona el nombre de sus personajes), que se ganan la vida recorriendo el país disputando carreras ilegales en su Chevrolet trucado del 55´. Su vida a bordo es miserable y monótona, incluso han prescindido de cualquier comodidad en el auto para aligerarlo de peso y que así corra más. Finalmente, una chica (interpretada por la joven debutante Laurie Bird, reciente novia del director Monte Hellman) a la que recogen cambiará ligeramente sus vidas, así como la de otro piloto al que retan a una larga carrera a traves del país. Este personaje, interpretado magistralmente por el único actor realmente profesional de film, Warren Oates, es un obseso de los coches que conduce un Pontiac GTO Jet 455 de 1970 y al que gusta el rock & roll clásico y el rockabilly, elaborado contraste con sus rivales, más aficionados a nuevos grupos como Los Doors, pues coches y gustos musicales están cambiados en cuanto a décadas de producción. El interesante rol de Oates es el de un hombre frustrado, con un pasado roto, un solitario cuya única ilusión es recoger auto-estopistas para contarles batallitas que no son sino patéticas y evidentes fantasmadas que solo vive en su imaginación. Aprovechándose de la excusa, Hellman (que hace aquí su mejor obra, sin duda), introduce a todo un muestrario de colgados y locos, que son lo que eran, y son, los auto-estopistas (me incluyo. Y los que nos cojían, tambien). La tristeza envuelve todo el film, los objetivos de los protagonistas, a muy corto plazo, los resume el personaje de Oates cuando sentencia: "No importa donde, solo hay que tener tiempo para emborracharse de vez en cuando". Para los otros tal vez ni siquiera eso, solo correr o mejor, como en el caso de la chica, huir de no se sabe qué ni hacia donde. Y lo malo es que, aunque disfrutemos de la película, la tristeza nos envuelve a nosotros también por la maestría con la que Hellman nos inmiscuye en el relato, filmando desde el asiento trasero de los coches, o desde el del copiloto, oyendo solo el ruido del motor, del asfalto, del salpicadero o de la radio (sensacional banda sonora la que se puede escucharse, sobre todo a bordo del GTO, que incluye clásicos como "Hit the road Jack", "Peace in the Valley" o "Maybelline"), sin más perturbaciones, respetando los silencios de las largas conducciones y haciéndonos sentir estar dentro de una carrera contra un hot-rod Ford 4200 de 1953, como es el caso. Esta inmersión en la trama del espectador llega a su paroxismo en la escena de la carrera final, donde el silencio y la camara lenta son clara muestra de la ensordecedora y ralentizada llegada de la muerte, mostrada con elegancia no con un espectacular accidente recreado por unos especialistas, sino por la significativa quema de la cinta. La muerte perseguiría a los protagonistas del film una vez terminado el rodaje también, aparte de que todos, excepto Oates claro, renegaron de la interpretación. Todos sabemos de la muerte de nuestro querido Beach Boy Dennis Wilson, ahogándose en la playa siendo muy joven, pero aun más trágico fue el destino de la maravillosa Laurie Bird, que después de sorprender a propios y extraños aquí (y en "Annie Hall", de Woody Allen) se dedicaría a la fotografía un tiempo antes de suicidarse en casa de su nuevo novio, el cantante Art Garfunkel, cuando solo tenía 25 años. Este le dedicó su álbum "Scissors cut", mostrando un mal gusto a la hora de titularlo bastante extraño en un tipo de su sensibilidad ("Corte de tijeras". Solo imaginad como se quitó la vida).

Bueno, el trailer es una auténtica mierda.

Tony Ronald (Arhem, 1943)

2011-05-03T08:07:00.007+02:00

Su verdadero nombre era Siegfried Andre Den Boer Kramer y nació en Holanda en el seno de una familia de gran cultura musical, de hecho su abuelo era profesor de música y dirigía un conjunto de cuerda. Así, ya de pequeño destacó en el coro de la iglesia y empezó a amar el rock and roll desde que vió en el cine la película "La chica no puede remediarlo", como tantos otros. Aun así su espíritu de aventura adolescente se impuso y se hizo marinero a los 16 años, llevando primero remolcadores pero pronto embarcándose a diversos puertos europeos, entre ellos Barcelona (ciudad que le enamoró), y pasando los ratos de ocio perfeccionando su técnica a la guitarra y su voz. Precisamente se instaló en Barcelona con la intención de ganarse la vida con el rock & roll, cantando en fiestas estudiantiles y siendo llamado poco después para alguna actuación en la radio. Ya que lo que estaba de moda en España eran los duetos, gracias al Dúo Dinámico, se emparejó con otro chico con sus mismas inquietudes y buen compositor llamado José Luis Bolivar y formaron el Kroner´s Duo, simplificando su nombre artístico el holandés a Anthony Den Boer. Presentándose descaradamente como unos nuevos Duo Dinámico (solo que en vez de jersey rojo lo llevaban azul) son fichados por la discográfica La Voz de su Amo, luego EMI, que les editaría un EP que llevaba como canción estrella "Jóvenes" (1960), una versión de una balada de Cliff Richard, aunque sean más destacables sus versiones del "Tutti frutti" o del "Personality" ("Personalidad"), lo que realmente les convertía en una evolución más rockera de aquellos a los que pretendían imitar y que les valdría para aparecer en la horrible película "Juventud a la intemperie" (1961). En sus siguientes discos siguieron en la misma tónica, aunque incluyendo ya algún tema propio, pero la realidad es que nunca llegaron a triunfar como merecidamente lo hizo el Dúo Dinámico, a pesar del toque exótico que el marcado acento guiri de Tony (como ya se le empezaba a llamar) les confería, y decidieron separarse tras poco más de un año juntos. Curiosamente, y esto poca gente lo sabe, los componentes del Duo Dinámico, ya triunfantes, seguían yendo al mismo garito de rock and roll de las Ramblas barcelonesas al que iban Tony, Bolivar y otros proto-rockers españoles y extranjeros, entre ellos otro holandés estiloso llamado Charley Kurt, y todos juntos improvisaban auténticas e inolvidables sesiones de du-duá. Los dos neerlandeses decidieron formar el dueto Tony & Charley, que era una especie de versión blanda del anterior, centrado más en el estilo high school de los teen idols americanos y, poco después, en el twist. Grabaron algunos discos y se hicieron bastante populares en la Costa Brava, donde consiguieron muchas actuaciones, pero se disolvieron también pronto por diferencias musicales, ya que Tony era partidario de una linea más rockera. Entonces Kurt se unió brevemente a su hermano para formar Johnny & Charlie y obtener un rotundo éxito con uno de los bailes de moda de los años 60 más tontos que jamás haya existido, "La yenka". Tony por su parte adoptó el apellido artístico de Ronald y reclutó una banda de acompañamiento a la que bautizó, en honor a su primera asociación musical, Los Kroners. Aunque también se inclinó en principio por los bailes de moda, "Madisonistas" (1962) y otras, su especialidad fue pronto versionear a los grandes del high school como Bobby Vee o Frankie Avalon, triunfando en seguida por su carisma y presencia, que le hicieron muy popular entre las chicas. Su fama llegó incluso a su país natal, donde editó algunos discos de éxito e incluso hizo un dúo con una cantante muy famosa allí entonces, Shirley. Su fama se extendió a Alemania a la vez que en España era considerado ya uno de los grandes del firmamento musical. Meritoriamente, mientras la música de los años 60 evolucionaba con rápidez, y a pesar de ciertas concesiones de Ronald al pop británico, él se mantuvo fiel al rock and roll clásico, al high school e incluso al doo-wop y el rockabilly durante muchos años. Finalmente se doblegó un poco ante nuevas modas bastante tristes y afortunadamente pasajeras como la cançó catalá y el hippysmo, aunque esto último le reportará grandes alegrías en Holanda y Alemania, donde era considerado una estrella también. A finales de la década se inclinó abiertamente por la psicodelia ye-yé, no solo en estética sino en estilo musical y pronto triunfaría de forma arrolladora su canción del verano "Help(¡Ayudame!)" (1971), número uno no solo en España sino en buena parte de Europa y Sudamérica (donde se re-tituló "¡Socorro!"). Era una buena canción que Tony explotó hasta la saciedad durante todos los años setenta y sin volver a encontrar un hallazgo semejante si exceptuamos la balada pop "Dejaré la llave en mi puerta" (1972), aunque compaginó ahora su labor como cantante con la de productor de buenos grupos como Los Diablos (en los que su influencia es evidente). Con la llegada del aire fresco de nuevos rockeros al panorama español a finales de la década y la concienciación de lo ridículo que era la imagen hippy y ye-yé, Ronald cayó en el olvido en poco tiempo. Buscando su destino se embarcó en una loca gira por remotos lugares de Sudamérica, algo que le honra al no ampararse como otros en la comodidad de los derechos de autor propios y ajenos (¿Eh Ramoncín? A ver cuando tienes tu huevos a hacer eso, ex-punk) e intentó una reaparición mediados los años 80 escondido tras un proyecto llamado T.R. Selection que pasó bastante desapercibido. En los años 90, reconocido como unos de los pioneros del rock and roll en nuestro país, consiguió grandes actuaciones en televisión y volvió a los escenarios. Aunque dejaba entrever que no había perdido el espíritu rocker necesidades comerciales le empujaron a aceptar hacer cosas horribles, como un disco reencuentro con su viejo amigo y paisano Johnny, en el que el tema estrella era la horrible "Yenka", o una reunión de viejas glorias llamada de forma, más que exagerada, sarcástica, El Supergrupo, entre cuyos integrantes estaban Betty Missiego y Encarnita Polo (y Micky, menos mal). En el siglo XXI, aunque sus actuaciones en solitario son memorables, de nuevo cayó en el mismo error (que le desprestigia a ojos de los más cerriles rockeros, que somos muchos) grabando el álbum "Vivo cantando" (2004) junto a personajes como Juan Bau, Karina (con la que ya había hecho un dueto en los mejores tiempos de ambos) o Braulio (y Micky y Elsa Baeza, menos mal)... lo cual no le resta méritos a su primera época.

Músicos: Tony Ronald (voz y guitara), José Luis Bolivar y Johnny Kurt (voz y guitarra rítmica).

"Eras monísima" (1962)

The Cashmeres (Atlanta, 1950 - 1956)

2011-05-02T20:41:00.004+02:00

Una pandilla de amigos del instituto y del vecindario del estado norteamericano de Georgia decidieron formar un grupo vocal de rhythm & blues para participar en un concurso local haciéndose llamar The Crooners. Ganaron y eso les animo a continuar juntos, pero se cambiaron el nombre a The Cashmeres (Los Cachemir) pues había otros Crooners, blancos, que ya iban a grabar. Tras algunos cambios en la formación, pues algunos padres no dejaron continuar a sus hijos, contactaron con discos Mercury y estos les ficharon para editarles el single "My sentimental heart" (1954), el cual fue lo suficientemente bien como para que fueran invitados como reclamo a un concierto benéfico. Tras sobrevivir a un incendio en un hotel en el que se alojaron se sucedieron los discos, derivando lentamente hacia el doo-wop. Las cosas no iban mal pero cuando se frustró su oportunidad de oro de actuar con La Latin Quartet Orquestra en Nueva York, la decepción llevó a su solista Dodd Hicks a enrolarse en la fuerza aérea sin ni siquiera avisar a su familia. Sustituido prontamente por Grover Mitchell se pasaron a discos Herald, donde editaron el buen single "Little dream girl" (1956), que como no triunfó tampoco les empujó a separarse. Pero su manager Mark Allan no quería que ello fuese un obstáculo para dejar de editar las canciones que ya tenían grabadas y lanzó al mercado otro single con dos canciones sueltas de sus ya extinguidos pupilos, acreditándoles un tanto egocéntricamente como The Marktones (por su nombre de pila). Para liar más la cosa Allan sacó otro single de Los Marktones ("Yes siree"), pero los que cantaban no eran los Cashmeres, y encima la subsidiaria francesa de Mercury editó un EP conjunto de Los Platters y Los Cashmeres estando estos ultimos ya disueltos. De ellos solo Mitchell siguió en el mundo musical sin interrupción, primero cantando para Los Blue Dots y luego llevando una carrera en solitario bastante digna orientada al soul. Cuando Hicks se licenció de la fuerza aérea quisó reunir a los Cashmeres de nuevo, pero para ello solo pudo contar con el tenor Henry Boyd, por lo que tuvo que rellenar huecos reclutando a un par de miembros de Los Gladys Knight Pips... que se volvieron corriendo cuando se percataron del fuerte carácter de Hicks. Grabaron para discos NRC en 1958 bajo el nombre de The Kashmirs, por cuestión de derechos, haciendo ahora un du-duá más rockero, pero la nueva falta de éxito les llevó a la separación definitiva. Hicks intentó una carrera en solitario usando ahora el nombre artístico de Dobie Hicks, pero tampoco le fue bien. A día de hoy Mitchell y Boyd han muerto, así como el barítono original Ralph Riley, pero Hicks sigue cantando en el modesto circuito de clubs. Ah, exisitieron unos Cashmeres que grabaron un single de du-duá, "Stairsteps to heaven" (1959), que nada tienen que ver con los aquí tratados.
Músicos: Dodd Hicks y Grover Mitchell (solista), William Butts y Henry Boyd (tenor), Ralph Riley (barítono) y Bobby Arnold y Romeo Shuler Jr. (voz bajo).

"Do I upset you" (1956)

Mike Berry (Northampton, 1942)

2011-05-02T09:57:00.005+02:00

Nacido en Inglaterra con el nombre de Michael Bourne, su madre le llevó a vivir, siendo él todavía muy niño, a Galés, donde la rama paterna de la familia vivía. Tenía una buena genética para la música pues su abuelo, entonces militar destinado en Rodesia, se había labrado una buena reputación en el pasado como barítono y su madre era actriz amateur, cantante y pianista. Por desgracia la apacible vida familiar se rompió cuando, teniendo él trece años, sus padres se divorciaron, transladándose con su madre a Londres y debiendo emplearse poco después en un imprenta para aportar dinero a casa. En sus ratos libres se había aficionado al skiffle, el primer proto-rock británico, y junto a unos amigos formó el grupo de poco original nombre, The Rebels, de tan poco éxito que tenían ellos que pagar por tocar en algunos centros sociales. Se disolvieron en poco tiempo y Mike se unió al conjunto ya de rock and roll Kenny Lord & the Statesmen. Pronto decidieron grabar una maqueta y un compañero de imprenta les presentó a un productor que fue a verles tocar en un club e, impresionado, les recomendó al responsable del programa televisivo especializado en rock & roll "Oh boy!" y al productor y compositor Joe Meek. Este vió talento en Mike, y prometiéndole que le convertiría en El nuevo Buddy Holly (que acababa de fallecer), le fichó como su representante con un contrato abusivo. Le rebautizó como Mike Berry y le hizo deshacerse de sus compañeros para implantarle como grupo de apoyo a una banda llamada The Outlaws, la cual se había formado con los restos de un conjunto llamado Billy Gray & the Stormers que había tenido el honor de tocar para gente como Gene Vincent o Jerry Lee Lewis. El primer single de Mike, "Will you love me tomorrow" (1961), era una versión de Las Shirelles nada adecuada a su voz y a su ritmo (si lo era la cara B "My baby doll") y fracasó en las listas de éxitos. El siguiente intento fue la oportunista "Tribute to Buddy Holly", un tema muy en la linea del genio de Lubbock pero claramente inferior, falto de originalidad y fuera de tiempo. Meek embarcó a Mike en unas agotadoras giras (para los conciertos en vivo su grupo de apoyo eran Los Innocents, cuyo gérmen había sido una banda llamada Bobby Angelo & the Tuxedos) por los pueblos más reconditos de Inglaterra, aunque de ellas sacó experiencia y la anécdota de hacerse amigo de Los Beatles justo antes de su triunfo mundial. Finalmente llegó el éxito con "Don´t you think it´s mine" (1962), que se colocó en los primeros puestos de las listas, le proporcionó actuaciones televisivas y le valió ser telonero de gente como Brenda Lee, Bobby Vee o unos emergentes Rolling Stones. Pero conforme los años 60 avanzaban su sonido se iba quedando anticuado y, relegado, Mike se arriesgó a invertir todos sus ahorros en competir en coches de carreras. Solo llegó a campeón de los ruinosos y pronto se tuvo que poner a grabar en estilos indeterminados durante los primeros años 70 a ver donde sonaba la flauta. No le fue mal con el álbum "Drift away" (1972), recibiendo ofertas para hacer giras por Estados Unidos (como ya le pasara al ser reclamado por Tejas en agradecimiento a su disco homenaje a Holly) y Nueva Zelanda, pero por alguna extraña razón Mike no quiso salir de su país. Entonces decidió volver al rock & roll de sus orígenes, consiguiendo un gran éxito en Holanda y Alemania con su versión del "Don´t be cruel" (1975), reeditando su "Tribute to Buddy Holly" (1976) o cantando temas tan enérgicos y reivindicadores como "I´m a rocker" (1977) u otros más melódicos del estilo de su adorados Holly o Roy Orbison. Fue contratado para hacer multitud de anuncios y programas televisivos y esto parece que atemperó su ímpetu en los años 80, conformándose con hacer ahora unas canciones a la moda conformista bastante malas y horteras, pero de éxito. Su grata experiencia interpretando en la tele le animó a pasarse al teatro donde debemos destacar, por lo que a nosotros respecta, dos grandes musicales de rock & roll cuyos títulos lo dicen todo: "Tutti Frutti" y "Great balls of fire". Terminadas las representaciones volvió a reunir a Los Outlaws (que mientras tanto habían tocado por separado para grupos como Screaming Lord Sutch, Gillan, Cliff Bennett & the Rebel Rousers, Hot Chocolate, Rolling Stones o Deep Purple -en este Ritchie Blackmore-) y, al fin, se decidió a salir de gira, ya en los años 90, por Europa y Estados Unidos, aprovechando su estancia en América para cumplir uno de sus sueños, grabar un álbum con Los Crickets de Buddy Holly. Actualmente sigue actuando (incluso en cine), tratando de no perderse su cita en la Semana Tejana de Buddy Holly.
Músicos: Mike Berry (voz y tabla de lavar), Peter "Chico" Chilks, Ray Siro Andreoli y Reg Hawkins (guitarra rítmica), Terry Liddington (contrabajo), Tony Franchi, Roger Brown, Bill Kuy, Roger Mingaye, Ritchie Blackmore y Harvey Hindsley (guitarra), Terry Prudence, Don Groom, Bobby Graham y Mick Underwood (batería), Pete Richardson, Dave Brown y Chas Hodges (bajo), Colin Giffin (guitarra y saxo), Nicky Hopkins (piano), The Geoff Love Orchestra y The Rapiers.

"Homenaje a Buddy Holly"

Lucerito Bárcenas (Méjico D. F., h. 1930)

2011-05-01T09:47:00.009+02:00

Guapa, simpática y con ganas de triunfar, esta joven se metió de lleno en el mundo de la revista teatral y muy pronto consiguió dar el salto al cine, en primer lugar como extra, merced a su excelente físico, en una película cuyo título lo dice todo con respecto a cual era el género músical del que trataba, "Canta y no llores" (1949), protagonizada por uno de los reyes del mariachi, Carlos López Moctezuma. Su papel no tenía importancia pero si consiguió destacar lo suficiente como para elevar su caché en sus espectáculos, llegando al grado de primera vedette. En esto estuvo un tiempo hasta que los del cine la recuperaron para un rol de mayor enjundia en la insufrible producción "Se le pasó la mano" (1952), cuyo fracaso ya hizo pensar a nuestra protagonista que desde luego el cine no iba a ser la vía por la cual alcanzar el triunfo. De regreso a su carrera de artista de variedades empieza a trabajar también por el sur de Estados Unidos, conociendo de primera mano los nuevos ritmos que están surgiendo en los primeros años 50 y decide incorporar el rhythm & blues y el incipiente rock & roll a su repertorio, pero siempre con una orquesta de fondo que atenuaban cualquier atisbo de rebeldía o agresividad en su música haciéndolo apto para los mayores que iban a ese tipo de espectáculo. Seguiría el ejemplo de Gloria Ríos, otra vedette que había aprovechado sus contactos con el mundo de la farándula para pasarse con descaro al género con éxito. No era rock and roll, eran letras adaptadas del r&r a los gustos viejunos con un ritmo generalmente de swing, cha-cha-chá o jazz. No obstante, ello fue suficiente para que los productores americanos del film "Cha-cha-chá boom" (1956) la contratasen como una de las protogonistas del proyecto, una especie de respuesta latina al film promocional del rock estadounidense "Ella no puede remediarlo". Las distancias entre uno y otro son insalvables, en este se contrata a artistas de tercera fila estadounidenses que de forma descarada solo adaptan el rock para darse a conocer (Judd Conlon Group, Helen Grayco,...) y que luego desaparecerán tan rápido como aparecieron, mezclándolos con algunos grandes nombres de los ritmos latinos (Damaso Pérez Prado, Manny López,...) y estrellas del cha-cha-chá o el mambo como la bailarina Sylvia Lewis junto a nuevas promesas como se suponía que era la Bárcenas, todo ello aderezado con un poco de aventura en una Cuba acosada por los rebeldes de Fidel Castro. Del bodrío poco se puede salvar excepto la orquesta de Bernie Lowe (adaptador del "Hound dog" y autor de "Teddy Bear", entre otros míticos temas), luego acompañante de Elvis en sus primeros films, y la versión del "Lonesome road" por el Mary Kaye Trio. Aprovechando el tirón y a la busqueda de otra reina del rock más, los de discos Peerless ficharon a Lucerito y le editaron el oportunista single "El semáforo" (1957), que llevaba en la cara B la al menos divertida "Mi marido y el rock and roll". El disco fue un éxito y, efectivamente, Lucerito fue promocionada con bastante desvergüenza como "La reina mejicana del rock & roll", haciendo giras por toda sudamérica con este ostentoso y exagerado título. La realidad es que contribuyó en no poca medida a la expansión del género en paises más aislados como Perú o Bolivia. Y eso fue todo, con la aparición en Méjico de conjuntos verdaderamente rockers quedó completamente relegada en cuestión de meses, volviendo un tiempo a las tablas del escenario hasta que contrajo matrimonio, retirándose acto seguido del mundo del espectáculo para dedicarse a la vida familiar. De sus antiguos compañeros en "Cha-cha-chá boom" Lowe siguió dedicándose a la composición practicamente hasta el día de su muerte en 1993, Conlon se empleó como arreglista musical para la casa Disney hasta su temprana muerte en 1966, su amiga Grayco apareció en diferentes programas de televisión un tiempo, antes de retirarse a la vida familiar también, mientras que la Lewis, una vez terminada su aceptable carrera en Hollywood, se dedicó a la coreografía.
Músicos: Lucerito Bárcenas (voz) y Orquesta y la orquesta de Bernie Lowe.

En la película "Cha-cha-chá boom" la Orquesta de Pérez Prado toca y Lucerito baila con el resto del coro. Luego Sylvia Lewis se luce con "Voodoo suite". Para que se os hagais una idea.

The Dolphins (Nueva York, 1963 - 1965)

2011-04-29T21:52:00.009+02:00

Esta historia comienza en Nueva York en 1960, cuando unos chicos italoamericanos, compañeros de colegio, decidieron formar una banda de versiones de rock & roll clásico, rockabilly y high school llamada The Dukes. Como les faltaba un guitarrista reclutaron a un compañero anglosajón, Tor Pinney, de tan solo 12 años, que sabía tocarla porque su hermano mayor Roy, guitarrista de Los Stratatones, le había enseñado. Pronto empezaron a conseguir actuaciones en funciones escolares y fiestas particulares. Cuando los estudios les separaron dos años después, Pinney se unió a Johnny & the Starfires, una animosa banda a medio camino entre el rock instrumental y un precoz garage, que grabó una maqueta tan buena que les valió ser invitados a un programa de radio local, al que acudieron haciéndose llamar ahora Johnny & the Ascots (por las corbatas rojas con ese estilo de nudo que llevaban). Su actuación fue tan desastrosa que no les volvieron a llamar y el grupo se disolvió. Tor fue reclamado entonces por su hermano Roy para el nuevo grupo de música surf que estaba formando junto a su mejor amigo Brian Kelly, Los Dolphins. Pronto destacaron por tener una gran capacidad vocal a la vez que virtuosismo instrumental, lo que les permitía llevar a cabo armonías vocales al estilo Beach Boys o Jan & Dean, algo no oido hasta entonces en la costa este estadounidense. Aunque, naturalmente, estos neoyorquinos nunca habían hecho surf, gustaban de vestir atuendos playeros por si alguien dudaba de que género musical hacían. Consiguieron grabar dos espléndidos singles tras agotadoras sesiones, provocando el que Roy casi se matara al volver a casa derrotado, mientras conducía su moto Triumph Bonneville. De esos día hay que destacar el tema "Surfin´ east coast" (1965), que llegó a los primeros puestos de las listas de éxitos en Rhode Island y les facilitó actuar en algunos buenos conciertos, incluyendo uno como teloneros de Reparata & the Delrons. Pero cuando de nuevo los estudios les separaron, Tor y el batería del grupo Doug Frank formaron The Crispy Critters, mientras Roy, que se había ido a estudiar a la Universidad de Nuevo Méjico, se unió a The Wanderers (nada que ver con el grupo homónimo de du-duá), banda a la que dejó poco después por individualistas. Formó entonces Rasputin & the Chains junto a sus ex-compañeros de Dolphins, Kelly y el guitarrista de acompañamiento Andy Woll, que se habían ido a la misma universidad. Tras completar la formación con otros estudiantes pronto comenzaron los conciertos en fiestas estudiantiles y en bailes de los pueblos, consiguiendo cierto renombre a nivel local, hasta el punto que la mismísima revista Time les citó en un artículo dedicado a los estrafalarios nombres que se ponían los nuevos grupos de rock & roll (otros eran The Swingin´ Saints & the Godz, Sigmund & the Freudian Slips, Dow Jones & the Industrials, Napoleonic Wars y un largo etcétera citado de los cuales solo llegarían a triunfar The Grateful Dead). Cuando Woll dejó el grupo al año siguiente el resto acortó el nombre de la banda a, simplemente, The Chains, y grabaron el single "I ain´t gonna´ eat out my heart anymore" (1967), un éxito a nivel regional en un estilo que ya había derivado hacia el pop y la psicodelia que empezaba a imperar, pero que les otorgó el honor de telonear a Los Animals. Mientras tanto Los Crispy Critters habían fracasado y Tor formó los grupos pop Grief y The Haymarket Riot junto al que fuera batería un tiempo de Los Dolphins, Peter Burger. Con estos últimos se mataba tocando en bares seis noches a la semana por lo que llamó a su hermano suplicándole que le uniera a Los Chains. Roy aceptó y Tor pasó a formar parte de estos justo en el momento más alto de su popularidad, cuando estaban triunfando entre la comunidad hippy de Tejas y otros estados limítrofes. Sin embargo el infernal ritmo de unas agotadoras e incesantes giras en furgoneta, que además no les hacían ricos, acabaron desgastando su moral y entusiasmo, dejando el grupo Roy, entre otros. Aunque su amigo Burger se unió a ellos, su fama empezó a decaer, viéndose pronto relegados a tocar en clubs de Nueva York, por lo que Tor también les dejó en 1969, poco tiempo antes de su disolución. Este se dedicó a dar lecciones de guitarra (entre otros a Dustin Hoffman, que lo necesitaba para un papel de una película), a vender bisutería y a poner cara en el escenario (junto a Burger) a uno de esos grupos fantasma de chicle rock que habían creado las discográficas con músicos de estudio, Steam. Luego hizo de Judas en la obra "Jesucristo Superstar" y produjo otra ópera-rock, "Tommy", de Los Who. Pasados los años hippys pasó Tor por una crisis de identidad que le llevó a comprarse un destartalado velero con el que pasaría peligrosas aventuras en los siete mares. A día de hoy sigue viajando por el mundo aunque con su mujer en un barco algo mejor equipado o bien en autocaravana, y vendiendo yates. El resto de Chains se han vuelto a juntar de vez en cuando desde su disolución pero ya no les persiguen las groupies ni el pelo les cuelga lacio por la espalda.
Músicos: Brian Kelly (voz, órgano y pandereta), Tor Pinney (guitarra), Roy Pinney (bajo y voz), Andy Woll (guitarra rítmica) y Doug Frank y Peter Burger (batería).

"Surfin´ east coast".

Ramón Jacinto (Manila, 1945)

2011-04-29T11:22:00.003+02:00

Pertenecienta a una de las familias más ricas e influyentes de Filipinas (su abuelo fue uno de los fundadores de la Banca Nacional Filipina y su padre un poderoso industrial del acero), Ramón Jacinto no sintió llamada de los negocios y ya desde su infancia se aficionó, en cambio, a los nuevos estilos de música que traían los militares americanos recién establecidos en la isla tras la Segunda Guerra Mundial. En 1960 fundó su propio grupo musical, The Riots, mezclando rock and roll con ciertos toques oriental-hispanos propios de su país, la mayoría de las veces temas instrumentales bastante simples, dando lugar al estilo endémico llamado pinoy rock. Eran habituales versiones en esta variante de rock & rolles o twist norteamericanos, pero también hacían temas propios, la mayoría de las veces intrumentales de buena calidad como "Dahil sa iyo (1962)" o "Mashi mashi". Su calidad y progreso era tal que cuando Los Ventures, sus ídolos, fueron de gira a Filipinas, no solo les contrataron como teloneros (acreditados ya como Ramón Jacinto & the Riots) sino que requirieron los servicios de dos de ellos, Alan Austria y Bernie Evangelista, en algunas actuaciones. Para consuelo de su conservadora familia, Jacinto supo combinar negocio y placer y a la edad de 15 años ya había fundado su propia compañía discográfica y de representación musical, RJ Enterprises, algo solo posible gracias al dinero y apoyo familiar. Compró los mejores equipos posibles, imposibles de encontrar antes en Filipinas, y pronto se convirtió en el estudio imprescindible para cualquier artista del país que quisiera grabar con garantías de calidad. La visión comercial del muchacho era evidente, aun así, por insistencia familiar, estudiaría económicas mientras aprendía como funcionaba el negocio paterno trabajando en él. Emprendedor fundó poco después la emisora de radio DZRJ, la primera del país en especializarse en música de rock and roll o en pinoy, dando preferencia a promocionar a los artistas locales pero sin olvidar los estilos del otro lado del mundo más queridos por el dueño, el rock instrumental y el surf, y convirtiéndose pronto en una onda de culto y muy popular. Tras crear una frecuencia alternativa, DZUW, su talento para los negocios le llevó a ser nombrado vice-presidente de la compañía de su padre cuando aun no había cumplido los 25 años. Paralelamente ya era llamado Mr. Rock and Roll o The Guitarman, por su labor como intérprete y El Jefazo o El Dick Clark de las Filipinas por su labor de promoción del rock. Pero el presidente Marcos fue derivando su mandato hacía la dictadura más terrible, poniendo bajo control militar a las principales compañías y encarcelando a multitud de ejecutivos. Estos hechos pillaron a Jacinto en viaje de negocios a Estados Unidos y, en orden de busca y captura también, decidió quedarse allí durante catorce años. Mientras sus dos emisoras de radio eran confiscadas y una de ellas (DZUW) clausurada, él se dedicó a reclutar nuevos músicos filipinos en los EE.UU., actuando y grabando ahora bajo el pseudónimo de RJ & the Riots. ¿La razón? Jacinto enviaba sus grabaciones a Filipinas donde invariablemente se convertían en éxitos (a pesar de ser baladas hippys bastante maluchas), algo que hubiera sido imposible si el régimen hubiera sabido quién era realmente el cantante. Entre estos nuevos Riots destaca el más rockabillero Raymond Ungson, que había estado en bandas como Widebeast, Jungle Cats o Bits´n´Pieces en Filipinas antes de emigrar a los USA en 1969. Allí se había juntodo con Burnell Bunch de Los Tilt Down Men (que también acabaría en estos nuevos Riots) y otros músicos de grupos como Sparks Band o los mismos Widebeast para mal ganarse la vida en el circuito de clubs hasta que Jacinto los recogió. Cuando Marcos cayó, en 1986, la emisora y la acerería le fueron devueltas a Jacinto y su familia, poniendo a su vuelta a casa en la DZRJ más rock and roll clásico de lo que había hecho nunca. Asimismo fundó un club de música en vivo de R&R en el centro de Manila, revitalizando la vida nocturna de la ciudad. Como él mismo seguía tocando (incluso llegó a volver a traer a sus viejos amigos Los Ventures), pronto se decidió a fabricar unas guitarras más a su gusto, fundando la empresa de fabricación de este instrumento RJ, muy populares en el sudeste asiático. También amplió su negocio con discos Rajah, tiendas de música y una cadena de televisión, así como se convirtió en uno de los grandes fabricantes de karaoke del mundo, incrementando la fortuna familiar de forma considerable a costa de los oidos de millones de personas. Jacinto sigue tocando, ahora solo en su bar, y de los demás, el último batería Mike Salvador se pasó al flower pop de los Orange & Lemon, Ungson formó otras bandas algo más durillas como Rockblood Band, Bunch se unió a Los Sundowers y Evangelista murió hace ya algunos años.
Músicos: Ramón Jacinto (voz y guitarra), Alan "Double A" Austria y Raymond Ungson (bajo), Jimmy Colayco (guitarra rítmica), Bernie "Steel Banana" Evangelista y Mike Salvador (batería) , Burnell Bunch (guitarra), Roger Ferrer (congas) y Bobbie Vandervort (voz).

"Mashi mashi".

Lone Star (Barcelona, 1959 - 1984)

2011-04-27T09:21:00.007+02:00

Pedro Gené, atleta prometedor y niño prodigio del piano que ya había hecho una gira por España a los 16 años, volvió de una estancia de un año en Inglaterra en 1959 iluminado por el rock and roll que había estado escuchando allí. Para gran disgusto de sus padres reunió rapidamente a compañeros del conservatorio (lo que da idea del virtuosismo del grupo), Rafael de la Vega y los Enriques Fusté y López, para formar una banda que hicieran versiones de rock & roll norteamericano y de rhythm & blues (destacando su gusto por los temas más animados de Ray Charles) y así es como nacería, tras muchos titubeos Lone Star, nombre que hace referencia a la estrella solitaria de la bandera de Tejas dado al gusto de Gené por todo lo relacionado con el salvaje oeste y la guerra de secesión y su rechazo a los típicos nombres de grupos como Los Estrellas o Los Solitarias. Pronto empiezan a conseguir actuaciones que sorprenden a un público español no habituado a la explosividad del rock and roll en una fecha tan temprana para ellos como es finales de los años 50. Pero los sorprendidos serían ellos mismos cuando un día, durante un concierto, un holandés llamado Willy Nab se sube al escenario y empieza a tocar la guitarra con tal energía y estilo (a pesar de faltarle dos dedos de la mano izquierda, que perdió en accidente de tráfico) que deciden incorporarlo al conjunto (aunque ea algo que ya había planeado con un astuto Gené). Finalmente la multinacional EMI les ficha y les edita un primer EP que contiene su memorable "My babe" (1961), aunque ello no les conduce a la fama nacional, seguramente por el distanciamiento que produce el que todos sus temas estuviesen cantados en inglés. Tras un nuevo disco Nab deja la banda para irse a tocar con la orquestina de su bella y nueva flamante esposa, Los Lecuona Cuban Boys, que terminarían recalando en Suecia, y poco después Fusté hace lo propio. Es entonces cuando publican su "La casa del sol naciente", magnífica versión del "House of rising sun" que en esos momentos revitalizaban mundialmente Los Animals. Aunque su adaptación estaba falta del magnetismo del órgano animalesco y la letra entraba con calzador, Lone Star consiguió vender más singles en el mundo que los mismos Animals, gracias a estar cantada en español y arrasar también, por tanto, en el mercado hispanoamericano, donde fue número uno, así como en España. EMI organizó un concierto entre estos dos grandes versioneadores del popular tema en 1964, feliz evento que se volvería a repetir al año siguiente. Relanzándolos ahora como Los Animals Españoles, EMI insistiría en grabarles versiones de estos pero en español (también de los Rolling Stones), dando lugar a grandes canciones pero coartando su libertad creativa. No es hasta 1967 que los chicos logran imponerse y para su LP "Un conjunto con antología" consiguen que la mitad de las canciones editadas sean de factura totalmente suya. El servicio militar obliga a nuevas restructuraciones en el seno del grupo, algunas de forma temporal pero otras bajas, como la de López y más tarde De la Vega dejarían pronto como único miembro original a Gené, entrando al grupo, entre otros, Alex Sánchez, procedente de grupos como Los Masters, Los Raiters o Los Atilas, de efímera estancia en el conjunto, o Sebastian Sospedra, de Los Salvajes. Antes ya habían hecho algo de jazz y grabado el que quizá sea su tema más mítico, "Mi calle" (1968), muy influido ya por el movimiento ye-yé pero cargado con una extraña mezcla de fuerza del rock and roll, amargura folk y surrealismo psicodelico. Su fama se extiende fuera de nuestras fronteras, llegando incluso a hacer una gira por Centroeuropa bastante exitosa, a tocar en el portaaviones JFK e incluso en el Palacio de la Música, hasta entonces reticente a que lo hiciera un conjunto de rock, a obtener un gran éxito con un disco en directo grabado en una sola toma, algo inédito, y a ganar Gené en el festival europeo de rock (que ya hace mucho que no existe). Aun así su alejamiento de los postulados rockeros se va haciendo evidente y poco a poco su perdida de incondicionales se vuelve una sangría ante la llegada de bandas con más mordiente y espíritu rompedor, a pesar o quizá debido a que, empiezan a cantar en catalán (dialecto que en su versión rockera había tenido como pioneros a los por ello desconocidos Els Corbs). EMI empieza a retirarles su apoyo y se marchan a la discográfica Diresa, regentada por un mafioso de poca monta que se marcha con su dinero y les deja en la ruina. Los supervivientes (Sospedra y otros lo dejan) reestructuran el grupo y se marchan a discográficas cada vez más modestas, siendo sus discos y sus promociones cada vez peores, girando un poco hacía un rock más duro o hacia el horterismo adaptado estilo Miguel Rios. Aun así aun tendrían momentos gloriosos como su nuevo concierto con el ex-lider de Los Animals, Eric Burdon, en 1982. Así las cosas deciden separarse de forma definitiva con la excepción de su reunión nostálgica de 1996 (con colaboraciones de Loquillo y Carlos Segarra, significativas de lo que Lone Star ha sido para el rock & roll español) y ya sin su último y carismático batería, Tapi, que había fallecido de cirrosis, siendo aun joven, solo dos años antes. De todos sus integrantes ha sido Sánchez el que más activo ha seguido dentro del panorama rockero español. Fundó grupos como Los Zooms (los primeros en hablar de drogas en nuestro país, y lo hizo junto a ex-miembros de las bandas de Tony Ronald y Exception), The Food , The Pipe, Los Iberos o Armada, hasta que funda su propia discográfica, Trinidad. Luego creará la revista Sonido 1 y se dedicará a la producción.
Músicos: Pedro Gené (voz, piano, pandereta y guitarra), Enric Fusté (piano), Rafael de la Vega, Carlos Petriz, Sebastián Sospedra y Ricardo Acedo (bajo), Willy Nab, Juan Miró, Víctor Escudé y Alex Sánchez (guitarra) y Enrique López, Joan Vidal, Luis Masdeu, José María " Tapi" Viladeseca y Gerónimo Martínez (batería).

"MI calle".

Lou Cifer & the Hellions (Ruhrpott, 1995)

2011-04-26T14:17:00.010+02:00

Un grupo de chicos de la cuenca del Ruhr decidieron formar a finales de los años 8o una banda de neo-rockabilly que, con buen criterio, cantase en alemán, para de este modo atraer al mercado local más entusiasta. Lo formaban entre otros Bill Zebop, Dave Hill y el cantante Lou Cifer, demoniaco nombre artístico tomado de la película "El Corazón del Angel" (Lucifer), y decidieron bautizarse como Mess of the Booze, es decir, Folloneta Alcoholica, nombre más adecuado a un grupo punk radical vasco que a uno de rockabilly, pero bueno, ante todo buen humor. Dos discos conformaron su discografía, convirtiéndoles en los más conocidos intérpretes de rockabilly en alemán (que no es decir mucho), en los cuales destacan temas como "Party an der Ruhr" o "Wie Daemlich muss man sein", así como "Kaffe, Korn und Rockabilly", incluida en 1994 en un recopilatorio de lo mejor del género en Alemania, junto a otros germanobillys de entonces como Ol´Rocke´Bordsteinkloppers o Leiche & Pfeiffer. Por otro lado había otra banda aun más modesta pero de apariencia más canalla, Los Ton-Up Rockers, a los que tampoco les fue especialmente bien. Así pues decidieron unir fuerzas y Hal Hellion, de estos últimos, se juntó de vez en cuando con los tres nombrados anteriormente para formar Lou Cifer & the Hellions, adoptando ahora una estética claramente teddy boy que conjugaba ambas tendencias. Curiosamente sonaban ahora más sólidos y pronto los de la discográfica especializada Fifty-Seven les editaron un excelente EP llamado, muy graciosamente, "ArresTed" (1996). Tuvo un éxito inesperado entre los más rockeros de Alemania e incluso fuera. Por problemas internos Hill les deja para dedicarse a la representación de artistas, entre otros de los Jailbirds, (aunque seguiría un tiempo más con los Mess of Booze) siendo rapidamente sustituido, lo cual no fue en detrimento de su creciente fama, siendo pronto reclamados incluso fuera del país. De pasar a actuar muy poco (a estas alturas ya tenían familias) pasaron a hacer duras giras por los paises nórdicos, parajes donde son tremendamente populares. Una característica curiosa de sus conciertos es que llevan como presentador y telonero fijo a Totti, un tipo que hace un espectáculo humorístico de rock & horror no apto para sosos con poses de rocker duro y escaso consumo etílico. Exprimiendo demasiado la gracia del juego de palabras, titularon su siguiente EP "ConvicTed" (1998), dejaron de forma definitiva sus bandas originales para centrarse en esta e iniciaron una gira Europea que incluía Inglaterra. En esta época incorporaron al grupo a otro músico con nombre infernal tan de su gusto, Dan Diablo, y aparecieron en el cortometraje publicitario "Denim without a cause". Finalmente consiguieron editar su tan esperado álbum pero problemas personales tras una nueva y agotadora gira les llevaron a separarse un tiempo en espera de que se arreglasen. Volvieron pues con fuerzas renovadas en el año 2003, aunque al poco hubo nuevos cambios en la formación, destacando la vuelta de Hill a las baquetas. Luego han seguido tocando sin descanso y grabando (ya en CD y en inglés, buf), haciendo de teloneros bastantes veces de otros ídolos teds como Crazy Cavan (muchos les proclaman como sus sucesores en el crazy rhythm tan característico de estos), con la excepción de un ralentizamiento en su ritmo entre los años 2006 y 2010 en que Hill, Zebop y Cifer pusieron algo de interés nuevamente en Mess of the Booze.
Músicos: Lou Cifer (voz), Mikel "Bill" Zebop (bajo y guitarra rítmica), Dave Hill y Ace Modis (batería), Hal Hellion (guitarra) y Dan Diablo (bajo).

Divertido video de Lou Cifer & the Hellions donde hacen una referencia a la época de los incidentes protagonizados por los Teddy Boys, prohibiéndoles la entrada en la mayoría de los locales y estando muy perseguidos por la sociedad, donde podemos hacernos una idea de los espectáculos de apertura de Totti, y donde cantan "Daredevils" ante un buen puñado de incondicionales.

The Mints (Center, 1949 - 1962)

2011-04-25T22:25:00.006+02:00

Cuatro amigos de la infancia y vecindad, dos de ellos los hermanos Warr, solían acudir juntos a la iglesia de la localidad tejana en la que vivían y pronto su principal afición fue cantar juntos en el coro. Demostraron talento y decidieron formar un cuarteto de gospel, algo bastante insólito a finales de los años cuarenta para unos chicos blancos, haciéndose llamar The Four Mints (Los Cuatro Mentas). Empezaron a hacer actuaciones en la iglesia y en eventos de la congregación primero, ampliando poco a poco su radio de acción, pero siempre a nivel local. Al igual que otros conjuntos de raza negra, ellos derivaron su estilo poco a poco a la música seglar vocal que era el rhythm & blues, de nuevo algo insólito entre blancos ahora a principios de los años 50. Inspirados por grupos de color, de color negro, se dedicaron a versionear canciones de estos, pero también comenzaron a crear temas propios, en lo que algunos han querido ver el equivalente doo-wop a lo buscado por Sam Phillips y que encontró con Elvis, unos blancos que cantasen como negros. Pronto habría más puntos de coincidencias con Presley pues, cuando empezaron a conseguir actuaciones fuera del estado y, necesitados de músicos de apoyo, su batería sería nada menos que D.J. Fontana, el futuro primer batería del Rey del Rock & Roll. Derivando hacía los postulados del du-duá más rockero, fueron fichados por la modesta discográfica Lin, que les editó la balada "Night air" (1956). Pasaron al más poderoso sello Decca al año siguiente, destacando entre sus ediciones de este periodo "Busy body rock", acreditados ahora como, simplemente, The Mints. Pero no consiguieron grandes éxitos de ventas y volvieron alternativamente a las baladas como Four Mints o al rock como Mints, hasta que terminaron haciendo simplemente bossa nova. Faltos de una respuesta por parte del público, acabaron como teloneros fijos de Los Treniers, banda bastante parecida que sin embargo había conseguido más renombre, en el largo contrato que estos firmaron para actuar en casinos de Las Vegas. Pero para cuando en 1960 uno de ellos, McSwain, lo dejó para hacerse pastor de almas, los demás aguantaron solo por inercia hasta su disolución definitiva no mucho más tarde.
Músicos: James Wilson (solista), Gene Warr (tenor), Al Warr (voz bajo) y Aubie McSwain (2º tenor).

"NIght air".

Dickie Pride (Croydon, 1941 - 1969)

2011-04-25T07:38:00.005+02:00

Richard Charles Kneller, que tal era su verdadero nombre, era un niño británico que destacó en seguida por una voz tan portentosa en el coro eclesial (llegó a cantar ante el arzobispo de Canterbury, segunda autoridad de la Iglesia Anglicana ) y un oido tan fino para la música que se recomendó a sus padres que se le formase para ser cantante de ópera. Pero su familia era de origen muy humilde y no podía permitirse esos dispendios, por lo que el cielo perdió un angel y el infierno ganó un demonio. En su adolescencia Dickie, como ya le llamaban, se inclinó por el skiffle, estilo proto-rockero inglés del que formó su primera banda, Los Semi-Tones, ensayando el poco tiempo que les permitían los pluriempleos que tuvo que buscarse para ganarse la vida. De uno de ellos, como picapedrero, fue despedido por cantar todo el rato mientras curraba, como veis los explotadores tienen la misma amargura exintencial en todas partes. Consiguieron algunas actuaciones, derivando pronto hacia el rockabilly, incluso en el centro de Londres, y allí es donde le vio y quedó prendado de su saber hacer el ya entonces famoso pianista Russ Conway, el cual le recomendó a su amigo el productor Larry Parnes, uno de los más importantes de Gran Bretaña. Este le contrató sin dudarlo y le dió su apellido artístico de Pride, lanzándolo con gran bombo y platillo a la arena del mayor escenario cubierto del Reino Unido. Dickie no decepcionó y embelesó con su voz y movimientos a público y crítica, la cual lo bautizó, tan sensacionalistamente como solo sabe serlo la prensa británica, como "El jeque del tembleque". Empezaron las giras, las apariciones en televisión y radio, su primer single, la versión del tema de Little Richard "Slippin´ & Slidin´" (1959), y el honor de ser telonero de gente como Billy Fury o Marty Wilde. Sin embargo, de forma sorprendente, sus discos no se vendieron bien y solo "Primrose lane" llegó a un decepcionante número 28 de las listas, lo cual se explica porque los discos no reflejaban el espíritu y la energía de su presencia y su directo. Por ello no perdía el atractivo en televisión y Pride fue el elegido para aparecer en la primera entrega del show hertziano "Wham!" en abril de 1960, así como lo había sido en varias de "Oh boy!". Pero para el año siguiente, entre la caida en picado en popularidad del rock & roll clásico y el fracaso en las ventas, se intentó transformar a Dickie en un cantante más meloso y con esto ya se estrelló definitivamente, lo que unido a cierta violencia que empezaba a mostrar debido a sus abusos con el alcohol y los porros (no se ha aclarado aun hasta que punto influyó su estado en el accidente de coche que tuvo mientras viajaba con Fury, del que salió milagrosamente ileso), hicieron que Parnes cancelase su contrato. Pride formó entonces otros grupos con la intención de empezar de cero, entre ellos Los Guvnors (que hubieron de disolverse tras un grave accidente de tráfico que dejó impedido a algún compañero) y Los Sidewinders, empresa no muy realista que terminó en fracaso. Se casó y tuvo un hijo, pero de las medicinas para tratar su creciente perturbación mental pasó a otras drogas más duras como la heroina y el LSD, ácido este que le llevó a encerrarse en casa durante días porque decía que había un dragón en Hyde Park. De ahí a la demencia más absoluta solo había un paso y para 1965 su carrera ya estaba absolutamente acabada, debiendo emplearse a tiempo parcial como dependiente en una tienda de maquinas de coser Singer (Cantante). Ello le afectó aun más y su locura se estaba volviendo tan peligrosa que fue internado en un manicomio, lugar donde finalmente se le hizo una lobotomía con el fin de controlar su cuerpo y relajar su alma. Devuelto a casa como un zombi, en el interior de su cerebro aun quedaban resabios de tiempos pasados y regustos por las drogas y su madre se lo encontró muerto en su cama por una sobredosis de pastillas cuando solo contaba 27 años de edad. A su entierro fueron Billy Fury y otras estrellas, que lo consideraban el más talentoso cantante británico. Se escribió una obra sobre su trágica vida llamada "Pride con prejuicios", en referencia a su más famoso álbum: "Pride sin prejuicios", todo lo cual hacía juego de palabras con la famosa novela de Jane Austen "Orgullo y prejuicio" (Pride significa orgullo).
Músicos: Dickie Pride (voz), Albert Lee (guitarra) y las orquestas de Eric Jupp y Ted Heath.

"Slippin´ & Slidin´"

The Nitemares (Madrid, 1999 - 2007)

2011-04-23T10:21:00.009+02:00

Era 1997 cuando un grupo de amigos de la capital de España empezaron a cantar a capella aprovechando los ecos de la estación de tren Principe Pio, razón por la cual decidieron bautizarse como The Del Prince. El doo-wop no pasaba por los mejores momentos en nuestros país después de la fiebre fugaz que supuso el inesperado éxito de Tennessee, pero nuestros amigos no se desanimaron y siguieron ensayando y perfeccionando su técnica, consiguiendo pronto algunas actuaciones. No tardaron en labrarse un nombre y de hecho pronto compartieron escenario con Los Crystalairs. Por desgracia ninguna discográfica se interesaría por ellos y los únicos testimonios que nos quedan de su existencia son grabaciones propias de ensayos o directos. Así las cosas decideiron separaerse y algunos de ellos (Cristina Cordo, José Ramón Sánchez y Roberto Ferrer) deciden unir fuerzas con Juan Manuel López y José Luis Povo, supervivientes de Los Amaniels y Vocal Factory, para formar un conjunto de doo-wop a pura capella, Los Harmonies. Rapidamente se harían muy populares por dar voz de forma más que brillante a la banda sonora de la serie de televisión "Aquí no hay quién viva", pero luego han girado a sonidos más du-duá de los años 50 y han grabado un par de CDs bastante recomendables, siguiendo en activo y en forma a día de hoy. Otro de sus integrantes, Marcos Sendarrubias (que también había estado en Los Dooteens), decidió por su parte cambiar de tercio (aunque nunca abandonaría su amor por el du-duá y de hecho se reencontrarían varias veces los Del Prince para ocasiones especiales) y formar una banda de rockabilly salvaje, y para ello se asocia con el guitarrista Ricardo Cuenca. Como ambos compartían su entusiasmo por el buen cine pensaron en llamarla The Bodysnatchers (por la obra maestra de Don Siegel "La invasión de los ladrones de cuerpos"), buen nombre que sin embargo fue finalmente descartado para ponerse The Nitemares, una forma anglo-chulesca de decir Los Pesadillas. Tras unos comienzos titubeantes pero muy divertidos pronto empiezan a incorporar a músicos curtidos y de calidad como Isaac González, que había tocado en bandas como Alabama Shake, Nacho Solinis & the Gigolos, Tommy Young & the Chromoadicts o Los Boomerangs, a Jesús Sanz (ex Los Tornados) o Diego Araoz (Loneshots) y con semejante elenco (bastante mejor que el de El Boticario & su Elenco, oidlos) comienzan las actuaciones en serio, primero en locales sociales y finalmente en la sala Siroco, donde obtienen muy buena acogida por parte de critica y público. Fichados por la discográfica especializada española Sleazy, publican dos EPs hoy míticos entre todos los aficionados del rockabilly español, "Do the Calandraca boogie" (2004) y "Spanish love", aunque en modo alguno transmiten la energía y talento de sus directos. Por desgracia el grupo no duraría mucho más por imposibilidad de mantenerse cohesionado, marchando cada uno de sus integrantes a formar parte de otros proyectos, todos con garantía de calidad del rock & español. Así González se fue a Los Hot Clappers y a Teté y los Ciclones (donde también colaboró Sendarrubias) y también, junto al mismo Sendarrubias y Sanz formaron el Moon River Trío. Ricardo Cuenca, por su parte, recorre el mundo con los sensacionales Charlie Hightone & the Rock-It´s.
Músicos: Marcos Sendarrubias (voz y guitarra rítmica) Ricardo Cuenca, Isaac González y Diego Araoz (guitarra), Jesús Sanz (contrabajo), Mario García (batería), Isaác González, Ernesto Ausín, Salomón Molina, José "Lokobilly", César y Banny.

"Venga nena" en los conciertos de Radio 3 en 2006

The Domino´s (Bruselas, 1988 - 1992)

2011-04-21T10:32:00.008+02:00

El principio de esta historia hay que buscarlo en el revivalismo rockabilly de los primeros años 80, que también llegó a Bélgica. Uno de los grupos pioneros de esta nueva ola fueron The Rowdies, efímera banda cuyo batería Alain van den Brande decidió formar en 1983 Franky & the Rednecks junto al guitarrista Ruben Block. Sin embargo había otro grupo local del género que empezó a eclipsarles totalmente, Los Domino´s, de estilo más ecléctico que hacia también rhythm & blues, jazz y sobre todo swing. Ello les llevó a separarse y Van den Brande y Block formaron otra banda, Tiny Tinne & the Texas Jumpers, junto al batería Koen Verbeek (veterano de conjuntos como Shakey & the Hunting Tones, Jesus likes Peppermint, The Grasshopers, The Crawlin´ Kingsnake Rhythm & Blues Band, The Shuttlecoks o The Mississippi Cotton Pickers). Tras incorporar a la espectacular cantante Martine Vanhoof pasaron a llamarse Sin Alley y las cosas empezaron a irles mejor, grabando algún disco aunque derivando rapidamente hacía el psicobilly. Verbeek les dejó para formar Los Fabulous Frankies, Capital Punishment y The Five Somethings, estos dos últimos de efímera vida (siendo sustituido por el batería de Batmovile), aunque, inquieto, ya había estado tocando de forma paralela con unos llamados Lovesteaks, y poco después el resto del grupo se disolvía, yendo Block a formar Los Trigger Finger junto a ex-miembros de Nordkaap y luego a AngeliCo, donde también recalaría la Vanhoof y daría a este grupo bastante renombre en Bélgica. Por su parte a Los Domino´s tampoco les iba mal, después de conseguir numerosas actuaciones en bares, clubs y festivales (incluso en el extranjero), su elegancia y talento no pasaron desapercibidos a los de la discográfica especializada Rockhouse, que les editó un álbu m en el que hace una colaboración el cantante de Vaya con Dios. Luego vino el muy superior LP "Minor things" (1991), cuyo single "Je suis swing" llegó al número uno de las listas francesas. Ello les proporcionó numerosas apariciones televisivas y mucha popularidad en su país, sobre todo a su cantante, Patrick Ouchéne, cuyo carisma e imagen le convirtieron en un monstruo mediático que incluso compartió escenario con la gran estrella de la chanson francesa, Charles Aznavour. Llegaron multitudinarios conciertos y se teloneó a grandes de la música como los Blues Brothers, por lo que visto el éxito la multinacional EMI compró los derechos y re-editó su último álbum con cuatro temas adicionales, pero llevó a cabo una promoción tan mala que lo descatalogó casi inmediatamente. Este fallo, aunque no fue culpa de ellos, trajo algunos problemas en el seno del grupo que se disolvió poco después tras solo dos años de vida. Mientras la mayoría de sus integrantes tomaban caminos distintos (Bernard Vancraeynest se dedicó al humor musical, Maarco de Meersman se empleó en la banda de la cantante de música ligera Isabelle Antena y Patrick Mortier continuó como productor y músico de estudio), Ouchéne y su guitarrista Kasper Devos decidieron formar una banda nueva ahora más centrada en el rockabilly, los Runnin´ Wild (nada que ver con el grupo heavy Running Wild), y para ello reclutaron a un contrabajista que les había ayudado en el pasado, Big Ben Aïssa, manteniendo un poco el abanico musical de los Domino´s. Los de Rockhouse siguieron confiando en ellos y les editó el LP "Something´s gotta give" (1994), del que se extraería un single. Su sonido limpio y refinado hizo que fueran bien vistos por las autoridades educativas musicales, sontratándoseles para que dieran charlas, demostraciones y clases en las escuelas belgas, iniciativa gubernamental esta de acercar al rockabilly a los niños que no creo que haya existido ni antes ni después en ninguna parte. También fueron invitados a participar en un congreso en Holanda sobre los jóvenes y la música actuales. Pero cuando poco después incorporaron a nuestro viejo amigo Verbeek, giraron por influencia de este un poco hacia el rhythm & blues y el tex-mex, siendo esta su peor etapa, corta eso si porque Verbeek decide volver poco después con su antiguo grupo. A ello se suma que Devos también decide dejar la banda, por lo que ambos son sustituidos por el multiinstrumentista J.P. Haye, para gran alegría del chico que había sido incondicional de ellos practicamente desde el principio. Por desgracia sufre un grave accidente de coche que le apartará del grupo, propiciando la vuelta de Devos. Haye, aunque medio recuperado volvería a tocar con los Runnin´ Wild, nunca más sería integrante fijo de su plantilla. Convertidos ya en un trío fijo, los Runnin´ Wild fueron fichados en 1999 por la discográfica española especializada en rockabilly, El Toro, tocando en los más importantes festivales del género y editando unos amenos CDs. Devos dejó la banda, esta vez de forma definitiva a principios del siglo XXI para formar Hétten Dés y luego Benvis & his Rockets, y tras nuevos cambios y diferencias de ideas la banda decidio separarse, aunque se reune aun para algún concierto concreto. Ouchéne, que también tenía la banda paralela Million Dollar Sunrise, se dedicó a organizar conciertos en Bélgica así como a organizar nuevos talleres para enseñar lo que es el rock & roll a los niños. Su carrera como cantante solista la emprendió como una especie de imitador del primer Elvis (apareciendo incluso en anuncios televisivos y películas) pero con canciones propias. De forma sorprendente representó a su país en el Festival de Eurovisión 2009 con el rock & roll clásico, aunque adaptado a las comerciales y casposas circunstancias, "Copycat", una buena canción que injustamente no llegó ni a la final (veanse sino las demás canciones), lo que da una idea de cuales son los gustos del público actual. Aun así Patrick, como era ahora simplemente conocido, se ganó una buena reputación en Bélgica aunque algunos rockers de otros paises le defenestraran pensando que era simplemente un oportunista que hacia burla de Presley, cuando en realidad era un homenaje, sin duda todavía con la mosca detrás de la oreja tras la humillación del año anterior por obra y pocagracia de Rodolfo Chikilicuatre. Dejando aparte malos recuerdos, digamos que por su parte Devos se unió a los Donkey Diesel, banda que tenía ex-componentes de los Seatsniffers, DAAU o Ferre Grignard, y con la que aun sigue, así como con la muy inferior, como por el nombre podreís adivinar, The Rhumba Kings.
Músicos: Patrick Ouchéne (voz y guitarra), Kasper Devos (guitarra), Bernard Vancraeynest (piano, saxo y violín), Jacky Chelidonis y "Big Ben" Aïssa (contrabajo),Maarco de Meersman (batería), Patrick Mortier (trompeta y clarín), Peter Van Eyck (steel guitar) y Chloe (coros).

"Je suis swing"

Los Juniors (Méjico D.F., 1959 - 1967)

2011-04-20T08:50:00.008+02:00

Integrantes de esa primera generación del rock and roll en español, los mejicanos Juniors, liderados por su vocalista Arturo Gómez, comenzaron haciendo versiones de clásicos del rock y rockabilly estadonidenses pero traduciendo más que libremente las letras. Tras algunas actuaciones fueron contratados por la modesta discográfica Cisne, los cuales pensaban encontrar algún grupo con el que hacer la competencia a los ya ídolos nacionales (y muy superiores) Teen Tops. Sacaron un EP, hoy practicamente inencontrable, en el que destacaba la buena versión de Tillotson "Poesía en movimiento" (1960), pero Cisne no tenía los medios mínimos para promocionarlos y fracasaron. Entonces el gran locutor de radio Xavier Mora les consigue el pase a discos Peerles que al fin les hizo nacionalmente conocidos gracias a "El especial de Frankfurt" (versión del "Frankfurt special" de Elvis) y "A traves de los años" (el "Time goes by" en español), ambas de 1961. Las recopilaron en un buen álbum y ello llevó a animarles a componer sus propios temas, no demasiado originales pero pegadizos y que pegaron muy fuerte, sobre todo su refrescante y ya algo sesentero "Tequila con limón" (1962). Acreditados ahora a veces como Los Juniors y su cantante Arturo o como Arturo y los Juniors, sus temas se hicieron cada vez más tontos y comerciales, girando hacia el pop y cayendo su popularidad rapidamente en beneficio de otros grupos que sí empezaron en este estilo y por lo tanto eran vistos como menos oportunistas y chaqueteros. Antes de que el barco se hundiera definitivamente Arturo dejó la banda para iniciar una carrera en solitario que obtuvo muy buenos resultados en un principio con la cursi "Multiplicación" (1963). Convertiido en un personaje muy popular en Méjico hizo al año siguiente un dueto con otra de las efímeras reinas del rock mejicanas, Vienay Váldez. Su canción conjunta "Hey Paula" (1964), una excelente versión en español de la balada rockera de Paul & Paula, se convirtió en un tremendo éxito que les animó a seguir grabando canciones juntos, todas ellas muy inferiores y que les precipitó a ambos al olvido en poco tiempo, todo ello a pesar de que tuvieron como banda de apoyo a una de las mejores del momento, Los Apson. Mientras tanto el resto de Juniors había seguido su carrera incorporando nuevos vocalistas, alguno incluso con mejor voz que Arturo (destacar aquí el tema "No es extraño", versión del inmortal "It´s not unusual" de Tom Jones), girando hacia el sonido instrumental o surf en la mayoria de las ocasiones, y finalmente hacia el mersey beat. Pero aunque grabaron varios álbumes más su tiempo, el del rock & roll había pasado y empezaron las deserciones con el fin de encontrar trabajos más estables o continuar con sus estudios, como fue el caso de Enrique Carrillo, que acabó sacándose el doctorado en Europa en ecología marina.
Músicos: Arturo Gómez (voz y bajo), José Acosta y Antonio de los Cobos (guitarra), Juan Antonio Méndez (piano), Juan Hurtado (saxo), Jaime Rebollo (batería), Enrique Carrillo y Los Urracas.

"El especial de Frankfurt".

Miklos Fenyö (Budapest, 1947)

2011-04-19T10:03:00.008+02:00

Aunque nacido en Hungría, su familia emigró cuando él era aun niño a los Estados Unidos, y en Nueva York asistió Miklos al colegio donde se familiarizó con el rock and roll de primera mano. Ya en su adolescencia regresó a su patria natal con la intención de llevar al otro lado del telón de acero los nuevos ritmos que había aprendido, labor misionera en la que es pionero. Tenía buena voz y ya había aprendido a tocar el piano, así que lideró su primer grupo de rock´n´roll llamándolo Star. Por desgracia no tuvo éxito, quizá estaba demasiado adelantado a su época en el bloque del Este, y lo disolvió para formar uno un tanto más melódico y adaptado al sistema llamado Syconor. Pero no fue hasta 1967 que empezó realemente a triunfar como director y líder de la banda de rock Hungária, ganando un importante premio, pero ya con algunas influencias en su seno que dejaba algo apartado el rock & roll clásico, estilo que por otra parte nunca abandonó en conciertos que pronto se extendieron a todo el territorio nacional. Convertido en uno de los estandartes del rock del bloque comunista, Miklos salió de gira por la Unión Soviética, Polonia o Alemania Oriental en los años 70, pero por desgracia pronto fue derivando su estilo, hacia el pop primero y hacia el funk a finales de esa década, intentando adaptarse de forma patética a las nuevas modas capitalistas, lo que, cual merecido castigo socialista, le valió problemas con las autoridades y prohibición de alguno de sus discos (aquí he de expresar mi agradecimiento al Comisario Político de turno por evitar que aquella basura saliese a la calle durante décadas pues emanaba verdadero hedor). Por fortuna el revivalismo rockabilly también llegó a Europa del Este a finales de los años 70, sorteando las dificultades de distribución, y aunque en un primer momento el nuevo movimiento rocker era bastante marginal pronto se destaparía como uno de los más frescos y vivos de Europa. Así las cosas no es de extrañar que un pionero como Fenyö fuese reclamado por los grandes medios y grabase un álbum superventas tan bueno como es "Rock and roll party" (1980). Pero Miklos se dejó influir por malas o estúpidas gentes que le recomendaron actualizarse a mitad de los años 80 haciendo sonido (me niego a llamarle música) break-dance, creyendo que ese estilo iba a ser recordado en el tiempo. Daba pena ver al otrora digno músico intentando caer bien a un puñado de chavales descerebrados con la gorra para atrás. La triste imagen contribuyó a la disolución de su borreguil banda, evento que coincidió con otro mucho más triste, la caida del muro y la llegada del capitalismo salvaje a Hungría. En los años 90 continuó Fenyö su carrera en solitario (con su hijo acompañándole al piano) y como manager de algunas nuevas bandas de rock en su país, recibiendo numerosos premios, homenajes y protagonizando dos musicales rockeros de bastante éxito, uno de ellos biográfico de su carrera como pianista de rock & roll al estilo del "Gran bola de fuego" sobre Jerry Lee Lewis (solo que Jerry nunca hizo break-dance). En el año 2008, de hecho, se ha realizado una película musical sobre los primeros tiempos rockeros de Fenyö llamada "Made in Hungaria" de la que opinaré cuando la vea. Actualmente es una especie de institución mediática en Hungría, que lo mismo hace de jurado en concursos televisivos, que edita un buen disco como "Mr. Rock and roll" (2004) que hace remix ridículos de viejos éxitos, que sale en películas, que canta ante 70.000 nostálgicos. En cualquier caso no se le puede negar una cosa: que fue el pionero en uno de los lugares con más movimiento y más cantera rocker de Europa (su embajador en los Estados Unidos es un rocker, creo que algo inédito en el mundo, aunque ya no se note tras su alopecia y trajes de corbata). Y si no, ahí están grupos como Mistery Gang o Rockin´ Rockcats (entre muchos otros), clubs como el Gödör o el Lucky 13 o bares como Amigo (calle Harsfa 1 en Budapest), que creo es único en el mundo en hacer un mínimo de dos conciertos semanales del género, cuando no cuatro.
Músicos: Miklos Fenyö (voz y piano) y Hungária.

"Rock and roll party"

The Rainbows (Washington D.C., 1953 - 1955)

2011-04-18T17:13:00.010+02:00

Nada que ver con el grupo homónimo de rhythm & blues que luego daría lugar a Los Vocaleers (ni, por supuesto, con Randy & the Rainbows), estos eran un grupo de adolescentes de la capital estadounidense que empezaron llamándose Los Serenaders y que grabaron muy pronto para los discos DC, cuya propietaria, Lilian Claiborne, grababa a todo aquel que entrara en su estudio por poco talento que tuviese. Estos temas tempranos ni siquiera llegaron a editarse (solo vieron la luz más de veinte años más tarde) y el conjunto se disolvió poco después. De sus integrantes uno se unió a Los Carusos (luego re-bautizados como Halliquins), otro a Los Topps y otro a Los Phelps Playboys, ninguno de los cuales triunfó lo más mínimo a pesar de que la optimista señorita Claiborne siempre tenía disponible su estudio de grabación. Los otros dos, Henry Womble y Jake Hardy, siguieron juntos y formaron Los Rainbows (Los Arcos Iris) tras completar la formación con nuevos miembros y variaron su estilo hacía el du-duá que empezaba a imperar entre los grupos vocales. Sin embargo la confusión estaría servida cuando la Claiborne vendió dos temas de Los Serenaders que serían editados como un producto de Los Rainbows, cuando en realidad son dos aburridas baladas de su época rhythm & bluesera. Tras practicar con esmero fueron fichados por discos Red Robin de Nueva York que les editó el excelente y jocoso single "Mary Lee" (1955), que se vendió muy bien en las ciudades de Nueva York y Washington. Pero entonces Womble deja el grupo para completar sus estudios y, poco después, el resto de compañeros acuerdan separarse. Curiosamente, al poco de esto, su disco empieza a venderse mejor aun y dos de los componentes, Ron Miles y John Berry, deciden fichar nuevos miembros (entre ellos el guaperas Don Covay) y seguir con la banda. Hicieron un par de singles más en 1956 que no aportaban nada nuevo por lo que fracasaron en las ventas, así que lo que quedaba de ellos se disolvieron para siempre, eso si, habiendo tenido el honor de que el luego célebre Marvin Gaye cantase con ellos en alguna actuación. Dos de ellos se unieron un tiempo a Los Marquees, y Covay formó un grupo llamado Los Satisfiers, de nulo éxito, antes de decidirse a emprender una mediocre carrera en solitario utilizando el poco modesto nombre artístico de Pretty Boy (Niño Bonito), aunque debemos destacar entre sus grabaciones "Pony time", que luego Chubby Checker convertiría en éxito mundial. Luego si le fue realmente bien cuando se unió al grupo de soul Los Goodtimers, pero ya a partir de los años 60, y luego aprovechando el renombre de estos. Otro de los componentes originales, John Berry, siguió cantando y una de sus primeras maquetas, la oportunista "If you see Mary Lee" (1958), sería engañosamente editada como obra de Los Rainbows. Más destacable es su versión del "Oh boy!" (1959), sincero homenaje al recién fallecido Buddy Holly, acreditado bajo el pseudónimo de Sonny Spencer (para mayor confusión, ediciones posteriores de unos u otros aparecerían editadas como de The Rainbows featuring Sonny Spencer. Al final, Berry acabó uniéndose a los Hollywood Flames y luego se hizo el compositor favorito de su viejo amigo Covay. Por su parte Miles se unió a las Fuerzas Aéreas y allí reclutó miembros para formar unos nuevos Rainbows, formación artificial que completó cuando se licenció en 1962 al incorporar a dos miembros del grupo semi-amateur The Carousel. Grabaron un par de singles a mediados de los años 60 y continuaron en activo, incorporando en ocasiones al pianista original de la banda, Donald Watts, hasta principios de los años 90. Luego Miles se unió a un grupo de gospel, The Anita Jones Singers. De los otros dos componentes originales, Womble trabaja como educador de adolescentes problemáticos y Hardy es camionero.
Músicos: Henry "Shorty" Womble (tenor), James "Sally" Nolan (barítono), Frank "Jake" Hardy (voz bajo), Ronald "Poosie" Miles y John "JB" Berry (2º tenor) y Donald Watts (piano).

"Mary lee"

Los Cuatreros (Palma de Mallorca, 1988 - 1993)

2011-04-06T10:57:00.005+02:00

La explosión rockabilly española de los años 80 también tuvo un importante foco de animación en las islas Baleares, sobre todo en Mallorca, destacando entre aquellas canteras adolescentes el Instituto Guillem Sagra, de donde saldrían grupos de efímera vida como Juanito Percha y Los Colgaos o Los Toñetes. Otro de sus alumnos forma en 1987 Teddy Bartol & the Ginjol´s Rockets, que no hacía solo rock & roll sino también bastante blues. Consiguen algunas actuacione en fiestas pero pronto se producen los primeros cambios en la formación lo que da lugar a que se cambien el nombre a Teddy Bartol & the Bourbons, consiguiendo poco a poco, merced a más actuaciones y ensayos, cierto virtuosismo técnico que antes no tenían. Se empiezan a ganar un nombre en el panorama rocker de las islas pero de forma paralela su cantante Teddy Bartol, al que también apodarán El Reverendo (o Terry Bala o The Big Ted), comienza a tocar con una banda local nueva de rockabilly, Los Cuatreros. Más afín a sus gustos musicales que la derivación hacia un rock más duro y hacía el blues-rock que estaban tomando Los Bourbons, los deja para formar parte de pleno derecho de Los Cuatreros, justo antes de que su antigua banda gane el concurso local de pop-rock en 1991, llamándose ya por entonces Bourbon Gratis. Mientras tanto Los Cuatreros, con Teddy Bartol ya como cantante solista, se habían ganado una reputación (no sabemos si buena o mala, pero reputación) como uno de los grupos más divertidos e imprevisibles sobre el escenario, quizá debido a su amplio y abierto repertorio rockero o quizá a su heroico consumo de alcohol. Fuese como fuese ganaron un concurso local y grabaron varias maquetas con temas propios hoy míticos como "Un hombre-lobo en Pensylvania Park" o "Nos tendremos que retirar", lo que les consigue una gran cantidad de actuaciones y una legión de fieles seguidores. Muchas veces comparten escenario con otras de las grandes bandas semi-amateurs baleares como Black Cats, Norton 56, de efímera vida y hoy desaparecidos o The Dynamites (liderados por el cordobés Chester), que dieron mucha caña y se mantuvieron fieles al rockabilly durante mucho más tiempo. Por otro lado estaban Los Pistolos, con otro alumno del instituto Guillem Mestre, Franky "El Abuelo" (en todas las ciudades había un "Abuelo" rocker, el más veterano y respetado, aunque tuviera 20 años), el cual también tocaba en Barra Libre, y también The Great Dalton Rock & Roll Band, otro de cuyos integrantes también es alumno del mismo colegio, Pep "Es Mestres". Estos, tras abreviar el nombre a, simplemente Los Dalton (nada que ver con la banda homónima y coetánea canaria de psicobilly), también se ganan un nombre dentro del círculo rocker ua antes de cambiarse nuevamente el nombre, esta vez a Hot Rockin´ Band en 1991. Su estilo de rockabilly clásico queda inmortalizado en varias maquetas y consiguen actuaciones incluso en la península. Pero mediados los años 90 todo este panorama rocker, aparentemente tan idílico y próspero, sufre una transformación radical (como sucede en el resto de España) por la variedad de influencias músicales, maduración o simplemente por el paso del tiempo que hace que muchos de los rockers abandonen el movimiento ante responsabilidades familiares o laborales que no se que pijo tienen que ver pero que coartan su libertad de forma bastante triste. Todos los grupos aquí tratados se disuelven en poco años, pero el nuevo resurgir rocker de finales de los 90´s hace que, cual bacterias indestructibles, sus músicos se vuelvan a reunir en nuevas bandas ahora con arreglo a sus gustos comunes y no tanto por amistades de adolescencias, dando lugar a grupos más profesionales y sólidos (también aparecen conjuntos de nueva generación en Palma de Mallorca, como Winchester, que luego daría lugar a Roadracers). Así, Juanma, de Juanito Percha y los Colgaos, forma Mad Rumblers junto a algún ex-miembro de Rockabila. El bajista de Los Dynamites, P.J. Bassman, formaría Rockin´ Filtros, mientras que su antiguo cantante se uniría a dos ex-miembros de Hot Rockin´ para formar Chester y los Dinamitas, mientras que los otros dos Hots (Pep y Felipe Hermoso) crean Forbidden Rockers. Estos, de estética tedddy-boy, consiguen grabar un buen CD en 2002 e incluso obtienen muy buena acogida en Gran Bretaña y Japón,país este donde dos de sus temas son incluidos en un disco recopilatorio titulado muy significativamante "Teds & Rockers". Sorprendentemente, y a pesar de ser una de las bandas más prometedoras del rockabilly español, se disuelven solo un año después. Algunos de Los Cuatreros, junto al Abuelo, forman la Ju-Ju´s Blues Band (por el segundo apodo de su cantante El Brujo), que como su propio nombre indica hacían blues y rhythm & blues sobre todo. Pero cuando en 1996 incorporan a su antiguos compañeros Teddy Bartol y Manolo Crisps, el rock and roll vuelve a cobrar protagonismo poco a poco en su repertorio y pasan a llamarse The Rip it Up´s, o según las ganas, Magnum 44. En 1999 Crisps es sustituido (incorporando poco después a un boxeador semi-profesional, Mateu "Boxing") y el grupo ahora, con un nuevo empuje hacía el emergente rockabilly, pasa a llamarse Cool Daddies, nuevo buque insignia del rockabilly balear. Se van haciendo un nombre y pronto graban un CD en directo, autoproducido y con un sonido peor que regular, pero siempre incluyendo algunos de los temas de Los Cuatreros que más fama les dieron. Tras nuevos cambios en la formación (fichan al guitarrista de Los Roadracers, Joel, y de forma definitiva a Pep "Es Mestre") graban su primer CD de estudio en el año 2004 (su tema "Clint Eastwood" me llega especialmente al corazón) y consiguen algunas actuaciones multitudinarias. Su calidad llega a oidos del extranjero, siendo contratados incluso en Inglaterra y actuando de teloneros de gente como Sandy Ford o Crazy Cavan. Se empiezan a decantar por la música instrumental, el surf o por el que sus cada vez menos numerosas canciones cantadas sean en inglés, algo que considero un error, pero que les sigue deparando alegrías y que sea por mucho tiempo, auqnue ultimamente parecen haber ralentizado su ritmo de conciertos.
Músicos: Teddy Bartol (voz y batería), Ferran "The Boss" (voz y guitarra) y Toni "Melassa" (guitarra), José Ramón Duréndez y Paks "Bistec" (contrabajo), Manolo "Ruphus" Crisps, Felipe "Johnny" Hermoso y Emilio Navarrete (batería), El Brujo Ju-Ju (banjo, voz y armónica) y Pere "Pickin´" (piano).

Ya como Cool Daddies en "Pánico en el coffee bar" (2005).

Von Dutch (Los Angeles, 1929 - Santa Paula, 1992)

2011-04-05T07:29:00.008+02:00

Su verdadero nombre era Kenny Howard y su padre ya era un conocido diseñador gráfico de California cuando él, en su adolescencia, se interesó por el dibujo y el arte gráfico. Con solo 15 años entró a trabajar como mecánico aprendiz en un taller de motocicletas, llevándose un buen día a casa una vieja y desechada con la intención de reciclarla para sí. Hizo un trabajo tan magnífico (con la ayuda de su padre esa primera vez), pintándole unas lineas tan llamativas y originales que cuando el dueño del taller la vio quedó impresionado y le destinó a la sección de chapa y pintura, aunque siempre se considerará un mecánico pues, como él mismo dice: "El metal es para siempre pero la pintura ¿Quién lo sabe?". Pero la realidad es que su talento artístico afloró en seguida, pintando las motos de las primeras bandas de motoristas californianos con un estilo tan personal, a base de alas, plumas, indios u otros diseños etnicos, que pronto todo dueño de una moto de gran cilindrada quería que fuese Howard, ahora firmando bajo el nombre artístico de Von Dutch, el que les pintase la maquina. Para mediados de los años 50 ya habían tenido que ampliar el negocio y saturaba el mercado dutcheando motos, pero Kenny no lo hacía por el dinero, jamás le interesó a pesar de que podía haberse hecho rico y rechazó millonarias ofertas de grandes compañías. Él siempre prefirió llevar una existencia humilde e incluso pintar muchas veces gratis si quién lo requería no tenía posibles, a pesar de que a esas alturas su trabajo ya estaba muy cotizado. En la segunda mitad de los años 50, no obstante, empezó a trabajar a tiempo completo, dedicándose ahora también a pintar coches, sobre todo hot-rods, reclamándosele mucho su diseño de un ojo sanguinolento con alas que, de forma oficiosa, se convirtió en su logo y firma personal. Le salieron muchos discipulos, entre los que destaca Ed Roth, pero de forma sorprendente Dutch dejó el diseño, ya que había dejado de gustarle al convertirse en un trabajo pagado más, y se marchó a Arizona, viviendo casi como un ermitaño que fabricaba pistolas y cuchillos y tocaba la flauta (muy bien por cierto) al ritmo del rock & roll o la música clásica indistintamente. En esta época también diseñó un rifle especial para una serie televisiva y una moto exclusiva para Steve McQueen Así estuvo hasta mediados los años 70, en que salió de su retiro para sustituir precisamente a Roth en su empleo de jefe de diseño de la empresa de pintura de coches hot-rod Cars of the Stars. Quizá algo avergonzado de tener un trabajo más convencional, fichando de 9 a 17 horas, se cambió con humor el nombre a J.L. Bachs (o Joe Lunch Box, es decir, Pepe Bolsa del Almuerzo). Cuando la empresa quebró Dutch se trasladó a una pequeña casa donde, ahora si, se enclaustró como un ermitaño y se volvió completamente loco. Las pocas veces que salía lo hacía para perseguir a todo aquel fuese encorbatado o uniformado, llegando una vez a disparar a un tipo solo porque dijo que era de Cleveland! A pesar de haberse convertido en un peligro para el vecindario su talento no había desaparecido y fabricó unos preciosos cuchillos hoy muy cotizados, así como motocicletas y la maravillosa restauración hot-rod de una camioneta de 1947 con piezas de los años 50 a la que llamó Kenford (mezcla de Kenny y Ford) y que actualmente está en un museo. Lamentablemente también era un alcoholico empedernido que a pesar de los problemas de salud que ello le iba causando se negaba a ver un doctor. Así, con orgullo pero entre infinitos dolores murió este genio del diseño rockero pocos días después de su 63 cumpleaños. Sus dos hijas vendieron los derechos de sus diseños, nombre y logotipos a una multinacional de ropa que ahora los utiliza como un reclamo para vestir a moteros pijos (con el video sabreís lo que quiero decir). Cría cuervos.

Al menos podreís ver sus logos y algunas de las motos que diseñó.

Los Coyotes (Madrid, 1979 - 1991)

2011-04-04T13:36:00.009+02:00

Víctor Aparicio, joven talentoso e inquieto, deja su Pontevedra natal para marchar a la capital de España a estudiar Bellas Artes. Pero cuando llega a Madrid en la segunda mitad de los años 70 se encuentra con un panorama intelectual y artístico del que nada decían los organismos oficiales, una explosión de creatividad juvenil que va creciendo exponencialmente hasta desembocar en aquella explosión que fue conocida como La Movida (sobre ella escirbiría Aparicio un anecdotario años después). No es solo las artes plásticas lo que destaca, sino también y cada vez con más fuerza, la música, y Víctor decide formar su propio grupo junto a tres amigos (Fernando Gilabert, Ramón Peñas y Fernando del Valle), al igual que centenares de jóvenes más, pero al contrario que estos (que estilisticamente se centraron en el punk y en la Nueva Ola) se decantan por el rock & roll clásico de los años 50 y por el rockabilly, estética y ritmos rockers que marcarían el espectacular comienzo de su mítica banda, Los Coyotes. Cuando comienzan a tocar apenas tienen experiencia ni técnica, pero a Víctor le sobra confianza en si mismo y deciden que deben arriesgarse a grabar una maqueta que rapidamente colocan a las emisoras nacionales, receptivas entonces (¡Que tiempos!) a cualquier nuevo proyecto juvenil de calidad. Inmediatamente se hacen conocidos, sobre todo entre el incipiente panorama rocker madrileño, y consiguen telonear nada menos que a Matchbox en los momentos de mayor gloria de este grupo (eran nº 1 en toda Europa). El concierto, que fue transmitido por radio a toda España en un programa significativamente llamado "Champú, peine y brillantina", les dió el empujón que necesitaban, a pesar de que todavía estaban algo verdes. Esto lo compensaban con su desparpajo y con la diversión que suponían sus conciertos, fiestas impredecibles en las que el público podía participar a tope o incluso pelear con ellos, doy fe. Por otra parte sus influencias cada vez se fueron abriendo más, incluyendo rhythm & blues, punk, nueva ola o blues, lo que les apartó de los rockers más cerriles que prefirieron agruparse en torno a grupos más estrictos como Los Rebeldes. Los Coyotes denominaron esta mezcla de estilos punkabilly, nuevo terminó que, junto al de punk-rocker de Los Ramones, consiguió calar un tiempo y que retardó en España la aparición del quizá menos afortunado, aunque claramente diferenciado, psicobilly. Etimologías aparte, esta derivación del grupo llevó a Peñas a pasarse a los más puristas Bulldog, debiendo hacerse ciertos ajustes en la formación. Por fin graban su primer disco, el EP "Extraño corte de pelo" (1982), seguido, previa renuncia de Del Valle también, del maxi-single "Ella es tan extraña" (1983), donde los postulados del rockabilly ya se han ido dejando atrás definitivamente para acercarse al estilo indefinido punk-rock-horror de gente como Los Cramps. Pero a partir de aquí, y de forma desconcertante, cambian radicalmente hacia el rock latino, lleno de influencias de ritmos sudamericanos, y cuya culpa debe atribuirse casi en exclusiva al propio Aparicio, cuyo oido se vio contaminado por estas horribles músicas. La táctica, no obstante, tuvo éxito y triunfaron plenamente con "300 kilos" (1983), un himno pan-hispano que aun podía oirse con agrado por predominar cierta influencia mariachi, a pesar de su irritante monotonía y longitud. Nuevos cambios se producen en la formación y cuando Gilabert empieza a pasar más tiempo con el grupo de tangos Malevaje que con Los Coyotes, Aparicio es ya él único miembro original que queda. Fichan por la discográfica oficosa de la movida, DRO, y ahí es donde darán el callo con el magnífico álbum "Mujer y sentimiento" (1985), que aunque les confirma como los grandes del rock latino español (por más que grupos como Gabinete Caligari o Radio Futura les quitaran ese título en los círculos oficiales) deja ver que aun su espíritu rocker no se había apagado al hacerse evidentes aun las influencias del rockabilly y otros estilos amigos como el surf y el psicobilly. Lo que es más, a partir de ese años empiezan a dar conciertos con su grupo paralelo de rockabilly, Las Hienas. Una cosa es el dinero (no les fue nada mal un tiempo con Los Coyotes) y otra el alma. Sin embargo, una vez más, Aparicio dejó a todo el mundo patidifuso cuando de la noche a la mañana volvió a apretar la tuerca. Adoptó ahora el apodo de Víctor Abundancia, explotando la imagen de un hiperbólico macho latino de pelo en pecho, y exageró hasta la parodía sus ritmos latinos a la vez que los mezclaba con funk, tecno y con las letras del efímeramente llamado porno-pop. El resultado era una pachanga bailonga y algo hortera que sin embargo dio un resultado comercial increible con la inteligente, pegadiza y oportuna "Esta noche me voy a bailar" (1989), número uno en algunas listas de éxitos. Pero esta traición a sus raices le valió que no solo su público de siempre, sino también sus compañeros le dieran la espalda, y su proyecto personal pasó a llamarse ahora Los Coyotes de Víctor Abundancia, convirtiéndose ya en una penosa orquestina caribeña llena de músicos gitanos y sudamericanos. Abandonado por el gran público, Aparicio se dedicó en los años 90 a sus otros dones, sobre todo el dibujo y el comic, que se le dan realmente bien, y después comenzó una carrera en solitario haciéndose llamar Víctor Coyote. Después de tanta vuelta al final tuvo que reunir al la formación original para tocar sus mejores canciones de los años 80 bajo el sobrenombre de Coyotes 84, y con eso siguen de ven en cuando aunque la verdad es que Aparicio ya es casi más conocido por su labor gráfica que por la musical. Músicos: Víctor Aparicio (voz y guitarra), Fernando Gilabert (guitarra y contrabajo), Ramón Peñas (contrabajo), Fernando del Valle, Carlos Torero y Celestino Albizu (batería), Ulises Montero (saxo) y Ramón Godés (guitarra). "Aquí estoy de nuevo"

The Debonairs (Chicago, 1956 - 1964)

2011-04-02T17:38:00.006+02:00

Eran un grupo de adolescentes del sur de Chicago que hacían doo-wop y, en principio, se hacían llamar The Kinglets hasta que, después de oirle cantar en el coro de la iglesia, ficharon a Nip Talbert, pasando a llamarse Debonairs por considerarse jóvenes y elegantes (debonairs, en francés). En un principio se contentaban con hacer batallas vocales en el parque con otros grupos del barrio, como Los 4 Gents, hasta que les oyó el pincha-discos local Herb Gent que les recomendó a un manager ambicioso, Lagree Cox. Este consiguió que grabaran para discos Ping arropados por los músicos profesionales del combo de Andrew Hill, a cambio solo de quedarse con los derechos de algunas de sus canciones. Su primer single, "Mothers son" (1956), seguía la pauta habitual en los grupos vocales de llevar una balada en la cara A y un tema más rockero en la B, pero fue un fracaso, quizá porque la canción principal era demasiado aburrida o quizá por la dejadez de Cox que incluso permitió que el disco se editara con una errata que les acreditaba como De´Bonairs. Gent, aun apoyándoles, hizo un intento desesperado por reeditar esos mismos temas, ahora en discos Vee-Jay, acreditados bajo el pseudónimo de The Delegates, pero el resultado fue el mismo. Pero Gent no perdía la esperanza en sus protegidos y les llevó a un festival orgsanizado por él en el que los chicos hicieron de teloneros de gente como Los Dells o Los Moroccos, pero sin que un duro público se conmoviera demasiado. Fracasados, se emplearon como coros de estudio para alguna grabación de Lula Reed, acreditados como The Teeners. Empezaron las deserciones y el hermano de Nip, Homer, que también sabía tocar el piano, cubrió alguna de las vacantes. Se consiguieron algunas actuaciones en la radio y algunos buenos conciertos, teloneando incluso a sus adorados Spaniels, pero poco más. Finalmente el cantante de éxito Billy "The Kid" Emerson les produjo el single "Fool´s love" (1961), su mejor trabajo pero que llevaba un horrible lastre en la cara B en forma de mambo. Aguantaron unos años más hasta que su solista Ralph Johnson dejó el grupo para formar uno mixto junto a su hermana y unos amigos, Los Ti-Chauns (que solo grabarían el single "I don´t wanna"), por lo que el resto del conjunto se separó. Todos dejaron la música excepto el propio Ralph, que participó en otro grupo a finales de los años 60, Los Topics of Dream, y llegó a grabar un single de soul en solitario algo después, "Have your fun" (1971).
Han existido muchos grupos más llamados así. Están los Debonairs en los que cantó Richard Berry antes de emprender su carrera en solitario, y con lo que no llegó a grabar. El grupo de soul de los años 60. La banda de garage de esa misma década a la que no le fue nada mal con su tema "Never mistaken". Una agrupación funk de los años 70. Un grupo de rock de Boston de los años 90; y otro de reggae del siglo XXI. También existieron un efímero grupo blanco de du-duá llamado Bob & the Debonairs, un conjunto de soul cuyo nombre era Rose Battiste & the Debonairs, uno revivalista doo-wop llamado Matthew Piazzi & the Debonairs (que incluso a invitado a cantar con ellos a Ralph Johnson en alguna ocasión) y una banda de jazz actual llamada Lily Frost & the Debonairs. Tampoco han de ser confundidos con Los Debonaires, de los que hablaremos en otra ocasión.
Músicos: Ralph Johnson (solista), Virgil "Nip" Talbert (tenor), Earl "Poochie" Banorsby (barítono), Richard James (2º tenor), William "Sonny Boy" Nelson (barítono y tenor), Edward Johnson (voz bajo), Homer Talbert (voz bajo y piano), Andrew Hill (piano), Malachi Favors (bajo), Earl Von Freeman y Pat Patrick (saxo) y Wilbur Campbell (batería).

"Fool´s love"

Andy Starr (Combs, 1932 - Fayetteville, 2002)

2011-04-01T12:20:00.006+02:00

Nacido en el norteamericano estado de Arkansas, su verdadero nombre era Franklin Delano Gulledge y fue un niño problemático que llegó incluso a sacarle un revolver a un profesor en el colegio, nada de extrañar en un chico cuyo ejemplo era un padre que estaba en prisión por atraco a mano armada. Como los estudios no eran lo suyo y vivían en la más absoluta miseria, los dejó a los catorce años para buscarse la vida en los empleos más bajos, incluyendo catador de whisky ilegal para comprobar que no dejaba ciego. Aunque aficionado a la música, el deseo de huir de este espantoso mundo cuanto antes y de un alcoholismo al que parecía abocado, hizo que se alistase en las fuerzas especiales del ejército cuando solo tenía 17 años, debiendo servir en la guerra de Corea poco después. Harto de disciplina dejó la milicia por la música, formando a su vuelta a casa el grupo hillbilly The Arkansas Plowboys, junto a sus hermanos Bob y Clark. Se trasladaron a California donde consiguieron pocas actuaciones, por lo que Frank, siempre inestable e inconstante, se fue a Las Vegas a perder lo poco que había ganado bebiendo, jugando y casándose de forma más que precipitada. Se trasladó a Tejas en 1954, cuando el rockabilly estaba empezando a nacer, y, enamorado de este nuevo sonido, empezó a tocarlo en diversos clubs de la ciudad de Denison para ganarse algunas perrillas. Tras hacer una actuación en la radio local consiguió una audición en el modesto sello Lin, lo que dió como resultado el single "The dirty bird song", un proto-rock & roll que no se vendió demasiado bien en el que ya aparecía acreditado con su nombre artístico de Andy Starr. Acompañado por la banda Rock-Away Boys, integrada por los hermanos Pace, actuaron en los conciertos del Grand Ole Opry y su siguiente single fue más country que el anterior y por tanto también fracasó en las listas, una estupidez sin duda de la discográfica pues en aquellas sesiones se grabaron espléndidos temas de rockabilly que no saldrían a la luz hasta décadas después. No es de extrañar pues que, aunque desconocido, este pionero del género fuera elegido para acompañar en el escenario a un principiante pero ya arrollador Elvis Presley en el concierto que daría en la localidad. Elvis llegó en un Cadillac blanco y vistiendo pantalones rosas, pero la humildad de Starr no desmereció al futuro Rey sobre las tablas. Sin embargo su influencia sobre él fue muy poderosa, y ya en los siguientes discos, contratado ya por MGM, el rockabilly predominaba con toda su fuerza, como se puede notar en el single "Rockin´ rollin´ stone" (1956), co-escrita por el propio Starr. De hecho, poco después, a la salida de un hotel de Tennessee, fue abordado por una multitud de adolescentes que lo confundieron con un Elvis ya convertido en estrella, y le arrancaron la ropa y casi lo asfixian antes de que la policia pudiese rescatarlo. Tras cambiar de banda, llevando ahora como apoyo a Los Strikes (un grupo de doo-wop reciclado al rockabilly que llegó a editar un buen single por su cuenta), sus siguientes discos fueron aun mejores, e incluso "One more time" llegó a entrar en algunas listas de éxitos sureñas y le convirtió en telonero de Carl Perkins. Sin embargo siempre era comparado con Presley, con lo de handicap que ello llevaba, hasta extremos ridículos y que no le hacían justicia. Una vez se le presentó en la radio con estas palabras: "Ustedes han oido a Elvis la Pelvis, oigan ahora a Andy el Dandy". Así las cosas se trasladó a Idaho para hacer un show semanal y fichó por discos Kapp, que suavizaron un poco su sonido por lo que su único single con ellos, "Do it right now" (1957), fue también un fracaso. Desesperado y sin compromisos con sus músicos al disolverse Los Strikes cuando a su lider Willie Jacobs lo llamaron a filas (el resto aceptó trabajos convencionales: administrativo de escuela, marino, visitador médico, técnico de televisión, vendedor de neumáticos...) aceptó la oferta de un promotor de Alaska de ir allí a actuar cuando este le regaló un flamante T-Bird como anticipo. Allí se estableció y cuando unas fans le arrancaron la ropa durante una actuación se le ocurrió que sería más sencillo, espectacular y barato incorporar un semi-strip-tease a sus conciertos. Sentido del humor y jeta no le faltaban. Aun así añoraba el sur y además estaba muy bien considerado por las discográficas por su gran talento, y volvió a Nashville en 1961 para grabar con los mejores músicos de rock and roll del momento. Aun así, y a pesar de su calidad, los singles resultantes pasaron sin pena ni gloria, siendo editado "Feelin´ and dream" (1962) solo en Gran Bretaña. A mediados de los años 60, harto de decepciones e injusticias por parte de un público ignorante que solo reclamaba pop, dejó definitivamente Alaska y se trasladó a Idaho, donde se empleó primero en un aserradero, luego como pincha-discos, más tarde como sacristán, para terminar como pastor evangelista en reservas indias, todo ello sin dejar de cantar en cualquier club que quisiese escucharle y acreditado ahora como Frank Starr y acompañado a veces por un grupo igual de peculiar que él llamado Los Blue Notes. Este loco periplo lo finalizó cuando se licenció en filosofía en los años 70 y fundó su propia compañía discográfica, Starr, con la que editó algún disco, uno de ellos de gospel, y quiso volver con fuerza al negocio musical, aun destilando muchas veces buen rock and roll. Pero se topó con la censura estadounidense que calificó alguna de sus canciones como pornográficas y ofensivas a los políticos. El intento romántico de presentarse a presidente en las elecciones de 1996, culminación de una serie de intentos por introducirse como un torpedo en los ámbitos de la administración, para destrozarla desde dentro, se saldó con el previsible fracaso, pero no se le pudo culpar de no haberlo intentado. La realidad es que oyéndole en sus mítines pseudo-místicos se podría pensar que estaba como una cabra, pero siempre sería una cabra mejor, más competente y buena, y sobre todo, más rockera, que toda la sarte de criminales que han ocupado la presidencia de su país desde entonces. Luego grabó un dueto con Gail Lloyd, la cantante de Los Tricksters, y un CD de rockabilly y country llamado "Starr struck" (2002), espléndido testamento musical pues menos de un año después fallecía en su estado natal el último rebelde salvaje del rockabilly a la edad de 70 años, dejando varias viudas y siete hijos. Por su parte, una vez se hubo licenciado, Jacobs se dedicó al periodismo un tiempo antes de dedicarse a vender seguros, aunque siempre siguió cobrando royalties por las canciones que escribió para Starr, pocos, y para otros artistas como Ricky Nelson ("If you cant rock me"), muchos.
Aunque parezca mentira nada de este artículo tiene que ver con la banda de rock & roll estadounidense de los años 50 Andy Starr & the Casinos, estos solo aprovecharon lo atractivo del nombre artístico de nuestro talentoso amigo.
Músicos: Andy Starr (voz y guitarra), Bob Gulledge, Larry "Red" Adair, Albert Branden Cornelius, J.B. Brinkley, Jack Peterson, Ray Edenton, Harold Bradley y Buck (guitarra), Marvin Pace, Bob Moore y Don Alexander (contrabajo), Clark "Chuck" Gulledge (guitarra acústica), Johnny Pace y Floyd Cramer (piano), Tom Gwin, Walter Paschal Parsons, Buddy Harman y Richard Ochoa (batería), George Burns, Lonnie Mitchell y Boots Randolph (saxo), Neil Livingston (steel guitar), Willie Jacobs, Kenneth Ewing Scott y Paul Kunz -The Strikes- y The Jordanaries (coros) y Wlson-McKinley Jesus Rock Band.

"Rokin´ rollin´ stone"

Duraznito (Lima, 1960 - 1963)

2011-03-31T19:13:00.009+02:00

El rock and roll también llegó al Perú a finales de los años 50 y legiones de adolescentes pasaban sus horas libres escuchando los escasos discos que del género ponían en la radio y bailando al son del nuevo ritmo. Uno de ellos, aparte de bien parecido, tenía una buena voz y un gran oido para interpretar aquellos temas norteamericanos. Se llamaba Jorge Botteri y era siempre invitado a cantar por cualquier proyecto de conjunto musical rocanrolero que surgiese en la zona para actuar en fiestas escolares. Tenía tan buena acogida que, cuando terminó el instituto, se presentó en discos MAG para una audición, siendo contratado como solista de la orquesta de Lucho Macedo, en aquel entonces con un puesto vacante. Fue suya la voz del single de esta formación "Pequeño diablo" (1959), una versión tropical de un éxito de Neil Sedaka, pero no era esto lo que quería Botteri y la empresa le presentó al músico chileno Luis Durand (ambos en la foto), con unas inquietudes musicales rockeras más cercanas a las de él. Decidieron formar un grupo de rock and roll con el ridículo nombre de Duraznito, por los arreglos de Durand evidentemente, que cuando empezaron a decantarse por el twist tan de moda pasó a llamarse Duraznito & sus Twisters, contando entre sus miembros con el prometedor multi-instrumentista y cómico Pacocha, el cual ya había tenido un conjunto, Son Cubillas, junto a sus hermanos y que pronto se cambiaría el nombre artístico a Melcochita. Empezaron a grabar una serie de temas para editar primeramente un álbum, pero antes de acabar Botteri ya se había enfadado por discrepancias económicas y abandonó el proyecto (en este LP aparecerían grandes temas como "Presumida" o "Peppermint twist"). Para completarlo se recurrió a su antiguo colega de colegio César Altamirano, pero fue la magnífica voz de Botteri en el single "El twist" la que les catapultó a la fama. Este inesperado éxito animó a Botteri a regresar a MAG y comenzó a grabar una serie de singles, acreditado ahora el grupo como Duraznito canta Jorge Botteri, que se vendieron muy bien, no solo en el Perú sino también en Méjico y Venezuela. A pesar de lo bien que les fue durante un par de años, Botteri, un tipo serio, prefirió dejar la carrera musical para terminar los estudios de ingeniería que ya había comenzado, sin que ofertas millonarias de empresarios mejicanos para que siguiera pudieran convencerle. El grupo no pudo sobrevivir a su marcha y se disolvieron poco despúes. Botteri volvería a la música en los años 70 al formar el dúo de rock tropical Los Blancagüays (junto a Kroffer Jiménez V, que había tenido la banda Popy & sus Pirañas), que cosechó un tremendo éxito con el tonto tema "La palmadita". Luego se pasó a la producción, fundando su propio sello que apoyó a muchos grupos horrendos aunque de geniales nombres, como Los Engreidos del Mantaró, que con su tema "Rompeponchos" fueron los que más dinero le dieron, aunque también siguió apoyando el rock & roll de la mano de nuevas bandas como Laos Cuatro Gatos o Los Dakotas. Fue Botteri también un innovador del diseño discográfico mundial gracias a sus conocimientos de ingeniería indsutrial, siendo el primero en editar vinilos de caña de azucar y coloreados en diversos tonos, invento que con la llegada de la psicodelia no le fue dificil exportar con éxito. Apoyando la música en todos sus frentes siguió este gran hombre hasta practicamente el día de su fallecimiento en el año 2009. Por su parte Durand siguió como arreglista de diversas agrupaciones musicales, principalmente de cumbia, bandas en las que muchas veces también estaba su hermano Víctor y otros integrantes de Duraznito. el contrabajista Joe di Roma se dedicó a la composición unos años hasta que decidió pasarse a la música clásica en su faceta comercial de los años 80, primero formando Joe di Roma y sus Violines de Ensueño y más tarde un dúo de valses con Aida Valencia. El batería se pasó a la cumbia sin muchos escrúpulos y lideró Paco Zambrano & sus Ratones, agrupación que también contó entre sus filas con el saxo de Duraznito Germán Neciosup, músico que también tuvo su propia orquesta de salsa y que luego formaría la olvidable banda Los Tiples Peruanos. Melcochita, por su parte, se dedicó al humor televisivo con gran éxito convirtiéndose en uno de los personajes más populares de Perú. Grabó varios discos más en solitario o con agrupaciones con nombres tales como Karamanduka with Mag Peruvian All Stars, Las Estrellas del Son (con Johnny Pacheco) o Los Hermanos de la Salsa (con Lita Branda), ninguno de los cuales la guerra me ha hecho tan cruel como para recomendaros.
Músicos: Jorge Botteri y César Altamirano (voz), Roberto Váldez (guitarra), Joe di Roma (contrabajo), Chatón Alcazar (piano), Paco Zambrano (batería), Germán Neciosup (saxo), Víctor Durand (trompeta), Pablo "Melcochita" Villanueva (guitarra y piano) y Los Gorrioncitos (coros).

Ponga lo que ponga es de Duraznito y sus Twisters y de 1960.

The Jive Rockets (Atenas, 1992 - 1995)

2011-03-31T10:16:00.006+02:00

El revivalismo rockabilly también llegó a Grecia en los años 80, aunque la calidad y éxito de las bandas que surgieron fue muy inferior a las de sus colegas de Europa Occidental. Uniendo elementos de diversos grupos amateurs de la capital surgió la que posiblemente sea la mejor banda del género del país, Los Jive Rockets, liderados por Tasos Savoulidis, cuyo padre ya había sido un cantante de grupos de rock and roll aficionado en los años 50. Americanizando sus, para nosotros, complicados nombres (Tasos pasó a llamarse Sneaky, por ejemplo), se lanzaron al circuito de actuaciones en clubs locales, acogidos en principio con curiosidad y después con entusiasmo por cada vez mayores legiones de fans. Finalmente fueron fichados por la discográfica local Pegasus, la cual le editó el single "Hot stuff" (1993), que es a día de hoy, aunque no es que fuera un éxito de ventas precisamente, un disco de culto entre los rockers griegos. Por desgracia la falta de respuesta masiva popular hizo que Pegasus no siguiera apoyándoles y los chicos volvieron a tocar en pequeños bares y clubs durante unos años antes de decidir disolverse, yéndose su guitarrista Papathanosiou a la banda de garaje The Dirty Saints, mientras que su pianista se integraba en el mundo del jazz. Sneaky (que ahora se hacía llamar Ace Moreno) y el contrabajista Buddy, con el nuevo empuje rockabilly del siglo XXI, decidieron volver a formar el grupo, haciéndose llamar ahora, simplemente, The Rockets, trayendo un par de músicos nuevos. Su sonido, ahora más pulido, quedó pronto reflejado en su EP "Rockin´ dream" (2005) pero sobre todo en su excelente CD "Hot rod boogie" (2006), más enfocado ya al más abierto mercado hep cat y conteniendo tanto temas propios como versiones de clásicos. Pronto se vieron teloneando a Robert Gordon o a Los Meteors y participando en los más importantes festivales nacionales como mayores estrellas locales. Actualmente siguen en activo y en forma, aunque Savoulidis combina la música con su trabajo de diseñador gráfico y de transformador mecánico de hot-rods.
Atención, porque existe una banda de rockabilly británico llamada The Jive Rockets también, que aun no ha grabado ningún disco, que no tiene nada que ver con los griegos aquí tratados.
Músicos: Anastasios "Sneaky" Savoulidis (voz y guitarra), Antonis "Wild Little Tony" Papathanasiou (guitarra), Xristos "Buddy" Zois (contrabajo), Giannis "Big O´John" Karagianakis (piano) y Dimitris "Vergone" Kefalidis (batería).

The Packards (Nueva York, 1955 - 1958)

2011-03-29T12:41:00.003+02:00

Los compañeros de un instituto de Manhattan, Milton Turner y Ray Hayes, formaron un grupo de du-duá reuniendo algunos vecinos del primero, entre los que estaba el polivalente Bill Fredericks, y decidieron llamarse Los Packards, como uno de los modelos de coche más lujosos del momento. Giraban en torno al talento musical de Hayes y a la experiencia de Turner, que había trabajado brevemente con Los Willows, y empezaron a cantar fuera de la casa de Duke Ellington, que también era vecino, para ver si le impresionaban. Finalmente consiguieron contactar con el modesto sello de música negra Pla-Bac, cuyo co-propietario era el director de big band Paul Boyers, pero ni con esas consiguieron evitar graves problemas en el estudio de grabación, como que el sonido instrumental fuese añadido a posteriori o la inadecuación de las voces. El resultado fue desigual, mientras el single compuesto por los chicos "Ding dong" (1956) sonó bastante en Nueva York, el que les impusieron en la discográfica, "Ladise", está considerado por muchos como uno de los peores discos de la época. Esto, unido a la poca promoción de la discográfica, que apenas les consiguió actuaciones, hicieron que su tenor dejase el grupo ya que las responsabilidades familiares (era con mucho el mayor del conjunto) le exigían un trabajo mejor remunerado. Fue sustituido por la mujer de Hayes, lo cual cambió tanto el sonido que creo malestar y, finalmente, la disolución de la banda. El matrimonio Hayes y Turner contactaron entonces con un tipo llamado Connie McGill (si, un hombre) para formar The Visions, que tras la marcha de Barbara y Turner y las subsecuentes sustituciones pasaría a llamarse Connie McGill & the Visions, haciendo ya soul durante los años 60. Mientras tanto Turner se unió a sucedaneos Moonglows de Bobby Lester durante un tiempo, antes de irse a los fracasados Ridley Brothers.Por su parte Fredericks se había convertido en un cantante de cabaret tan especialista en canciones de Los Drifters que cuando estos necesitaron un nuevo cantante en 1966 recurrieron a él. Estuvo con ellos hasta 1974 (llevándose un tiempo con él a su amigo Turner, hasta que este decidió probar suerte en el cine de black-explotation, sin conseguirlo), año en que empezó una digna carrera en solitario que le reportó algunos discos y actuaciones en Europa practicamente hasta el día de su muerte en 1999, con 57 años de edad. Turner, por su parte, continúa en el mundo de la música, treabajando en la sección de promoción de una modesta discográfica.
No debe confundírseles con el grupo revivalista surf de igual nombre de los años 80, y de efímera vida, que fue una de las creaciones del gran Paul Johnson.
Músicos: Clive Williams (tenor), Ray Hayes (barítono, voz bajo y piano), Milton Turner (2º tenor), Bill Fredericks (barítono y voz bajo), Bill Atkins (barítono), Barbara Hayes (soprano) y la orquesta de Paul Boyers.

"Ding dong"

Ravenna & the Magnetics (Seattle, 1978 - 1983)

2011-03-22T18:46:00.005+01:00

El músico del nortemericano estado de Washington, Tom Berghan, tenía una banda de blues mediados los años 70 llamada Mike Martin & the Magnetics, por el nombre del cantante solista, pero la falta de éxito hizo que el grupo se disolviese. Berghan contacto entonces con tres amigos, Jeff Poskin, que durante un tiempo usó el mote de J.J. Holiday, Steve Grindle y el músico de origen finés Arne Leinonen, para retomar el grupo con el nombre, más simple ahora, de The Magnetics. Derivando su estilo hacia el rock and roll y sobre todo al rockabilly, al hilo del revivalismo del género en esos años. No pasaron de ser una banda más de la numerosa escena rockera de Seattle hasta que incorporaron a la guapísima cantante Freda Johnson, que comenzó a usar el nombre artístico de Ravenna du Mane, consiguiendo multitud de actuaciones y convirtiendose pronto en uno de los grupos más populares del estado y de la región. Tras dejar Leinonen el grupo graban su primer álbum, "Rockabilly fools" (1980), que a pesar de cierto horterismo de la época, es una magnífica obra que en no poca medida colaboró a la nueva explosión del género en los Estados Unidos en los años 80. No solo eran un grupo divertido (llevaban a veces un grupo de go-gos llamadas las Magnettes, o más adelante, al quedarse en dúo, Barbie & Midge. Midge se casó con Poskin), sino que la imagen de Ravenna abriría el camino a otros grupos con chica cantante con portentosa voz y mejor ver, afortunada tendencia que aun hoy sigue. El paroxismo de la explotación de su imagen, bella y rocker a la vez, llegaría con la espectacular portada del disco "Tennessee & Texas" (1981), donde aparecía desnuda solo tapada en parte por la bandera sudista. Entonces, por ciertos problemas internos, Grindle y Poskin dejan la banda para unirse al nuevo grupo rockabilly que había formado Leinonen, The 88´s (no confundir con The 88, que son una mierda), con el que se establecieron en Los Angeles y que duró hasta 1984 sin demasiada repercusión. En este tiempo Poskin tocó también con numerosas bandas del prolífico panorama angelino de los años 80: Levi, Tupelo Chainsex o Jimmy & the Mustangs, ninguno de los cuales tuvo demasiado éxito. Mientras tanto Berghan y Ravenna intentaron recomponer el grupo, incluso hicieron una versión de un tema de Los 88´s llamado "Real gone over you" y sustituyeron a Ravenna un tiempo, pero ya nada era lo mismo y el grupo se disolvió poco después. Ravenna intentó seguir con su carrera en solitario pero de forma sorprendente, en el año 1996, murió de un aneurisma cerebral cuando solo tenía 42 años, una auténtica desgracia, una más, para el rock and roll. Quizá algo asustado por esta maldición, Berghan se pasó al estudio de la música clásica, convirtiéndose en un gran experto en la música del barroco, de la que suele dar unos conciertos soporíferos con su laud.

Músicos: Ravenna du Mane (voz), Tom Berghan, Jeff "J.J. Holiday" Poskin y Al Kaatz (guitarra), Arne "Tubs" Leinonen (batería y tabla de lavar), Steve Grindle y Dan Sullivan (contrabajo), Roger Wark (voz), Tom Savornich, Bob Connole y Greg Keplinger (batería), Richard Hogan y Steve Flynn (piano), Darnell Kellman (saxo), John Seaburg y Paul Diffin (bajo).

"Mean little mama"

Billy Adams (Redbush, 1940)

2011-03-22T12:01:00.005+01:00

Nacido en un pueblecito de Kentucky, su padre trabajaba en la mina local para sacar adelante a duras penas a sus catorce hijos. Desde su infancia Billy se aficionó a la música hillbilly y su sueño era convertirse en un reconocido artista en gran parte para sacar a su familia de la extrema miseria crónica en la que vivían. Pero solo era eso, un sueño, pues les resultaba imposible reunir dinero para comprar ningún instrumento, y él y su hermano Charles se dedicaban solo a cantar acompañándose solo por los golpecitos a una vieja lata. Cuando su padre contrajo silicosis en la mina debieron emigrar de pueblo en pueblo en busca de trabajo, cada vez más pobres y al borde de la inanición. Establecidos en otro pueblo, su padre consiguió al fin una vieja guitarra para Billy, regalada por un buen vecino. Tenía tan buena voz y talento que poco después consiguió debutar en la radio local con solo doce años de edad. A la audiencia le encantó, pero un par de años después Billy cambiaría su estilo al rockabilly después de escuchar a un debutante Elvis. Formó su primer grupo, The Rock´n´Roll Boys, junto a su hermano y un amigo a imagen y semejanza de los Blue Moon Boys de Presley, y pronto grabaron por su cuenta una maqueta con la sensacional composición de Billy "Rock pretty mama" (1955), aunque realmente no fue editada por una discográfica hasta dos años después, ya acreditados como Billy Adams & the Rock and Roll Boys. Con esa canción como buque insignia consiguieron muchas actuaciones, iniciando una gira por el medio oeste estadounidense en la que a veces llevaban una formación poco usual con dos contrabajos y sin batería. En medio de ella llamaron a Sun Records y Sam Phillips, su propietario, aceptó hacerles una audición. Por desgracia cuando iban hacia Memphis su coche se estropeó y debieron volver a casa en autobús, perdiendo esta gran oportunidad. Allí se convirtieron en la banda fija de un local y poco después grababan su segundo single, "You heard me knocking" (1958), pasando a llamarse su grupo de apoyo poco más tarde The Rock-a-Teers. Entre estos discos destacan temas como "You have got a ducktail" (Tienes tupé) que aunque bien acogidos por la crítica y los sectores más rockeros, no fueron éxitos de ventas y los chicos, hartos de patearse las carreteras, decidieron separarse en 1959. Triste por el fracaso, por la separación de su familia, y sin duda influido por el bajón que el rockabilly experimentó en el favor del gran público, Billy se pasó al gospel, música que estimuló su ya de por si gran fe religiosa y se convirtió en pastor a partir de 1965 (aunque no le hizo ascos a experimentos con la música surf y otros estilos rockeros). En los discos de esta época se hacía acompañar de grupos como The Paramounts o Georgia & the Teens, aunque el más consistente fue The Breakouts. Esta extraña resolución a la que tantos pioneros del rock han llegado no impidió sin embargo a Billy seguir haciendo música en sus giras evangélicas, y no solo gospel, sino también country. Cuando el revivalismo rockabilly de los años 80 requirió a todos los grandes pioneros para festivales y nuevos discos lamentablemente nadie se acordó de Billy pues, casualmente, en esos días murió otro artista llamado también Billy Adams (este si grabó en Sun) y la gente, pensando que era nuestro Billy, ni se molestó en contactar con él. Se dedicó entonces a ayudar a sus tres hijas, que habían formado un trío de rock cristiano llamado Mountain Harmony, al que no le fue mal del todo. Sorprendido y harto de esperar, simplemente un buen día de 1998 se presentó en Sun Records y dijo que era Billy Adams y que tenía una cita allí desde hacía 41 años. Grabó pues un magnífico CD que le volvió a meter en la primera fila del circuito rocker y a reconocérsele como uno de los pioneros. Tras crear unos nuevos Rock-a-Teers acudió a los mejores festivales del mundo, debutando en Europa, en Hemsby, en 2002. Y así sigue, sorprendiendo a todo el mundo por su energía y sano aspecto.

Músicos: Billy Adams (voz y guitarra rítmica), Charles Adams y Dave Thornhill (guitarra), Curtis May, John Thornhill y Dennis Digby (contrabajo), Randall McKinney y Clif Doyal (batería), Georgia & the Teens, The Paramounts y The Breakouts.

"Rock, pretty mama"

"Historia del rock" (1986 - 1987)

2011-03-21T14:14:00.004+01:00

En octubre de 1986 el diario español El País lanzó como suplemento dominical por fascículos una historia del rock en 52 entregas cuya calidad, a día de hoy, no ha sido superada a pesar de lagunas y onerosas pérdidas de tiempo en estilos infames mientras se dedica poco espacio a los grandes genios de los años 50. La portada ya nos daba cuenta de la objetividad y conocimientos de la multitud de expertos musicales que darían vida a sus páginas: Un rocker, un punki, un mod, un bluesman y un surfer silban al unísono a una guapa chica que se les cruza por la calle. En cuanto a los capítulos de esta historia que más nos interesan, despues de dos episodios de prólogo para hablar de las raices del rock y de los objetivos de la obra (así como de Johnnie Ray), en el episodio tres se trata sobre los teenagers, los años 50 y los proto-pioneros como Bill Haley. El cuarto es un monográfico sobre Elvis, pero con un emotivo epílogo sobre Carl Perkins. El quinto se titula, de forma algo desconcertante, "Rock negro", y trata sobre los grandes maestros rockers de esta raza, Chuck Berry, Little Richard, Fas Domino, Bo Diddley, entre otros. El sexto se titula "Hijos de Elvis", discutible denominación para hablar de gente como Eddie Cochran, Gene Vincnet, Jerry Lee Lewis, Buddy Holly, Johnny Burnette y muchos más en uno de los fascículos más gruesos y atractivos. El capítulo siete se centra en los teen idols con un epílogo sobre un a veces no encuadrable Roy Orbison. El capítulo ocho se centra en las bandas de du-duá y los instrumentales, de forma la verdad es que demasiado breve y superflua a pesar de su importancia. En el número nueve se nos habla de las grandes factorías del rock (imperdonablemente apenas se habla de Sun Records), del escándalo payola que lo cambiaría para siempre, y del genial dúo de compositores Leiber-Stoller. El número diez está dedicado a los bailes de los primeros años 60, sobre todo el twist, y a los grupos de chicas. El 11 trata sobre los grandes responsables del rock and roll por el mundo, los Pekenikes, Dúo Dinámico, Los Sonor o Bruno Lomas en España, Johnny Haliday en Francia, Adriano Celentano en Italia o los Teen Tops en Méjico. A partir de ahí la enciclopedia sigue las derivaciones del rock and roll a lo largo de las décadas: pop, folk, surf (en un más que aceptable número 19), moviemto ye-yé, soul, psicodelia, hasta entrar en los mestizajes de los años 70, country-rock, jazz-rock, rock progresivo, tex-mex, etc... En el 31 llega el glam rock, en el siguiente el heavy metal, en el 36 el funk, en el 38 el punk, al siguiente la New Wave, el 41 lleva la movida española, el 42 el tecno, ... hasta llegar al revivalismo rockabilly de los años 80, con especial atención a los Stray Cats, en el número 47. En definitiva una buena colección de la que hay mucho que aprender aunque no se esté de acuerdo en el tratamiento de ciertos asuntos. Por cierto, Juan Antonio Asensio, si me estás leyendo, devuelveme la foto de Chuck Berry que recortaste cuando te lo dejé, pedazo de cabrón. Ya lo dice el dicho: "Libro dejado, perdido o estropeado".

Jackie Lee Cochran (Dalton, 1934 - Burbank, 1998)

2011-03-14T20:40:00.005+01:00

Uno de los hijos de una marginal familia del deprimido norteamericano estado de Georgia, su hermano gemelo murió a la edad de dos años, destino que compartía con el mismo Elvis. Su pasión por la música, principalmente hillbilly, también se desarrolló muy pronto y a la edad de seis años ya sabía tañer la guitarra. Siendo un niño su padre fue acusado de asesinato y condenado a 30 años de prisión por lo que el chiquillo debió vivir en casa de diversos familiares por los estados de Luisiana y Mississippi. Finalmente se estableció con su abuela en un pueblo llamado Gadsten, en Alabama. Alli fue donde consiguió sus primeras actuaciones, llegando incluso a telonear a Hank Snow cuando solo tenía 14 años, e iba por el buen camino hasta que su abuela, que no aprobaba que su nieto se metiese en el mundo de la farándula, le convenció para ingresar en las fuerzas aéreas. Destinado a Tejas cada día que tenía libre se marchaba a Abilene donde había conseguido una actuación radiofónica con cierta regularidad. De ahí pasó al festival Big D. Jamboree y, cuando lo destinaron a Alabama, fundó el grupo country Flying C. Ranch Boys. Consiguieron actuaciones en bares y restaurantes y en una emisora local de radio y cuando se licenció de la aviación se unió a la banda de Jimmy Swan, que fueron invitados a un importante festival en California. Fue estando allí cuando recibió el tremendo impacto de escuchar a Elvis Presley, lo que le hizo abandonar de inmediato la música country para centrarse en el rockabilly. Consiguió un manager que le puso el apodo de Jack the Cat, Jack el Gato, por su nueva imagen de rocker / gato (en la que destacaban sus chaquetas rosas y negras) y le consiguió un contrato con discos Sims. Su primer single, "Riverside jump" (1956), no tuvo el éxito esperado y decidió desobedecer a su manager y marcharse a California a tocar en festivales y a fichar por la discográfica Decca, más importante. Allí su single "Ruby pearl" (1957) se vendió bastante bien pero el representante disolvió el contrato al parecerle abusivo y empezaron una serie de problemas legales que bloquearon sus siguientes grabaciones. Fue un desastre tal que desde entonces se pasó a otros sellos menos importantes y el éxito no volvió a sonreirle, en parte también porque la fiebre por el rockabilly había empezado a decrecer. Así las cosas se puso a trabajar en la industría aeronaútica hasta que el revivalismo rockabilly de los años 70 le requirió, sobre todo en Europa, donde no dudo en venir de gira, añadiendo a sus nombres y apodos el de Waukeen, el nombre indio con el que le llamaba su abuela nativa cherokee. Grabó algunos discos más hasta que falleció en su casa de California cuando tenía solo 64 años.

"Ruby pearl"

The Arrogants (Nueva York, 1959 - 1965)

2011-03-08T11:05:00.006+01:00

Formados en el barrio neoyorquino de Brooklyn en medio de una fiebre por el du-duá que hacía que casi en cada esquina de la zona hubiese un grupo cantando, el nmbre que se pusieron da idea de cual era su carácter y seguridad en si mismos. Formado a medias por chicos italianos e hispano-tagalos, pronto consiguieron un buen número de actuaciones en bailes y clubs a pesar de lo tardío de su creación, en un momento en que el doo-wop empezaba su decadencia. Grabaron una maqueta bastante buena con la que consiguieron que la modesta discográfica Big A les editase el single "Make up your mind" (1960), una balada mediocre que pasó desapercibida pero que guardaba escondida en la cara B el pro-rocker "Tom boy". Como el éxito no llegaba a pesar de su orgullosa arrogancia decidieron emigrar a California. Serían pues el inédito caso de un grupo de la escuela neoyorquina de du-duá que inserto en la escuela angelina. Así fue cuando en Los Angeles les ficharon los de discos Lute de Marshall Lieb (el cual había tenido un éxito como cantante con su "Alley oop", con los Mar-Keys como coros) y les editaron "Canadian sunset" (1963), un doo-wop tardío que recibió buenas críticas y promoción en la radio. Hasta tal punto que se les reclamó desde Nueva York como hijos pródigos para algunas buenas actuaciones, y así siguieron un par de años más, aunque sin grabar nada más, antes de disolverse. En 1989 el productor Robert Diskin, que estaba editando una serie de discos recopilatorios llamados "They sang in Brooklyn" (Ellos cantaron en Brooklyn) pudo contactar con los Arrogants originales (que aun vivían en el barrio) y convencer a tres de ellos para que volvieran a los escenarios, completando la formación con dos nuevos cantantes, uno de ellos procedente de Los Excellents. Tuvieron tan buena acogida que grabaron incluso un CD antes de disolverse ya de forma definitiva a finales de los años 90.

Músicos: Franky Ayala, Sal Giarraffa, Augie Miuzzo, Tisziji Muñoz y Marshall Rivera.

"My heart stood still" (maqueta de 1962)

Art Adams (Carrolton, h. 1935)

2011-03-07T19:17:00.005+01:00

Nacido en el norteamericano estado de Kentucky en plena gran depresión, su numerosa familia de pobres granjeros vivía en una pequeña granja y el pequeño Art creció rodeado por las melodías de la música country. Pronto se aficionó a cantar y su recién estrenado cuñado le enseñó a tocar la guitarra en su adolescencia. Cuando el rockabilly hizo su espectacular aparición la música que hacían gente como Carl Perkins o Elvis encandiló al joven Adams y rapidamente se pasó al género formando el grupo The Kentucky Drifters, en el que también estaba su cuñado. tras algunos cambios en la formación decidieron rebautizarse como The Rhythm Knights, dejando su cuñado el grupo poco después pues él prefería el country. Consiguieron algunas actuaciones en bares de carretera y finalmente un contrato fijo en un club todos los domingos como teloneros de los hermanos McCormick. Finalmente los de discos Cherry les ficharon para el single "Indian Joe" / "Rock crazy baby" (1958), ya acreditados como Art Adams & the Rhythm Knights y consiguieron una actuación en la televisión local que les reportó bastante popularidad. Pero aparte de una sorprendente repercusión en Canadá el disco no dio mucho dinero y tuvieron que volver a los bares de carretera. Al pasar el tiempo sin llegar a ningún lado Art decidió hacer cambios radicales a principios de los años 60 y formó una nueva banda de rock and roll más pausado llamada Los Epics. Fueron en su momento la banda más conocida de Kentucky pero el gran éxito nacional jamás les sonrió y cayeron en el olvido. Art sobrevivió tocando en locales de mala muerte hasta que con el revivalismo rockabilly de los años 80 se le reconoció como uno de los pioneros y se le requirió para la proliferación de festivales que empezaron a surgir en Europa, y en eso sigue, habiendo grabado en el siglo XXI algunos CDs más que aceptables..

Músicos: Art Adams (voz y guitarra acústica), Dave Logston, Roy Robinette, Eddie Weil, Jack Scott y Bill Stewart (guitarra), Danny Cole (contrabajo), Ray Paley (steel guitar), Harold Knight, Bennie Abbott y Harvey Grow (batería), Paul Hutchinson (saxo) y Gary Thaxton (bajo).

Johnny and the Jailbirds (Wellingborough, 1973 - 2008)

2011-03-02T23:21:00.008+01:00

El joven rocker Johnny Red empezó a frecuantar las bandas y conciertos de los alrededores de Londres de finales de los años 60, sobre todo las actuaciones y eventos que organizaba el emergente movimiento teddy boy. Pronto formó un club social que derivó en pandilla juvenil llamada los Hound Dogs, pero su verdadera ambición era convertirse en cantante, sobre todo después de conocer a Shakin´Stevens y que este le enseñara las grandes obras maestras del rockabilly de los años 50, sobre todo Johnny Burnette. En 1973, cuando emigró a la provincia e Northamptonshire, se propuso hacer realidad su sueño y puso un anuncio en el periodico para reclutar músicos y formar un grupo. Lo consiguió poco después formando Johnny & the Jailbirds, banda que en principio solo hacía versiones de clásicos del rockabilly, sobre todo de su adorado Burnette. No tardaron en conseguir conciertos por todo el país, pues proliferaban los clubs de rock and roll, pero hubieron de esperar a componer sus propios temas y perfeccionar su técnica varios años para ser fichados por la especializada discográfica Charly en 1979. Con algunos cambios en la formación el grupo empezó a ser reconocido en toda Gran Bretaña. icluso fuera de los círculos rockers, en gran medida por su impecable imagen y por el carisma de Johnny. Su primer álbum, "Out on bail", incluso consiguió triunfar en el extranjero, entrando sus canciones "Eileeen" y "Too much wine" en las listas de éxitos francesas, merecido premio a unos temas tan rockers como comercialmente viables. Los primeros años 80 fueron muy buenos para ellos, haciendo giras por toda Europa al amparo del revivalismo rockabilly, pero realmente vivían de los antiguos éxitos de "Eileen" y "Too much wine" sin aportar nada realmente nuevo. Así las cosas para los años 90 ya estaban totalmente olvidados por lo que muchos de sus componentes van dejando el grupo y Red se vio obligado a recomponer el grupo casi por completo en el año 2000. El disco que salió de esta nueva formación fue "Rockin´ the blues away", que aunque no malo no les pudo devolver a la primera fila en la que estuvieron en los primeros años 80. Sin embargo su tema "Red eyes to Memphis" consiguió llegar de forma sorprendente al número tres de algunas listas radiofónicas locales. Finalmente, en los primeros años del siglo XXI deciden separarse de forma amistosa, muriendo al poco su guitarrista y compositor Richie Ball, y dejando como testamento un libro-disco con todos sus éxitos y su historia. Red sigue cantando en solitario

Músicos: Johnny Red (voz), Richie Ball (guitarra) y Jack Wright (batería).

"Roll on (clickety clack)"

"Diner" (Barry Levinson, 1982)

2011-02-25T18:35:00.004+01:00

Es curioso que la primera película para la pantalla grande del luego encumbrado director Barry Levinson fuera una de sus obras más completas y sólidas. Su personalidad y estilo se muestran aquí en todo su esplendor ante de que la comercialidad de obras posteriores la atenuara un poco y antes también de que ciertos alumnos de sus logros lo eclipsaran al superar al maestro en algunos aspectos. El argumento del film transcurre en los últimos días de 1958, fechas navideñas en las que vemos las vivencias de una pandilla de amigos que, a pesar de que se acercan peligrosamente a la treintena, se niegan a madurar y a dejar atrás sus días de juerga y despreocupación por más que ya alguno de ellos esté casado o a punto de hacerlo. Con el transfondo de una banda sonora sensacional de rock & roll y du-dúa sus acciones son una metáfora del final de la época de esplendor económica y social estadounidense de la que se niegan a salir a pesar de que el fin se ve ya claramente en el horizonte. Eddie hace un duro examen sobre deportes a su novia como prueba que ella ha de pasar si quiere llevarle al altar, Shrevie se pelea con su mujer porque le desordena los discos que tiene ordenados por artista, fecha y género, Fenwick se niega a trabajar o estudiar a pesar de ser un genio, y Boogie, el más salvaje de todos, se niega a llevar una vida ordenada amparándose en el juego compulsivo. Sin embargo, de forma inevitable, el tiempo y la edad se impondrán y todas sus vidas amenazan con llevar una vida ordinaria y madura, como queda representada en la escena de boda final. Ninguna de las acciones de la película es espectacular o transcendente, son solo anécdotas graciosas pero nimias a lo largo de unos pocos días en la vida de unos amigos de clase media, pero la habilidad narrativa de Levinson y su estilo personal, a base de largas conversaciones aparentemente intrascendentes pero que mantienen al espectador entretenido, convierten el film en una obra divertida y amena como pocas. En este aspecto, el de llenar huecos con diálogos intrascendentes pero muy entretenidos, es el ejemplo en el que se inspirará Tarantino para sus famosas conversaciones de sus posteriores films. Así, por ejemplo, en una de las reuniones de los chicos en el diner que da título al film (un diner es un bar pre-fabricado que abre las 24 horas), empiezan a discutir sobre quién es mejor cantante, si Mathis o Sinatra. Tras muchas y graciosas aportaciones a favor de uno u otro, Boogie, recíen llegado, zanja la cuestión diciendo simplemente: "Presley". No son rockers, pero son chicos inteligentes que les tocó vivir la edad dorada del rock and roll y que la viven como si se fuesen a morir al día siguiente, como así parece ser al menos figuradamente. El reparto es un lujo de grandes promesas del cine de entonces, algunas de las cuales se quedaron por el camino, o aparecen y desaparecen según las décadas: Mickey Rourke, Steve Guttemberg, Kevin Bacon, Ellen Barkin,... Todas haciendo una de las mejores interpretaciones de sus vidas y consiguiendo grandes premios del cine y de la crítica, etre ellos tres nominaciones a los oscars. De Levinson que decir. Que luego triunfó plenamente en el cine con películas como "El mejor", "Rain man", "Bugsy" o "Sleepers", que pueden gustar más o menos, pero que siempre destacan por una cosa: su sensacional banda sonora de rock and roll.

Kalin Twins (Port Jervis, 1934 - 2005 y 2006)

2011-01-28T11:10:00.010+01:00

Los gemelos noeyorquinos Harold y Herbert Kalin llevaron unas vidas paralelas como corresponde al discurrir de tantos y tantos hermanos idénticos. Ambos se convirtieron en grandes amantes de la música, descubriendo y empezando a interpretar rock & roll en su juventud. Cantando a dúo en modestas fiestas de su pueblo fueron descubiertos por el compositor Clint Ballard Jr., el cual quería entonces abrirse paso en el mundo de la música, y decidió convertirse en su manager. Con él los chicos consiguieron un contrato discográfico con Decca, editando un single muy high school, "Jumpin´ Jack" (1957), que pasó bastante desapercibido a pesar de su calidad. Quizá la competencia era demasiado fuerte en esos momentos en el mundo del rock & roll, pero los gemelos encontraron el camino cuando, rebuscando entre una pila de maquetas con temas inéditos, dieron con un tema que había escrito el gran Paul Evans y que podía adaptarse muy bien a ese rock and roll pausado y muy cercano al doo-wop que estaban queriendo hacer. El single "When" (1958), una de las grandes obras maestras de los últimos años 50, se elevó rapidamente al número cinco de las listas de éxitos en Estados Unidos y al número uno en Gran Bretaña, vendiendo dos millones de copias en esos primeros momentos y como agradecimiento iniciaron una gira por Inglaterra en compañía del nuevo ídolo local, Cliff Richard. Sus dos siguientes singles tuvieron un éxito relativo, pero nada comparado al bombazo que supuso "When", por lo que conforme las ventas iban disminuyendo la desilusión iba en aumento y para 1960 los chicos ya estaban completamente olvidados. Volvieron a sus trabajos habituales y a sus familias (Herbert llegó a tener hasta cuatro hijos), aunque volvieron a hacer un intento musical cuando los de la modesta discográfica Amy se intersó por lo que había sido de ellos. El single que nació de esta asociación, "Sometimes it comes, sometimes it goes" (1966), aunque hacía referencia a su suerte, era una triste sombra de la buena música que hacían en los años 50. Volvieron a separarse hasta 1977, año en que un amigo que abrió un club les pidió que actuasen en él. Recibieron una acogida tan buena que decidieron volver a reunirse de forma más o menos fija, granado incluso algún disco más, aunque la mayoría de sus actuaciones se circunscribían al local de su amigo e incluso a veces actuaban con su otro hermano, Jack, haciéndose llamar entonces Los Kalin Brothers. En 1980 volvieron a separarse hasta que su ex-compañero de fatigas Cliff Richard les reclamó para rememorar los viejos tiempos en una serie de macro-conciertos en el estadio Wembley de Londres llamados "The Event", en 1989. Fue una experiencia inolvidable pues a sus 55 años jamás habían tocado ante tanto público y tan entregado, ni tenían ya esperanzas de hacerlo. Al volver a Estados Unidos, muy animados, decidieron reemprender su carrera juntos aunque más adelante lo harían solo de forma esporádica hasta que, en el año 2005, Harold sufrió un tremendo accidente de coche, falleciendo como consecuencia de las heridas. Inseparables hasta la otra vida, su hemano Herbert le siguió solo unos pocos meses después como consecuencia de un ataque al corazón.
Músicos: Harold y Herbert Kalin (voz).

"When".

Sandy Stewart (Filadelfia, 1937)

2011-01-27T14:46:00.005+01:00

Su verdadero nombre es Sandra Galitz y ya siendo muy joven, gracias a su belleza, gracia y voz, entró a formar parte del mundo del espectáculo, pasando pronto a la televisión estadounidense donde fue contratada en un musical matutino familiar cuando solo tenía 16 años a mediados de los años 50. Allí se convirtió en una cara conocida de todos los hogares yanquis, explotando su simpatía y su amabilidad para con los invitados. Como representante del segmento más juvenil de la audiencia, Sandy Stewart, nombre artístico que adoptó, consiguió introducir en la televisión el pujante rock and roll que tanto le gustaba, no siendo extraño verla acompañar a los coros a los grandes rockeros del momento. Por ello fue reclamada en programas especializados en el género, com el legendario "Bandstand", y otros, llegando a su punto álgido con su aparición estelar en la película promocional del rock & roll "Go Johnny, go!" (1959), junto a las grandes estrellas del rock and roll. No desentonó entre ellos con algunos grandes temas entre los que destaca "Playmates". Figura emergente, fue reclamada en los programas de televisión más famosos de Estados Unidos, entre ellos los shows de Steve Allen, Perry Como, Merv Griffith y Eddie Fisher, siendo apreciada tanto por mayores como por jóvenes, cosa nada fácil entonces y ahora. Paralelamente también grababa discos, triunfando plenamente ya en época tardía con su "My coloring book" (1962), que llegó a estar entre los 20 primeros puestos de las listas, aunque a estas alturas ya se había pasado a las baladas románticas más aburridas posibles. Por eso no fue demasiado grave que, cuando poco después se casó con el conocido compositor de Broadway Moose Charlap y tras tener su primer hijo le pasara lo que a tantas rockeras pioneras, que eligieron dedicarse a sus familias antes que seguir en el mundo del espectáculo. Tuvo un retiro tranquilo y feliz, hasta que Moose murió con solo 45 años en 1974 y Sandy, con bastantes facturas que pagar ya que a esas alturas ya tenía cuatro hijos, tuvo que volver a la música, principalmente haciendo anuncios televisivos. Se volvió a casar con un trompetista y ya liberada en los años 90 de cargas familiares y económicas, formó un grupo de jazz junto a sus dos hijos mayores y su marido, Sandy Stewart & Family, y en eso sigue.
No debe ni puede ser confundida con la Sandy Stewart de la Nueva Ola romántica de los años 80.
Músicos: Sandy Stewart (voz), Bill Charlap (piano), Tom Charlap (bajo), George Triffon (trompeta) y Ron Vincent (batería).

"Playmates" en la película "Go Johnny Go!".

The Spiders (Nueva Orleans, 1953 - 1957)

2011-01-27T08:08:00.005+01:00

Un grupo de jóvenes estadonidenses, articulado en torno a los hermanos Carbo, se reunía los fines de semana para cantar gospel en las iglesias haciéndose llamar The Zion City Harmonizers, aunque ya para 1951 se habían cambiado el nombre a The Delta Southernaires. Un buen día les oyó un caza-talentos del estudio de grabación J&M y se los llevó con él para una audición. Les gustaban sus voces pero tenían que dejar de lado los espirituales y centrarse en el rhythm & blues, que era lo que la gente quería, así que les dijeron que se fueran y cuando tuviesen un par de canciones de ese estilo, volviesen. Así lo hicieron, aunque les costase perder a su pianista que no quería hacer música profana, y grabaron una serie de temas con la colaboración de los mejores músicos del estudio, grandes maestros entre los que se encontraba ese genio que es Dave Bartholomew. Se rebautizaron The Spiders (simplemente porque mientras ensayaban la mujer de uno de los Carbo gritó porque había una araña enorme) y de aquella sesión salió el single "I didn´t want to do it" (1954) que fue editado por el sello Imperial. Fue un sorprendente éxito que llegó al número tres de las listas de rhythm & blues y que inevitablemente llegó a oidos de su iglesia que los expulsó por hacer aquel tipo de música. Bartholomew se llevó a Chuck Carbo con él en uno de sus viajes a Hollywood, pues la discográfica veía posibilidades en lanzarlo como solista, y cuando volvió el resto del grupo no le dirigía la palabra por haberles dejado en tierra, algo injusto pues lo que no sabían es que Chuck había rechazado la proposición para estar con sus amigos. Su siguiente single, "I´m slippin´ in", ya giraba hacia el doo-wop más animado y rockeril (aunque el resabio gospel siempre les quedaría como una especie de sello de fábrica) y llegó al número 6 de las listas de R&B, por lo que se les consiguió una serie de importantes conciertos en California que habrían significado su salto al estrellato definitivo. Por desgracia el hijo de Chuck cayó gravemente enfermo, y murió, cancelándose la gira. Chuck (que cuando se recuperó algo de la pena se dedicó a cantar en solitario en locales de Nueva Orleans) no fue el único en dejar el grupo y otras sustituciones vinieron, cambiando algo el sonido del conjunto, aunque ello no se notó demasiado en las listas de éxitos, pues "21" llegó al número 9 en las de R&B y consiguieron buenos conciertos, uno de ellos teloneando a Chuck Willis. Finalmente Chuck Carbo regresó al grupo y su "Witchcraft" (1955) llegó al número 5 de las listas nacionales de R&B, pero ya el ambiente estaba enrarecido, ya no eran todos los amigos originales e imperaba la desconfianza. De hecho ahora si quería Chuck iniciar una carrera en solitario en complicidad con la discográfica y algunos de los sub-siguientes singles fueron acreditados como Chuck Carbo & the Spiders o como The Spiders with Chuck Carbo, a pesar de que a veces el grupo ni siquiera grabó sus voces (las hacia Joe Gaines, de Los Hawks). Chick, el otro Carbo, dejó entonces el grupo para intentar él también una carrera en solitario y claro, ya sin ataduras, Chuck hizo lo propio ahora ya claramente, llevándose con él al nuevo barítono de los Spiders y completando sus coros con uno de los miembros de Los Sha-Weez. Ambos hermanos fracasaron en sus carreras y mientras Chuck insistía penosamente (así siguió hasta los años 90), Chick volvió a reunir a algunos Spiders para un single pésimo a principios de los años 60, pero al poco cada cual volvió a su camino, dejando la música. A día de hoy todos los Spiders originales han fallecido, el último de ellos Chick Carbo en 2008.
Músicos: Hayward "Chuck" Carbo (solista), Joe Maxon y Bill Moore (tenor), Matthew "Mac" West e Issacher "Izzycoo" Gordon (barítono), Oliver Howard (voz bajo), Leonard "Chick" Carbo (voz bajo y solista), Dave Bartholomew (piano), Lee Allen (saxo) y Earl Palmer (batería).

"I´m slippin´ in"

Paul Evans (Nueva York, 1938)

2011-01-26T07:19:00.004+01:00

Nacido en el barrio neoyorquino de Queens, la familia de Paul estaba enteramente dedicada a la música ya que tanto su hermana como su madre tocaban el piano profesionalmente y otra hermana interpretaba canciones populares a la guitarra. Su padre, que tocaba la flauta, la vendió para comprarle la primera guitarra a Paul y su hermana le enseñó a tocarla. Durante su adolescencia se decantó por el country & western y otras músicas folclóricas del país, deleitando a sus compañeros ya en las actuaciones del instituto. Tenía talento y desparpajo por lo que pronto consiguió un programa de radio propio en una emisora local de corto alcance. Empezó a decantarse por el rock and roll nada más empezar a estudiar ingeniería, por lo que dejó la carrera para empezar a tocar en el duro circuito de clubs, por fortuna consiguió un contrato para actuar como cantante fijo en un crucero, trabajo mejor remunerado y más cómodo y seguro. La música que surgió de estas experiencias fue un rock & roll limpio aunque rápido, de gran calidad compositiva y adaptado a todos los públicos, que anticipaba la llegada del high school de los teen-idols poco tiempo después. Se presentaba en las casa de agentes musicales sin avisar, con su maqueta y su guitarra bajo el brazo para que le escucharan, y así en casa de uno de ellos, mientras jugaba al poker con sus amigos, le escucharon y les gustó (aunque se preguntaban que música era esa. El más listo de ellos dijo, mientras ganaba la mano y en tono despectivo: "Rockabilly"), vendiéndole a los de RCA. Estos le editaron rapidamente el magnífico single de debut "What do you know?" (1957) que sin embargo pasó bastante desapercibido. No así su composición "When", que vendida a los Kalin Twins se convirtió número uno de las listas, pero como la multinacional estaba ocupada en otros proyectos más ambiciosos (lease Elvis) Evans marchó, después de un par de discos más, al sello Decca, entonces el más prometedor en cuanto a nuevos lanzamientos de rock, desde donde su "I think about you all the time" (1958) fue un tremendo éxito en Canadá, aunque los productores no se lo comunicaron. Este feo, la falta de paga y las duras condicoiones que le imponían en las giras (con gente como Los Crests y Santo & Johnny, incluso a las Filipinas) hicieron que Paul dejase la empresa y se uniese a un grupo llamado Los Curls, que hacían una especie de doo-wop rockeril. A la vez consiguió colocar algunas de sus composiciones a otros artistas con bastante éxito (Carl Dobkins Jr. practicamente vivía de él), aunque su tema más conocido de esos días fuese, "Seven little girls (sitting in the back seat)" (1959), que ya sobrepasaba los límites del más edulcorado high school para caer en la baboseria más chocante y tonta y que le llevó a actuaciones televisivas todavía más grotescas,,una de ellas compartiendo escenario con un chimpance. Por suerte, aparte de sus necesidades comerciales, Evans conservaba su inmenso talento intacto y, mientras estaba de gira con la Bobby Comstock Band, arregló una vieja canción popular hasta convertirla en una de las grandes obras maestras del rock & roll, "Midnite Special" (1960), que luego le versionearon con más éxito los Creedence Clearwater Revival. Siguieron otras canciones sensacionales, divertidas y rockeras que merecían mucha mejor suerte comercial, pero que al menos dieron como resultado un álbum inolvidable. Curiosamente ahora, no sabemos si por llevar la contraria, Evans, que había sido pionero en el sonido high school, se decantaba por el rock & roll clásico cuando las tornas habían cambiado. Este gusto por ir a contracorriente, aunque le gana nuestro aprecio, le costó el olvido musical en su país y tuvo que fichar por una discográfica inglesa, país a donde se había desplazado el meollo del mundo rocker más auténtico. Poco después trato de hallar un termino medio, creando grandes melodías un poco al estilo del último Buddy Holly, como "After the hurricane" (1961) y fichó de nuevo por sellos norteamericanos. Buena persona e inteligente, su canción "Passing throught" fue muy criticada por esas malas personas que hay en su país (que son siempre los mismos, pero son muchos y pueden votar y todo) porque decía, en los momentos más tensos de la guerra fria, "yanqui, ruso, blanco o negro un hombre es un hombre". Su adscripción al pacifismo y a las buenas obras no conllevó un cambio musical al folk, sino que siguió apegado al rock y al country con una fidelidad asombrosa para los tiempos que corrían. Evans, además, fue pionero en tocar en cárceles para animar a los presos, cosa que luego popularizaría Johnny Cash entre otros, pero que Evans ya registró de forma brillante en su LP "21 years in a Tennesse jail" en una fecha tan temprana como 1964. Como el gran éxito no le sonreía se volcó más en su carrera de compoisitor para otros artistas, pues al fin y al cabo era lo que le daba más royalties. Así colocó temas a grandes como Jackie Wilson, LaVern Baker, Frankie Lymon, Fabian, Los Coasters, Pat Boone (al que influyó en su estilo) y al mismísimo Elvis ("I gotta know", por ejemplo), aunque su mayor éxito en este campo fue su tema "Roses are red, my love", que grabó con tremendo éxito Bobby Vinton. . Tambíen se dedicó a la realización de cuñas musicales para radio y televisión, algunas de las cuales editó como disco a su vuelta a los escenarios en los primeros años 70, pero ahora actuando bajo el pseudónimo de Eli Whitney. Sabiendo de su potencial a pesar de los años transcurridos y decidido a trinfar, recuperó su verdadero nombre y consiguió un tremendo y sorprendente éxito mundial con su canción de country-folk-pop "Hello, this is Joannie" (1978), que fue número uno de las listas country de las grandes ciudades estadounidenses y número 6 total en Gran Bretaña. Era un tema algo alejado de los parámetros del rock & roll pero bastante digno y que le valió otro contrato en Inglaterra. Por desgracia los años 80 fueron malos para él, con problemas familiares incluidos, y se refugió en la producción y composición alejado de los escenarios. Con la proliferación de festivales de rockabilly en los años 90, Evans reclamó su puesto en ellos sin ningún recato en su álbum de reivindicativo título "I was part of the 50´s" (1998), es decir, "Yo fui parte de los 50", algo que el gran público ya había empezado a saber desde que algún tema suyo apareciera en famosas bandas sonoras de películas como "Uno de los nuestros" o "Poderosa Afrodita". Actualmente esta a vuestra disposición y bastante en forma para cualquier festival, a ver si lo traeis.
Músicos: Paul Evans (voz y guitarra), Buddy Saltzman (batería), The Curls, The Rocky Mount Ramblers y The Brass Band.

"Midnite Special".

David Houston (Bossier City, 1935 - 1993)

2011-01-23T17:53:00.003+01:00

Descendiente de personajes insignes de la historia estadounidense como el General Lee o Sam Houston, David pertenecía a una de las mejores familias de Louisiana por lo que fue un disgusto para sus padres cuando en su adolescencia se empezó a decantar por la música, sobre todo por el hillbilly. Derrochó pronto talento, debutando en una fiesta local cuando tenía solo 14 años, y le apadrinó uno de los grandes de la música local, el veterano músico Gene Austin, que consiguió que se le incluyera en los famosos conciertos del Louisiana Hayride, de los que pronto se hizo habitual. Le contrataron los de discos Imperial para grabar el single "Blue prelude" (1955), que como su propio nombre indica todavía no pronosticaba lo que habría de venir. La evolución de Houston corrió paralela a la de otros artistas de su generación y descubrió en el rockabilly el estilo donde dar rienda suelta a sus ansias adolescentes, siendo fichado por los de la poderosa discográfica RCA que le editó una serie de excelentes singles entre los que destaca "Sugar sweet" (1956) y ello fue suficiente para aparecer en el popular programa televisivo L´Ozark Jubilee y en la película "Carnival rock". No es que fueran especialmente mal, es que RCA fichó en esos días a la gran figura en auge del género, Elvis Presley, y Houston quedó tan empequeñecido a su lado que la compañía se olvidó de él. Así las cosas no tuvo más remedio que marcharse y aceptar la oferta de un nuevo sello que buscaba artistas de talento para comenzar su andadura, me refiero a la NRC. Hizo algunos muy buenos temas de rock & roll, que fueron girando paulatinamente hacía el estilo high school a finales de los años 50, pero no tuvieron el éxito que merecían y, por esta y otras razones, NRC se declaró en bancarrota y Houston se vió en la calle y tocando en clubs de carretera. En este limbo se encontró duranrte años, hasta que en los de Philips se acordaron de él y le ficharon, grabando el excelente, valiente e injustamente olvidado single de rock & roll "Miss Brown" (1962) en una época en que ya estaba de capa caida el género, demostrando su fidelidad así a sus convicciones musicales a pesar del fracaso de ventas. Esto, empero, no era suficiente para las expectativas comerciales de la casa y no se le renovó el contrato, yéndose esta vez a Epic, donde le hicieron entrar en razón con respecto al camino a seguir en los nuevos y penosos tiempos que corrían. David, giró con dignidad hacía el hillbilly que tanto le gustaba, obteniendo un gran éxito con "Mountain of love" (1963), que llegó al número dos de las listas country. Convertido ya definitivamente en una nueva estrella de este género, obtuvo nuevos triunfos, destacando entre todos "Almost persuaded" (1966), que fue su primer tema en llegar al número uno. Los años 70 fueron propicios para él, cosechando grandes éxitos de crítica y público, sobre todo gracias a sus espectaculares duetos con las entonces emergentes estrellas del género Tammy Wynette y Barbara Mandrell. Se trasladó a vivir a Nueva Orleans donde llevó una vida más tranquila, sin tantas actuaciones ni giras en los años 80. Houston, sin haber perdido nunca su amor por el rockabilly, que gustaba de interpretar en privado, murió repentinamente de un aneurisma cerebral cuando estaba de visita en su pueblo natal y solo contaba 57 años de edad.
Músicos: David Houston (voz y guitarra).

"One and only" (1956) en la película "Carnival rock".

Clayton Watson & the Silhouettes (Centralia, 1956 - 1958)

2011-01-21T08:46:00.004+01:00

Un grupo de amigos del estado de Washington se juntaron para hacer rock & roll casi desde los comienzos del género. Ni que decir tiene que estos Silhouettes nada tienen que ver con otros grupos homónimos, como el de doo-wop de Filadelfia, el británico de los primeros años 60, el de chicas, el de jazz, el sudafricano (hay practicamante unos Silhouettes en cada país con tradición rockera, o no, del mundo) ni, claro está, el de acompañamiento de Ritchie Valens. En este había dos pares de hermanos, los Watson y los Hill, y eran unos auténticos entusiastas del rockabilly más salvaje, lo que dejaban traslucir en sus actuaciones siendo Wats el que más destacaba en escena a pesar de ser el batería. Él, en principio por falta de medios pero después por comodidad y libertad de movimientos, prescindió de algunas partes de su instrumento dando lugar a un elemento tan habitual del rockabilly como es hoy en día la semi-batería. Ya desde entonces era un conjunto algo extraño, con muchos miembros, varios instrumentos de viento y sin que nadie se atreviera a llevar la voz cantante de manera continua, por lo que muchos de sus temas eran versiones instrumentales de los primeros clásicos del rockabilly hasta que Clayton se lanzó a poner voz a los temas, primero timidamente, como en el primer tema que grabaron, verdadero antecedente de la música surf y single hoy practicamante inencontrable, "Wolf call" (1956). Cuando su idolatrado Gene Vincent vino a tocar cerca de su ciudad fueron a verlo raudos y como teloneros había un grupo local en el que destacaba sobremanera su guitarrista Jerry Merritt. Rapidamente lo ficharon para su grupo, que ganó así empaque y profesionalidad, pero los hermanos Hill parecían ahora estar de más y dejaron la banda. Uno de ellos, Carroll, se empleó en un casino y cuando fue ganando confianza con los años consiguió que le dejasen actuar de vez en cuando ¡Y a día de hoy todavía lo hace!. El resto fue fichado por Lavender Records y grabó grandes temas de rockabilly como "Everybody boppin´" (1957) o "Tall skinny Annie", muy influidos por la música de Vincent, y acreditados como Clayton Watson & his Silhouettes, lo que no debió de sentar bien a más de uno. Quizá por ello después decidieron cambiarse el nombre a Lord Dent & the Invaders, seguramente también para evitar confusiones con todos los otros Silhouettes que hemos nombrado y que estaban empezando a triunfar al mismo tiempo. Cambiaron su estilo totalmente hacia la música surf, de la que habían sido pioneros sin saberlo y ahora, a principios de los años 60 de moda, interpretando su ya tema de culto "Wolf call" y grabando algunos nuevos como "Tall cool one" (1961). Sin embargo se quedaron pronto algo atrás ante la llegada de las grandes figuras del género y decidieron separarse amistosamente.
Watson se fue a vivir a la playa, donde abrió un negocio propio que le da para vivir bien y Merritt murió en 2001 con 77 años de edad.
Músicos: Clayton Watson (batería y voz), Gary Edmonds, Gary Hill, Roger Jefferies y Jerry Merritt (guitarra), Jon Hickerson (bajo), Norm Lipscott (piano)y Carroll Hill, Bill Morrell, Rand Watson y Gary Scherer (saxo).

"Everybody boppin´".

The 4 Deuces (Salinas, 1954 - 1958)

2011-01-19T07:47:00.004+01:00

El humilde chico tejano Luther McDaniel se crió con su abuela ya que su padre falleció en accidente nada más nacer él. Fue ella la que le contagió su amor por la música gospel y no había cumplido aun Luther los doce años cuando ya salía de gira con su grupo del género, Los Mitchell Brothers. Pero un día su madre, que se había casado de nuevo con un militar destinado a California, vino a recogerlo para llevárselo allí. En los alrededores de la base conoció a tres soldados a los que también les gustaba hacer armonias vocales, formando un grupo bastante animoso pero totalmente amateur y sin pretensiones de ningún tipo. Un día Luther y un amigo se fueron a comprar algo de beber pero como no tenían ni un duro compraron el vino oporto blanco de cocinar más barato que hubía y lo mezclaron con zumo de limón, dándose cuenta que habían hallado una ambrosía a la que bautizaron WPLJ, siglas en inglés de Oporto Blanco con Zumo de Limón. ¡¡Habían descubierto el periflús 35 años antes que nosotros y por la misma vía!!! Que Dios les bendiga. El caso es que inspirados por tan delicioso brebaje compusieron una canción muy divertida que incitaba a beberlo bautizada como la misma mezcla. Raudo, Luther se la enseñó a sus compañeros que, muy inspirados por la ingesta del nuevo invento, decidieron pasarse al du-duá y bautizarse como Los 4 Deuces, es decir, Los Cuatro Follonetas (pero también es un sinónimo de poker). Empezaron a conseguir actuaciones con gran éxito y se les contrató para grabar su tema insignia en discos Music City. Allí, tomando el poderoso pero a la vez mareante elixir, necesitaron 44 tomas para grabar su canción, pero eso sí, se lo pasaron en grande y sin nervios ni nada, acompañados a los instrumentos por Johnny Heartsman´s Rhythm Rockers. "W-P-L-J" (1955) fue editada varias veces sin repetir tema en la cara B y sin que ninguno de ellos fuera de los 4 Deuces, a los cuales además el sinvergüenza del productor no les pagó ni un dólar en derechos de autor. Además, dado que tres de ellos eran militares, solo podían actuar en fin de semana, y no todos, limitándoise a conciertos en la zona, teloneando a artistas de segunda fila como Los Gaylarks o los propios Rockers de Johnny Heartsman. A pesar de todo se hizo justicia y su efervescente canción consiguió triunfar en el estado gracias a que una compañía vinatera la usó como melodía promocional y a que regalaba una copia del disco con cada botella. Sin embargo a este grupo le sucedió todo lo contrario que a muchos otros de doo-wop, su disolución no vino provocada por el masivo llamado a filas, sino precisamente por el licenciamiento de ellas. Así es, conforme se fueron licenciando sus miembros fueron regresando a sus lugares de origen, dejando solo a McDaniel, el unico civil, que tras intentarlo con algunos sustitutos, decidió disolver el grupo (unos efímeros 4 Deuces, también muy rockeros, que grabaron con el sello Everest en 1959, no tenían nada que ver con ellos). Continuó su carrera en solitario haciéndose llamar ahora Lord Luther, ya que muchos fans le llamaban Lord (Señor) con auténtica devoción. Su primer single, la balada "Just one more chance" (1958), llevaba en la cara B un tema de Los Gaylarks mientras que el segundo, la oportunista "I was a teenager creature", llevaba uno de Los Garnets, que no eran otros que la banda de Luther, los King´s Men, bajo pseudónimo (luego rebautizados como The Dave R Band, Esquires, 5 Hearts, Trimphs o Counts). Otro single más llevaba en la cara B a Al Lewis & the Modernistics, ya que al parecer el trabajo duro no era el fuerte de Luther y sí el periflús, que suerte. Siguiendo a ese ritmo su último single llevaba significativamente su versión del "The house of rising sun" (1968). Luego montó un garito que era la pera, pero que se llamaba Lord Luther, donde tocaban grupos, las camareras iban en top-less y se bebía periflús / WPLJ toda la noche. Aquel paraiso lo destruyó la llegada de la música disco que lo transformó en discoteca ya entrados los años 70. En el siglo XXI, ya con casi ochenta años, Luther a vuelto a grabar viejos temas y algunos nuevos de soul y a emprender nuevas giras por el circuito de clubs.
Músicos: Luther McDaniel (solista), James Dunbar y Walter Simpson (tenor), Orvis Lee Teamer (barítono), Henry Shufford y Buel Moore (voz bajo), Johnny Heartsman (contrabajo), Roy Cotton (batería), "Mellow" Davis (saxo) y Otis (piano).

"P-E-R-I-F-L-Ú-S"

Jimmy Lee Fautheree (Smackover, 1934 - Dallas, 2004)

2011-01-15T16:29:00.004+01:00

Nacido en un pequeño pueblo de Arkansas, al pequeño Jimmy su tío le regaló una guitarra y se puso a practicar con entusiasmo, convirtiéndose en seguida en un buen músico, practicando con sus dos hermanos pequeños Lynn y Jackie, que solían acompañarle cantando blues, gospel, country y por supuesto su favorito, el hillbilly. Como su padre trabajaba para una empresa petrolera la familia hubo de cambiarse de destino constantemente hasta que al final se establecieron en Dallas, Tejas, en 1946. Allí consiguió tal dominio de la guitarra y un estilo tan personal (precursor del rockabilly), que fue invitado a participar en el conocido programa radiofónico de conciertos Big D. Jamboree, entonces aun modesto, pero donde conoció al cantante country Johnny Mathis, que le recomendó a los del más importante Louisiana Hayride. Allí triunfó plenamente y en seguida le contrataron (Jimmy era además simpático como pocos y se hacia querer) para los siguientes festivales itinerantes que iban a organizar. Durante su estancia en Shreveport los de discos Capitol le grabaron algunos temas mientras actuaba y le editaron una serie de singles en los primeros años 50 que le convirtieron en bastante conocido en el mundillo del hillbilly, hasta el punto que después hizo un efímero dueto con la otra estrella del género en aquel momento, Johnny Mathis, triunfando con el tema "If you don´t somebody else will" (1953). Cuando Elvis empezó su carrera en 1955 fue el telonero de Jimmy Lee en el Hayride, sin embargo su aparición avasalladora y la poca vista de Jimmy para los negocios le relegó inmediatamente a un segundo plano. El rockabilly había matado a su padre, el hillbilly. Intentó Jimmy Lee adaptarse, acelerando los tiempos, incluyendo más equipo eléctrico, y grabando el magnífico tema rockabilly "Love me", a dúo con Wayne Walker. Pero todo era inútil y tuvo que emplearse como músico en la banda de la nueva estrella del country Faron Young, en la cual ya estaba empleado su hermano Lynn. Ambos decidieron independizarse y formaron el dúo Jimmy & Johnny, aprovechando el tirón que Jimmy había tenido con Mathis y a modo de falsa continuación, grabando el fascinante e inmortal tema propio "Sweet love on my mind" (1956), aunque Johnny Burnette se les había adelantado en hacerlo en unas pocas semanas. A pesar de su calidad tampoco a ellos les fue muy bien y se separaron en 1957. Volvió Jimmy a su asociación con Mathis, grabando nuevos temas de rockabilly, pero la cosa no fue bien en parte por la personalidad inestable de su compañero, y cada uno tomó su camino. Jimmy dejó la música aparentemente para inmiscuirse en el negocio familiar de montaje de mobiliario, pero grabó bajo el pseudónimo de Johnny Angel esa joya del rock & roll que es el single "Baby it´s love" (1958) con el "Teenage wedding" en la cara B, con un estilo irreconocible pero igualmente rockero, lo que demuestra su versatilidad y buen gusto. Acreditado como Jimmy Lee o Jimmy Fautheree grabó otros discos que también pasaron sin pena ni gloria, por lo que se pasó al gospel durante los 70 y 80, sin demasiado éxito tampoco. Finalmente se volvió a juntar con Lynn en 1995, aunque este enfermó de gravedad poco después deshaciendo de nuevo el dueto. Jimmy siguió en activo y no se le olvidaba pues en 2003 fue invitado de honor a un concierto que recordaba a las grandes figuras que pasaron por el Hayride, haciendo que todos los amantes del rockabilly que no le conocían repararan en su existencia y fuera reclamado para nuevos eventos, en ocasiones publicitado como "el hombre al que teloneó Elvis Presley". Así las cosas Jimmy se pasó ahora de forma clara al rockabilly, cuyos fans más le aclamaban, grabando y actuando junto al nuevo lumbreras del género, Deke Dickerson, y siendo invitado incluso al festival de Sussex, la primera vez que salía de su país. Pero estando aquí se encontró enfermo de neumonía y en las pruebas que le hicieron se le detectó un cáncer tan avanzado que se lo llevó a la tumba en pocas semanas y en plena resurrección musical. Así es la vida.
Músicos: Jimmy Lee Fautheree (voz y guitarra), Johnny Mathis (voz y guitarra), Lynn Fautheree (voz y guitarra) y Cosimo Matassa Studio Band.

"Sweet love on my mind",de los hermanos Fautheree.

Gloria Ríos (San Antonio, 1928 - Méjico D.F., 2002)

2011-01-13T08:20:00.004+01:00

Chicana nacida en Tejas, Gloria fue siempre una gran aficionada a cantar y a bailar y además, ya en su adolescencia, se convirtió en una muchacha guapísima por lo que su triunfo en el mundo del espectáculo estaba asegurado. Pronto, debido a su belleza y soltura, será contratada como corista en algunos espectáculos y así es como conocerá al cómico Resortes, con el que se casará y tendrá una hija (luego cantante de jazz) y gracias al cual entrará de lleno y definitivamente en el mundo de la farándula. Ambos se establecen en Méjico, donde Resortes es muy popular, y Gloria empieza a aparecer en varias películas, meoldramas bastante malos pero que le dan cierta fama. Una vez divorciada se hubo de volcar en espectáculos de revista, aunque consiguió un buen papel en una musical junto a Leo Acosta y poco después se la incluyó en una innovadora revista musical llamada "Del charlestón al rock and roll" (1955), donde se daba un repaso a la historía de los nuevos y alocados ritmos yanquis, incluyendo la última y revolucionaria aportación. La intervención de Gloria fue aquí muy importante, no solo por su imponente presencia física sino por su dominio del inglés que hacía que el rock & roll sonará más real a los espectadores, siendo ella la primera mujer en interpretarlo fuera de los Estados Unidos. Se especializó pues a partir de entonces en este género, como muestran sus singles "Hotel de los corazones rotos", "Allí nos vemos cocodrilo" o "El relojito" (1956), que podeis imaginar que temas versioneaba, editados por la todopoderosa RCA. Este último tema era una secuela de la película "Juventud desenfrenada", donde ya aparecía bailando al son de la orquesta de Mario Patrón (con el que se casó), siendo muy imitado su estilo de baile por las chicas, en unos movimientos que adelantaban en años la llegada del twist. Luego consigue papeles protagonistas en otro films promocionales del género como "Las locuras del rock and roll" o "La rebelión de los adolescentes" (1957), haciendo también múltiples apariciones en radio y televisión y convirtiéndose en una estrella. Pero sus canciones realmente no llegaban a los jóvenes, potenciales clientes del rock, pues para ellos Gloria era solo una vedette de teatro muy del gusto de sus padres, no se identificaban con ella, que ya rondaba la treintena y vestía de modo convencional, ni con su orquesta, formada por serios músicos profesionales de jazz incapaces de adaptarse totalmente al nuevo ritmo. Lo que es más, los adolescentes que hubieran querido no podían verla en directo pues no se permitía pasar a menores a esos espectáculos de variedades. La llegada de grupos más juveniles, con aspecto de rebeldes, con temas propios e instrumentos rockeros implantaría el rock & roll en Méjico con un empuje tal que practicamente todo el mundo se olvidó de la existencia de Gloria. Le había pasado exactamente lo mismo que al padre del rock estadounidense, su adorado Bill Haley, solo por haber tenido la mala suerte de nacer unos cuantos años antes de lo debido. Gloria se pasó entonces nuevamente a las películas dramáticas, quizás más acordes a su edad, pero terriblemente aburridas y obsoletas por lo que abandonó el cine por la puerta de atrás. Como salida de emergencia Patrón y ella acordaron una gira por Europa en 1960, teniendo cierto éxito en Alemania con una pícara canción que Gloria interpretaba competentemente en alemán. Sin embargo a la hora de volver el promotor les estafó, dejándoles tirados y sin el dinero, por lo que les dejaron embarcarse solo a cambio de que Gloria hiciese los espectáculos del barco gratis. Los pasajeros quedaron entusiasmados (Gloria no solo cantaba y bailaba sino que tocaba practicamente todos los instrumentos) pero ya en Méjico se encontró con que estaba en la ruina más completa y que había que empezar de nuevo. Contrató a un grupo amateur de rock and roll, Los Novels, a los que vió tocando en la calle en 1966, pero este intento postrer ya no dio ningún resultado y decidio retirarse de la música en 1971 para dedicarse más a su familia (tenía tres hijos). Más adelante se dedicó a profesora de baile, destacando entre sus alumnas la estrella mejicana Silvia Pinal, pero mayormente permaneció retirada hasta que, injustamente olvidada por todos lo medios de comunicación, falleció la pionera del rock en castellano a la edad de 74 años.
Músicos: Gloria Ríos (voz, guitarra, piano y batería), Tomás "La Negrita" Rodríguez, Héctor Hallal "el Arabe" y Chilo Morán (saxo), Leo Acosta (batería), Enrique "El Jeep" Almanza (contrabajo), Mario Patrón (piano), Las Estrellas del Ritmo, Los Novels y las orquestas de Pablo Beltrán Ruiz, Héctor Ortega y Cuco Valtierra.

"El relojito".

Joe Bennett & the Sparkletones (Spartanburg, 1956 -1960)

2011-01-12T09:13:00.008+01:00

Un grupo de compañeros de instituto del norteamericano estado de Carolina del Sur, liderados por Joe Bennett, decidieron formar su propia banda de rock and roll ya en los primeros momentos de la aparición del género. Aunque eran tan solo unos adolescentes de entre 13 y 16 años tenían las ideas bien claras y a mediados de 1956 Los Sparkletones ya habían derivado claramente hacía el rockabilly, interpretando sus propias canciones y habían adoptado una estética propia y llamativa a base de unas horribles chaquetas de lentejuelas. Fuera por esto o por la calidad de su sonido, el caso es que fueron invitados a participar en un concurso local que ganaron de calle. Allí les vio un cazatalentos que se los llevó con un contrato debajo del brazo a la compañía ABC de Nueva York. Tras conseguirles una aparición en el programa televisivo para jóvenes talentos de Ed Mack, muy popular allí, les grabaron el single "Black slacks" (1957) con Paul Anka haciendo los coros, pues ya que estaba por allí grabando algo, quiso echar una mano. Era un rockabilly salvaje y personal (con momentos en que cantaban todos a la vez) que rapidamente se aupó al número 17 de las listas nacionales, acreditado ya en la carátula como de Joe Bennett & the Sparkletones. Ello fue suficiente para que fueran invitados a los más famosos programas de la televisión nacional en muy poco tiempo, aunque ya en esos momentos Bennett estaba pensando en iniciar una carrera en solitario y faltó a alguna de esas citas por intentar otros compromisos, lo cual fue en perjuicio del grupo, lo que se notó cuando alguno de los singles subsiguientes (muy rockeros también) fallaron en las listas. Fueron requeridos también para alguno de los espectáculos de Alan Freed,pero cuando la vorágine del éxito se calmó, el contrato más suculento que les ofrecieron fue en un hotel de Las Vegas como grupo fijo. Al menos en aquel ambiente decadente tuvieron el honor de que el mismísimo Elvis fuese a verles y a felicitarles y de hacer de grupo de apoyo para Fabian. Cuando su contrato con ABC expiró sin nuevos éxitos se pasaron al modesto sello Paris, donde grabaron cuatro singles ya sin el original espíritu rebelde del rock & roll. No obtuvieron éxito tampoco,pero merece la pena destacar su "Boys do cry" (1959), quizá por significativo. Tras marcharse sus integrantes Howard Childress (con un suculento contrato para entretener a las tropas en Europa) y Jimmy Denton y como el éxito no volvía a repetirse (a pesar de las sustituciones oportunas por Gene Brown y Donnie Seay), decidieron separarse solo un años después cuando Bennett fue llamado a filas. Destinado a la base aérea americana en Torrejón de Ardoz (España), donde se hizo piloto, formó aquí junto a algunos compañeros un nuevo grupo de rockabilly llamado Joe & the Jaguars que llegó a grabar un disco en 1964 y a hacer de acompañamiento de una principiante Karina antes de licenciarse sus componentes. De vuelta a casa intentó sin éxito una carrera como cantante country, para dedicarse luego a la publicidad, a la enseñanza musical y finalmente a controlador aéreo. Del resto de la banda Childress se tuvo que dedicar a agente comercial una vez volvió de Europa; Denton se hizo operador turístico; el contrabajista Wayne Arthur se pasó a la música gospel, pero finalmente hubo de buscar un trabajo convencional en unas oficinas; Brown se hizo agente de seguridad y ahora dirige una de esas compañías de mercenarios; mientras que Seay es el único que sigue como músico preofesional. Los Sparkletones no volvieron a reunirse hasta los años 90 para algún concierto concreto al que fueron requeridos como artífices de uno de los temas más salvajes y conocidos del rockabilly qur todavía sorprende por su actualidad: "Black slacks".
Músicos: Joe Bennett (voz y guitarra), Howard Childress y Donnie Seay (guitarra), Wayne Arthur (contrabajo) y Jimmy Denton y Gene Brown (batería).

"Black slacks"